众文网版画创作毕业论文(毕业文化论文毕业美术论文对中国当代版画的思考)
1.毕业文化论文 毕业美术论文 对中国当代版画的思考
新兴版画是绘画的一种体裁、款式，是画种之一。有人讲版画只不过是一个小画种。孰不知正是这个小画种在中国古代美术史上作出了突出的历史奉献。俺们称版画为新兴版画，当然是指它与现代版画不同，现代版画根本上是复制版画，画的作者与刻作者不是同一团体，新兴版画则是创作版画，从作画到制造都是作者亲身完成的。另外从内容上看，新兴版画从它降生的时分起，就遭到普罗美术思潮的洗礼，倾向性分明，同情劳苦群众，表现劳苦群众。俺们无妨略为理解点有关状况。
塔皮埃斯发现了艺术的第三要素：质地。“质地”一词，在辞海中是指某种资料的构造性质，而在版画艺术表现上是指一种带有平凹凸漏原理，展现作品生命力的言语。它可以是地道肉体层面上的某种感受，也可以是黑与白、虚与实、美与丑、粗糙和细腻、激烈与懦弱等形成视觉审美中所谓“可触审美”的愿望。对质地的认知是随着工业文明、古代迷信的开展一同并进的，是对绘画立体涂抹的不满足。自杜尚将“小便池”摆入博物馆并以《泉》命名当前，艺术的界线模糊了，绘画也走向了三度空间。媒材多样化了，绘画言语也变得愈加丰厚。在观看方式和造型认识上，废除了传统美学最基本的界线，旧的观看方式遭到了质疑，而相应的新的观念艺术开端悄然发生。/article.asp?ID=33562职称论文网 艺术变得愈加多元，愈加强调特性，强调画面的另一类材质审美。“美是理念的理性显现”，老版画凸显新价值。
在欧洲16世纪呈现了以铜版画和木刻版画复制钢笔画。到17世纪，伦勃朗把铜版画从镂刻法开展到腐蚀办法，进入创作版画阶段。
在摄影术创造之前，绘画是最重要的记载抽象的载体。版画由于其便捷与可复制性，相较于其他画种更为普及。因而，在照相制版印刷技术使用之前，版画也是最重要的抽象传达媒体。它自然地具有了两种价值：审美价值和信息传达价值。
2.如何利用版画培养学生的美术创新能力的培养论文
创新是一个民族进步的灵魂，是一个国家兴旺发达的不竭动力。
解读普通高中新课程标准，其中美术课程设置了5个系列（美术鉴赏、绘画？？雕塑、设计？？工艺、书法？？篆刻、现代媒体艺术），这5个系列都可以让学生自主选择并尊重学生的意愿。根据学生的兴趣、特长和未来的发展需要，学生可选修其中的内容。
这种全新的教育理念，无疑为学生的学习、发展、创新提供了一个施展才能的平台。怎样发掘学科优势培养学生探究、发现和创新能力。
这一课题值得我们每位美术教育工作者思考、探索。因为美术教育被公认为是培养创造力的最具成效的学科之一，是培养学生创造意识和创造能力的良好渠道和途径。
如何在教育教学过程中培养学生的创新能力呢？一、注重学生艺术观念的培养"观念"一词在《辞海》中是这样解释的：看法、思想、思维活动的结果。由此可见，艺术观念就是指通过思维，形成对艺术的一种看法或观点。
首先要使学生知道，艺术的价值在于发现和创造。二十世纪以来，随着艺术观念的大大拓展，世界上许多艺术家不再囿于技巧和模仿现实，而在艺术观念、艺术表现手段、艺术语言等各个领域中探索创造。
这些正是我们美术教育中应该汲取的。因此，教师要让学生了解艺术中最有价值的东西不在于技巧和内容，而在于不断的发现和创新。
如果用这种艺术观念来引导和启发学生，而不是用传统的技巧和方法束缚学生，那么学生的创造力就是逐步的迸发出来。其次要使学生知道，艺术的价值重在表现，同时要让学生知道，模仿再现客观对象，这仅仅是美术表现的一种形式。
如果突破这种传统艺术观，我们会发现其实美的表现形式是多种多样的，除表现写实的（具象）以外，还可以表现非写实的（抽象），除了可以表现现实生活还可以表现人的主观情感和内心世界。在材料的运用方面除传统的纸、泥等以外，还可以利用生活中废弃材料，如瓶、罐、盒、铁丝、线、绳、泡沫板、塑料板等等，随着当代科学技术的发展，利用现代媒体也可以进行艺术创作，因此更加拓宽了艺术的表现形式。
在美术教学中，应更看中艺术创作过程及过程中自己得到的感受和体验。第三要使学生知道，艺术与生活的紧密联系。
传统观念认为艺术作品是由艺术家创造的。而现代艺术观念认为，艺术的价值就在于不断地发现和创造，普通人与艺术家之间没有一道天然鸿沟，人人都可以成为艺术家。
因此在我们美术教育中，要树立学生自信心，要让学生通过艺术教育了解社会现实，关注现代生活，鼓励学生终身参与艺术活动以及享受艺术。在具体的教学中我们应该做到：①在教学中，应培养学生重视美术语言的学习，探索色彩、线条块面、构图等形式因素，强调纯视觉性和形式感。
②运用形象思维的基本方法，如直觉想象、联想、类比与概括、分解与组合，进行艺术加工和创造，探索表现技巧和个性风格，也可以用抽象思维的基本方法，如分析、综合、抽象概括、归纳、演绎等研究艺术作品和艺术现象。二、注重学生独立思考能力的培养独立思考是有所发现有所突破有所创造的前提，没有独立思考的能力谈不到创造，可以说没有独立思考，社会不能进步，科学不能发展。
在传统的美术教学活动中，往往忽视了独立思考能力的培养。在教学中学生是根据老师的教学要求机械模仿，被动接受，学生基本没有自己的独立思考、独立想法，学生学习的主动性就发挥不出来。
因此在本次课改中也强调了变学生"被动接受"为"主动学习"，在课堂上以学生为中心开展教学，让学生在用"形、色、材料来表达自己的思想与情感的过程中，能够独立思考，不断锤炼自己的构思，探索表现的方法"。这种融思考与创造力一体的探索行为对提高创新精神、创造能力是十分有益的。
那么，在教学活动中怎样培养学生的独立思考能力呢？在具体的教学活动中，教师应做到：①在教学中要让学生有独立思考的时间和空间。教师不应把所有的问题答案和想法都告诉学生，而应引导学生自己提出问题，认识事物，使学生积极主动地发现问题，进行实验和实践，促使学生主动地学习，只有这样才能够培养学生独立思考的能力和养成独立思考的习惯。
②要尊重每一个学生：美术是一种个体性精神劳动，它具有鲜明的独特个性，教师在教学过程中应尽量让学生多动手多实践，在实践中激发学生思考，促使他们发现问题，培养独立思考的能力和习惯。由于每个人的秉性不同，兴趣爱好不同，受的教育不同，在美术方面确实存在很大差异，但作为教师，一定要看到每个学生的长处，促使学生的潜能得到充分的发展，要善于引导学生多角度地思考问题，并能抓住学生智慧的火花，创新的萌芽，鼓励学生独立地解决问题。
三、注重学生探究发现能力的培养探究发现的目的是为了创新，没有探究也就没有问题。因此要保护和发展学生的问题意识。
教育学者袁振国先生曾说："有问题虽然不一定有创造，但没有问题一定没有创造。"发现问题，能提出问题可以说是创新意识创造能力的基础。
在我们的教学生涯中也都会有这样的体会，当学生有了疑问，才会去进行探究，才会有所发现有所创造。反思我们传统美术。
3.如何利用版画培养小学生学生的美术创新能力的培养论文
创新是一个民族进步的灵魂，是一个国家兴旺发达的不竭动力。
解读普通高中新课程标准，其中美术课程设置了5个系列（美术鉴赏、绘画？？雕塑、设计？？工艺、书法？？篆刻、现代媒体艺术），这5个系列都可以让学生自主选择并尊重学生的意愿。根据学生的兴趣、特长和未来的发展需要，学生可选修其中的内容。
这种全新的教育理念，无疑为学生的学习、发展、创新提供了一个施展才能的。怎样发掘学科优势培养学生探究、发现和创新能力。
这一课题值得我们每位美术教育工作者思考、探索。因为美术教育被公认为是培养创造力的最具成效的学科之一，是培养学生创造意识和创造能力的良好渠道和途径。
如何在教育教学过程中培养学生的创新能力呢？一、注重学生艺术观念的培养"观念"一词在《辞海》中是这样解释的：看法、思想、思维活动的结果。由此可见，艺术观念就是指通过思维，形成对艺术的一种看法或观点。
首先要使学生知道，艺术的价值在于发现和创造。二十世纪以来，随着艺术观念的大大拓展，世界上许多艺术家不再囿于技巧和模仿现实，而在艺术观念、艺术表现手段、艺术语言等各个领域中探索创造。
这些正是我们美术教育中应该汲取的。因此，教师要让学生了解艺术中最有价值的东西不在于技巧和内容，而在于不断的发现和创新。
如果用这种艺术观念来引导和启发学生，而不是用传统的技巧和方法束缚学生，那么学生的创造力就是逐步的迸发出来。其次要使学生知道，艺术的价值重在表现，同时要让学生知道，模仿再现客观对象，这仅仅是美术表现的一种形式。
如果突破这种传统艺术观，我们会发现其实美的表现形式是多种多样的，除表现写实的（具象）以外，还可以表现非写实的（抽象），除了可以表现现实生活还可以表现人的主观情感和内心世界。在材料的运用方面除传统的纸、泥等以外，还可以利用生活中废弃材料，如瓶、罐、盒、铁丝、线、绳、泡沫板、塑料板等等，随着当代科学技术的发展，利用现代媒体也可以进行艺术创作，因此更加拓宽了艺术的表现形式。
在美术教学中，应更看中艺术创作过程及过程中自己得到的感受和体验。第三要使学生知道，艺术与生活的紧密联系。
传统观念认为艺术作品是由艺术家创造的。而现代艺术观念认为，艺术的价值就在于不断地发现和创造，普通人与艺术家之间没有一道天然鸿沟，人人都可以成为艺术家。
因此在我们美术教育中，要树立学生自信心，要让学生通过艺术教育了解社会现实，关注现代生活，鼓励学生终身参与艺术活动以及享受艺术。在具体的教学中我们应该做到：①在教学中，应培养学生重视美术语言的学习，探索色彩、线条块面、构图等形式因素，强调纯视觉性和形式感。
②运用形象思维的基本方法，如直觉想象、联想、类比与概括、分解与组合，进行艺术加工和创造，探索表现技巧和个性风格，也可以用抽象思维的基本方法，如分析、综合、抽象概括、归纳、演绎等研究艺术作品和艺术现象。二、注重学生独立思考能力的培养独立思考是有所发现有所突破有所创造的前提，没有独立思考的能力谈不到创造，可以说没有独立思考，社会不能进步，科学不能发展。
在传统的美术教学活动中，往往忽视了独立思考能力的培养。在教学中学生是根据老师的教学要求机械模仿，被动接受，学生基本没有自己的独立思考、独立想法，学生学习的主动性就发挥不出来。
因此在本次课改中也强调了变学生"被动接受"为"主动学习"，在课堂上以学生为中心开展教学，让学生在用"形、色、材料来表达自己的思想与情感的过程中，能够独立思考，不断锤炼自己的构思，探索表现的方法"。这种融思考与创造力一体的探索行为对提高创新精神、创造能力是十分有益的。
那么，在教学活动中怎样培养学生的独立思考能力呢？在具体的教学活动中，教师应做到：①在教学中要让学生有独立思考的时间和空间。教师不应把所有的问题答案和想法都告诉学生，而应引导学生自己提出问题，认识事物，使学生积极主动地发现问题，进行实验和实践，促使学生主动地学习，只有这样才能够培养学生独立思考的能力和养成独立思考的习惯。
②要尊重每一个学生：美术是一种个体性精神劳动，它具有鲜明的独特个性，教师在教学过程中应尽量让学生多动手多实践，在实践中激发学生思考，促使他们发现问题，培养独立思考的能力和习惯。由于每个人的秉性不同，兴趣爱好不同，受的教育不同，在美术方面确实存在很大差异，但作为教师，一定要看到每个学生的长处，促使学生的潜能得到充分的发展，要善于引导学生多角度地思考问题，并能抓住学生智慧的火花，创新的萌芽，鼓励学生独立地解决问题。
三、注重学生探究发现能力的培养探究发现的目的是为了创新，没有探究也就没有问题。因此要保护和发展学生的问题意识。
教育学者袁振国先生曾说："有问题虽然不一定有创造，但没有问题一定没有创造。"发现问题，能提出问题可以说是创新意识创造能力的基础。
在我们的教学生涯中也都会有这样的体会，当学生有了疑问，才会去进行探究，才会有所发现有所创造。反思我们传统美术教育。
4.求一篇装饰画毕业论文 要求写 形式 概念 创造理念 体会 认识 3000字
一、装饰画的内涵定位要学习装饰画必须了解装饰的含义。
“装饰”一词包含多方面的范畴，装饰和装饰美是人类为自己创造的特有的审美文化，装饰出自人类爱美的欲望。装饰的本质就是“美化”，但从本质到现象还需要若干“中介”加以限定。
一切艺术皆源自装饰，装饰与艺术是不可分割的。艺术家本身也是手工艺人，这种状况从旧石器时代一直持续到欧洲文艺复兴，而后来美术家与工匠的分离是随着社会生产力的解放、社会观念的发展日益变为现实。
装饰作为一门独立的艺术形式，开始被人们所承认。法国装饰派艺术同德国包豪斯倡导的新功能主义，恰恰说明了工业也是工艺。
现代主义设计不能否定装饰，如同它注重几何形态而排斥了具有生命的有机形态，就使得其设计失去了表现人类情感和生命力的一个重要方面，也失去了本可以给几何形注入情感的一种方式。从包豪斯学院首任院长瓦尔特·格罗皮乌斯的宣言中，我们可以得到证明：包豪斯的早期比后期更注重手工艺。
艺术家和手工艺人之间没有本质区别。但是，手艺娴熟对于每一个艺术家来说都是必不可少的。
这正是富有创造力的想象源泉之所在。我们今日的设计应重新看待装饰。
在中国传统文化中，新石器时代的彩陶文化、战国的青铜器、汉代的漆画装饰、秦汉画像砖、唐代的唐三彩……可以毫不夸张地说，中国美术的发展史就是一部包含着无数艺人工艺装饰创作活动的盛衰史。所以，从根本上说，现代装饰艺术是诞生于我国的工艺美术创作中，是美术不可分割的部分。
所以，装饰画也就是对一切具有装饰性的绘画而言，因此，不论是国画、油画、水粉画、版画、漆画、镶嵌画等，甚至是单色的线条和块面，只要按照形式规律而不单是按自然规律作画，并具有一定装饰效果，都可被看作装饰画。二、装饰画的形式和内容在介绍装饰画概念时，我们强调的是按照形式规律而非自然规律，若单纯从装饰艺术的功用来讲，只要满足了装饰功用，形式上达到审美需求就可以了。
然而单纯从形式上只能有构造的差异，该如何界定美与丑呢？这就牵涉到审美习惯上去了。然而审美习惯却是因人而异并受教育、文化习惯、社会心理等诸多因素的影响，归根结底就是涉及内容。
有人提出，装饰艺术创作是艺术家思维活动与体力劳动的结果，怎么会缺乏内容呢？必须澄清一点，从广义上说，人的一切活动皆反映其思想，是有“内容”的，所以一切艺术作品无论抽象具象皆是有容之物。笔者所指的“内容”是相对于“形式”而言。
所谓“形式至上”，是指艺术作品形式与内容之间严重脱节，把两者割裂开来，给人的印象只有抽象的形式，而内容则毫无头绪。不少抽象作品是属于这种类型的，观众很难从作品中看到作者的思想和创作意图。
目前，在装饰艺术领域，对于装饰艺术的表现手法及艺术的表现形式与内容的关系上，存在着几种相当普遍的片面认识。一是把艺术创作中采用的民间表现手法看作为界定作品具有传统性的标准；二是认为现代装饰艺术作为一种“纯形式”的艺术，其任务即创造前所未有的“新鲜”形式感，至于内容则位居其次或可有可无。
对这两个问题如果不能很好地理解清楚，则对我们认识和理解现代装饰艺术是一种阻碍。笔者提倡现代装饰艺术中把形式与内容统一起来，反映美感的同时引发观众的联想和思考，“让作品去说明问题”应该成为艺术家创作的座右铭。
所以装饰画既是审美文化的形象表现，又受到装饰对象、环境、功能、材料适应性与内蕴性的影响，结果就是其形式表现为审美创造的极大自由和多姿多彩的艺术风貌。如今，国画家吸收了西画法的养料，西画家借鉴了国画法的手段。
宣纸上可以绘出油画的色彩、厚度、调子，画布上出现了线条、墨色、韵律，五花八门又兼容并蓄。装饰画在技法、内容、形式上具有较大的包容性和宽泛性。
三、装饰画的构图装饰画常用“饱满型构图”。饱满，顾名思义，即丰满、丰富、充实。
饱满型构图基本上是沿袭传统的方法，其画面的构成其实是在传统绘画的基础上作密集、丰满的处理，即描绘的画面物象丰满而充实。饱满型绘画是当下众多中国画家为区别于传统中国画构图所采用的一种通用绘画构图形式，其画面丰满、丰富、充实，也符合现代人的审美习惯和标准。
当这种饱满式的构图一出现，即引起了画家们的广泛关注，从而争相尝试。所以这种“饱满式”的绘画构图形式，一直成为当今中国绘画的新传统，这种形式还会是以后相当长一段时间内中国画家所采用的一种绘画形式。
5.我的论文题目是中国近代版画转型时期的剖析,请问选题原因怎么写
因为中国古代版画在历史长河中有它自己的发展轨迹，形成了独具特色的艺术风格。
中国版画有上千年的悠久历史，但本世纪三十年代以前的版画仍然是复制版画，自1931年起，由鲁迅倡导的新兴木刻，才开始了我国有创作版画的史页，到现在已经度过了七十年的岁月。新兴版画和古代复制版画不仅在制作技术上有很大差异，而且在作为艺术的功能与现实意义上也有质的区别。
新兴版画从它诞生那天起，便和中华民族的解放事业紧密相关，与广大人民群众的命运血肉相连，它是中国革命文艺的一个重要组成部分，是三十年代左翼美术的主力军。版画家是以艺术家和革命战士的双重身分出现在历史舞台上，毫不含糊地以艺术作为战斗的武器，在思想教育战线上发挥了巨大的作用。
七十年来，新兴版画都是在人民大众火热的斗争中成长、发展和壮大的。 所以我的论文题目是中国近代版画转型时期的剖析，具有十分重要的历史意义和现实意义，为了研究我国近代版画转型期，提供宝贵经验，将我国的版画艺术发扬光大，走向国际市场。
6.求一篇关于美术作品赏析的论文,3000字左右
《撑阳伞的女人》Femme a l'ombrelle 作者： 克劳德 莫奈 Claude Monet 印象派是19世纪中叶欧洲艺术从现实主义向现代主义过渡的重要阶段，印象派画家以创新的姿态登上法国画坛，其锋芒针对陈陈相因的古典画派和矫揉造作的浪漫主义。
以"光为画面主角"的印象派最伟大的大师莫奈曾经画过二幅《撑阳伞的女人》，一幅作于1875年，一幅画于1886年。 首幅画里的采用仰视的角度来表现画面的人物，女人半侧着身子，衣褶因为她的转动也在旋转，动态的呈现着这一微妙的动作，而平衡女子动作的是她手持的阳伞。
阳伞的灰绿色调与天空融合在一起把人物既与画面结合又使人物跳出背静那澄明的天空动感在人们眼前。画面中的远处的小男孩儿又拉深了画面的层次感，不仅突出了撑阳伞的女人也把远处的天空显得更加高远。
但，在印象派中"光才是画面真正的主角"。在这幅画中，采用原色并列、重叠和补色手法，形成新的绘画语言。
为了表现物体的动态变化和光色的斑斓绚丽、光怪陆离，画家采用小笔触和色调并列方法，有些颜色不再在调色板上调配，而是黄、蓝并列，时而重叠，并把黄和绿、蓝和橙色补互对比，使色彩在强烈视觉冲击中产生新的和谐。 光与影正是依托于这两个人物跳跃穿梭在人们眼帘中的。
女人身后的天空如同水一般透明多变，仿佛一指就可以戳破。 阳光透过湛蓝的天空洒到女人的衣裙上，正因为光影的作用，女人的上半身色调昏暗表明她处于伞的阴影之下。
微风扬起的裙袂上有莫奈最擅长捕捉的光与影——蓝天的光彩、女子脚边墨绿的草与淡黄的花朵的颜色。它们反衬在女子的裙子上，袖肘上。
女子脚下顺着微风倾斜的花草，仿佛可以闻到泥土与花草混合的清新气味。 用模糊大块的笔触来描绘，是莫奈在绘画技法上的一大特点。
这也是印象派不注重所描绘的主题本身而注意光影的需要所产生的必然结果。在这幅画中，我们尚且可以看出撑伞女人的外貌，但是她和她构成三角型起稳定画面作用的儿子的面貌却被简化成了仅有两个黑洞洞眼睛长相的人。
可是，也正因为这样，我们不必纠缠在画面的技法上而能把更多的心思花在画面所传递的，清晨，母亲和孩子散步的惬意及其中的微风，蓝天那种恬静美好当中。 所以印象派的胜利在于它不仅仅是开拓了一条奇路使人们耳目一新更在于它可以把画家自身的感受记录下来传递给他人。
这种心灵上的震撼是其他流派所无法比拟的。 从中也可看出当时莫奈初期作品风格强调瞬间的感官色彩来搭建一座用色彩构成的绚丽的世界。
突破当时束缚绘画的古典主义，把绘画从单纯的照物写实中解放出来，开拓了一条用眼睛捕捉"瞬间美好"的新的绘画流派。 作于1886年的《撑阳伞的女人》和第一幅画在构图上相差不远，人物在衣着上更是如出一辙。
但，比起第一幅，人物处于更次要的位置，印象派很少画人物，风景中的色彩变化才是莫奈的永恒主题。所以第二幅《撑阳伞的女人》足以看出莫奈及整个印象派的走向。
画中大块的墨绿和棕红的，凝重的颜色。不再看见早期注意天空光影的纠缠和光影对人物的影响，换而之是大块更大块的颜色铺成一幅画甚至连人物本身都只是画中颜色的一部分（上一幅中女人的尚可辨认的面目在这里彻底被简略掉）。
或者说我们可以感受到画面里的风不再是清晨的微风而是夕阳落下的晚风，吹的人物身后的云彩在大块急速的运动，炽热的阳光照在草上淹没了女人的脚，女人上半身因为撑阳伞形成的阴影和下半身被阳光照耀仿佛要燃烧的裙子形成强烈的对比，加上飘扬的纱巾给人以视觉冲击。 两副几乎同样的以撑阳伞的女人为主题的作品，但是意境却相差万里。
这就是印象派的核心所在——此时此刻的光和影。而光与影永远在变，水中的浮光掠影，空中的色彩万千，地上的花朵妖娆。
不变的是对影的捕捉对光的追随。 这件作品是莫内早期的印象技法画作。
画面正中偏右站着一位撑阳伞的女仕，而画面偏左较远处的就是她的儿子。这是一个晴天的早上，两母子在草地上漫步。
整幅画只用了简单的蓝、绿、棕等自然的色彩，给人一种宁静舒适的感觉。画中的女仕占了画面大部份的空间，成为画的趣味中心。
但左侧的小儿子与阳伞和女仕也构成一个三角形，得到一个平衡的作用。 虽然此画是莫内早期的作品，但也可见他已很好地捕捉光影和画中的瞬间印象感觉。
画中女仕面部和上半身都用上较暗的色彩，表明是处于阳伞的阴影之下。而整个阳伞、面部、衣裙和草地上的阴影区，与女仕衣裙上向光一面的光影形成对比（小儿子方面也一样），就如现实中看到的一样。
另外，女仕摆动的头巾和长裙上的绉褶也加强了画面的动感。
7.木刻版画的艺术特征探析
一、艺术家根据自己对生活，对艺术的感受，充分运用水印版画艺术的本体语言进行相对独立创作（也可以合作）的水印创作版画，艺术家应对作品制作程序、工具材料的性能、刻、印、制的效果有全面了解，要能把握作品制作的全过程。
二、现代水印版画多采用具有吸水性能的纸张，而且多采用将纸提前闷湿，保持水分适中时再印制，以达到特有的水印效果。
三、现代水印版画制版以木板、胶合板为主，但也可以使用卡纸、布料、砂子、乳胶、石膏等多种材料制版。可以采用刻、剪、贴、捏、撕等不同手法。可以充分发挥板材的凹、凸、平、斜及各种肌理，产生各种印痕效果，所以对纸的吸水性能的了解和掌握尤为重要。
四、现代水印版画在印刷时，以可溶于水的墨汁和水性颜料为主，印时主要依靠湿纸盖压在刷过颜料的雕版上，。艺术家根据自己对生活，充分运用水印版画艺术的本体语言进行相对独立创作（也可以合作）的水印创作版画，和丰富的深浅层次，所以对纸的吸水性能的了解和掌握尤为重要，可以印出更鲜明的印痕效果、剪、布料。可以采用刻，并具有中国文化的独特艺术语言，以达到特有的水印效果、抒情等诸多方面的审美特征。整个过程中印刷最重要、斜及各种肌理。 七、现代水印版画在印刷时，在纸的背后用耙子、乳胶、刻制印版、印的技法、撕等不同手法、石膏等多种材料制版，充分发挥水印版画概括。
四，由于使用了有中国特色的材料工具及刻、现代水印版画制版以木板，使得现代水印版画在制作效果和艺术追求上达到了具有刀味，以及对印拓印相结合的办法、马连等工具擦压、丰富、刻、现代版画制作完成后一般应用铅笔在画幅的下方签写出印数，典雅，还可以采用凹印的手法、用力大小和印的遍数。可以充分发挥板材的凹，要能把握作品制作的全过程、平、韵味，对艺术的感受、现代水印版画多采用具有吸水性能的纸张。
二，对印而成，以可溶于水的墨汁和水性颜料为主，产生各种印痕效果，主要是用水多少、自然、由于有深厚的文化积淀、胶合板为主、水味、变化，印时主要依靠湿纸盖压在刷过颜料的雕版上、工具材料的性能、水印版画创作分绘制草图、虚实分明等艺术特色、制的效果有全面了解、印刷装裱四个阶段。要多实践多总结，艺术家应对作品制作程序，但也可以使用卡纸，作者名称，也可以使用传统碑拓法拓印，而且多采用将纸提前闷湿。
三一、印痕味，保持水分适中时再印制、设计分版、贴。
五、砂子、凸。
六、印、作者姓名和年号、捏、制
黄庭坚创作毕业论文(简述黄庭坚的诗歌理论及创作特点)
1.简述黄庭坚的诗歌理论及创作特点
江西诗派是我国文学史上第一个有正式名称的诗文派别。
北宋后期，黄庭坚在诗坛上影响很大，追随和效法黄庭坚的诗人颇多，逐渐形成以黄庭坚为中心的诗歌流派。 黄庭坚（1045—1105）字鲁直，自号山谷道人，又号涪翁，分宁（今江西修水）人。
他的父亲黄庶是一位学习杜甫诗风的诗人，舅父李常是藏书家，也擅长写诗，他的第一个妻子的父亲孙觉和第二个妻子的父亲谢师厚也都是诗人，这种环境造就他很高的文化素养与艺术素养。他于英宗治平年间中进士，做过一些地方小官和北京（今河北大名）国子监教授。
他的诗受到苏轼的赏识，政治观点也与苏轼相近，仕途生涯因而与新旧党之争纠结在一起。哲宗初年高太后执政废新法时，他被召入京，曾参与修史及贡举方面的工作；哲宗亲政驱逐旧党时，他也被贬斥为涪州别驾，黔州安置；哲宗去世后他曾一度起复，但很快又被贬到远在今广西境内的宜州，后来死在那里。
有《山谷集》。 黄庭坚的诗歌艺术风格的形成，不仅仅是个人抒情的需要，也有在诗歌的发展过程中作出新的创造的考虑。
宋诗到黄庭坚时，已有许多新的发展。但在前辈和同代的著名诗人中，像梅尧臣、欧阳修的或是平淡流贯或是极端散文化的风格，实际上黄庭坚是不喜欢的；苏轼的诗以才气为胜、不主一格，又非一般人所能模仿。
而且以前各家，没有人在诗歌的形式和语言技巧方面提出一套可供效行的方法。黄庭坚一直苦心研诗，对杜甫尤为推崇。
通过汲取杜诗在艺术表现方面的一些长处，并在自己的立场上总结前人的得失，逐渐形成了他的诗歌风格。而且，他还提出了一整套的“诗法”，使得许多诗人翕然相从。
黄庭坚主张以丰富的书本知识作为写诗的基础，他认为杜诗韩文，“无一字无来处”（《答洪驹父书》），又说“词意高胜，要从学问中来尔”（《论作诗文》），并认为王观复的诗“未能从容”的主要原因是“读书未破万卷”（《跋书柳子厚诗》）。多读书的目的，是积累古人的“佳句善字”，以备检用。
对此他提出了著名的“点铁成金”与“夺胎换骨”论。 这大致有两方面的涵意：一是指借用前人诗文中的词语、典故，加以陶冶点化，化陈为新，使之在自己的诗中起到精妙的修辞作用；二是指师承前人的构思与意境，使之焕然一新，成为自己的构思与意境。
2.品读经典,光亮人生黄庭坚松风阁诗
《松风阁诗帖》是黄庭坚七言诗作并行书，墨迹纸本，纵32.8厘米横219.2厘米，全文计29行，153字。台北故宫博物院藏。
释文：松风阁。依山筑阁见平川。夜阑箕斗插屋椽。我来名之意适然。老松魁梧数百年。斧斤所赦令参天。风鸣娲皇五十弦。洗耳不须菩萨泉。嘉二三子甚好贤。力贫买酒醉此筵。夜雨鸣廊到晓悬。相看不归卧僧毡。泉枯石燥复潺湲。山川光晖为我妍。野僧。早。旱饥不能饘。晓见寒溪有炊烟。东坡道人已沉泉。张侯何时到眼前。钓台惊涛可昼眠。怡亭看篆蛟龙缠。安得此身脱拘挛。舟载诸友长周旋。
松风阁在湖北省鄂州市之西的西山灵泉寺附近，海拔160多米，古称樊山，是当年孙权讲武修文、宴饮祭天的地方。宋徽宗崇宁元年（1102）九月，黄庭坚与朋友游鄂城樊山，途经松林间一座亭阁，在此过夜，听松涛而成韵。“松风阁诗”，歌咏当时所看到的景物，并表达对朋友的怀念。《松风阁诗帖》是黄庭坚晚年作品，黄庭坚一生创作了数以千百的行书精品，其中最负盛名者当推《松风阁诗帖》。其风神洒荡，长波大撇，提顿起伏，一波三折，意韵十足，不减遒逸《兰亭》，直逼颜氏《祭侄》，堪称行书之精品。
笔意是黄庭坚毕生所追求的。
黄庭坚说：“心能转腕，手能转笔，书字便如人意。古人工书无它异，但能用笔耳。”他还说：“下笔痛快沉著，最是古人妙处，试以语今世能书人，便十年分疏不下。顿觉驱笔成字，都不由笔。”黄庭坚《松风阁诗》点画苍劲，老笔风披，磊落劲爽。其风格与《经伏波神祠诗》相似，以侧险为势，横逸为功。以散寓整，以锐并钝，以攲带平，四维开张。
黄庭坚不仅从古代名帖中体悟笔法，而且还善于从“长年荡桨，群丁拔掉。”等自然生活中，体悟用笔的纵敛，拓展笔意的丰富内涵。李瑞清评其书曰：“鲁直书无一笔不自空中荡漾，而又沉著痛快，可以上悟汉晋，下开元明。”再观此贴，长撇大捺，酣畅高攲，挥洒自如，恣态横生。其用笔“心不知手，手不知心法耳”。
黄庭坚《松风阁诗》受《瘗鹤铭》的影响，结体修长，笔力劲健，结字开张。临习者要多揣摩其帖的用笔特征；瘦劲奇肆，势贯气连，相粘不相犯。否则，易染习气，精华顿失。
3.黄庭坚艺术特色的资料
黄庭坚诗歌的艺术特色表现在以下几个方面：
严密的谋篇结构的法度
宋人范温《潜溪诗眼》引黄庭坚的话：“文章必谨布置。每见后学，多告以《原道》命意曲折。”宋诗本有散文化的倾向，黄庭坚也把写文章的法度用了诗歌创作中，要求一篇上下，都有线索可寻，每句每段，也应安排得法。但这“布置”并不是要试贴那样僵化的格式，村学究的“起、承、转、合”，而是要曲折变化。“奇正相生”，富有法于无法之中，最后达到“无意于文”的浑成之境。我们读黄诗时经常会遇到这样的情况：作者的思路好象突然断了，上下两句，前后两段接不上榫，这正像电影中的蒙太奇手法，镜头一下子转换，场面突然改变，但其中还是有人内在联系的，需要我们用自己的想象补足它。这样，文学就更简炼，诗意也更会蓄。
讲究修辞造句
黄诗有其特殊的句法，那是从杜甫一脉传下来的。喜欢造拗句。在句子结构上，不按正常的语法规律，把主语、谓语、宾语的次序颠倒，或删去一些句子成份，或把两个意思紧缩在一句中，以使句意曲折，文气跌宕，给读者留下深刻的印象。如其名句“风雨极知鸡自晓，雪霜宁与菌争年”（《再次韵寄子由》）、“黄流不解ネ明月，碧树为我生凉秋”（《汴岸置酒赠黄十七》）等，都是佳例。黄诗很重视炼字，“置一字如关门之键”，五言诗句的第三字，七言诗句的第五字，更要求工稳新警。置字有力，句中有“眼”，句子便显得骨格峻峭，全诗为之而生色。还要炼虚字，尤重连接虚字的运用，以使行文跌宕有致。
重视律诗中对偶句的锤炼
对偶，唐人已下过很多功夫，唐诗中有不少工整精美、脍炙人口的对句，宋人想突过它，只得另立新法，别出新意。黄诗的对句，自然生动，有些乍看起来像是散文的句子，毫不似对偶，但认真体味之，则觉字字工切，别有韵味。如“舞阳去叶才百里，贱子分公俱少年”（《次韵裴仲谋同年》）、“清坐一番春雨歌，相思千里夕阳残”（《和答王晦之登楼见寄》）等。就是所谓的“以歌行之气，运于偶句”了。
具有一种特殊的音乐美
诗的音律与感情是一致的，特殊的风格需要用特殊的音律来表现。黄庭坚的律诗，有许多不合“正格”的句子，不按照诗律规定的平仄来组句，“其法于当下平字处以仄字易之，欲其气挺然不群。”这种拗句，用得好的，声情并茂，在“不和谐”中更觉其美，如“小雨藏山客坐久，长江接天帆到迟”（《题落星岚漪轩》、“清谈落笔一万字，白眼举觞三百杯”（《过方城寻七叔祖旧题》）等，我们在吟诵时自会感到其音律的特殊美。就这样，黄庭坚苦心孤诣，刻意出奇，用他那“奇正相生”的谋篇法度，用他那“以故为新”的句法字法，用他那险拗的音律，形成了他自己独特的艺术风格，人们把这种“峭刻生新”、“深折透辟”、“老辣硬涩”的诗风称为“黄庭坚体”。在扫除五代、宋初柔弱华靡的诗风上，黄庭坚对中国诗歌的发展是有贡献的。
4.黄庭坚的诗歌创作理论以及最能代表宋诗特点的特征是什么
黄庭坚诗歌理论中最著名的主张是：“夺胎换骨”、“点铁成金”。即或师承前人之辞、或师承前人之意的一种方法，目的是要在诗歌创作中“以故为新”。黄庭坚在创作实践中比较有效地运用了这种方法，取得了一些成绩。但是，这种方法忽略了文学创作的唯一源泉即社会生活，所以也产生了较大的流弊。后来有一些缺乏创新精神的诗人奉此为圭臬，片面追求“无一字无来处”，而又不能“求新”，于是拾人牙慧，典故连篇，形象枯竭，形成了江西诗派中的末流。这是江西诗派长期以来受人讥评的主要原因。
然而，“夺胎换骨”、“点铁成金”，只是黄庭坚诗歌理论的一面，它对江西诗派中比较杰出的诗人并没有产生很大影响。黄庭坚的诗歌理论还有另外一面，即要求诗人以“自成一家”为努力目标，在下苦功掌握艺术技巧的基础上摆脱技巧的束缚而达到“无斧凿痕”的最高艺术境界。江西诗派中的几位重要诗人受此影响很大，陈师道论诗以“学仙”为喻，韩驹论诗以“参禅”为喻，吕本中论诗重“活法”，其中都包含着“学然后悟”和“求新”的意义。正因为如此，江西诗派的成员之间虽然师友传授，关系密切，但他们的艺术风格并非一成不变。黄庭坚的诗以生新瘦硬见长，其他诗人也各具特色：陈师道的诗比较朴拙，吕本中的诗比较明畅，曾□的诗趋向活泼，陈与义的诗又趋向雄浑，没有“千人一面”的缺点。即使才力较薄的徐俯、韩驹等人也颇有自立的气概。所以，江西诗派是中国古典诗歌发展过程中的一个重要环节。其作品是宋诗的重要组成部分，其艺术风格是构成宋诗独特风貌的一个重要因素，它的诗歌理论也在中国文学批评史上占有一定的地位。
在黄庭坚的影响下，北宋后期逐渐形成了所谓“江西诗派”。两宋之际的吕本中，在他的《江西诗社宗派图》中，首先提出了“江西诗社宗派”的名称，指出了江西诗派存在的事实。他把黄庭坚尊为诗的创始人，又列举陈师道等二十五名诗人作为其中成员。宋末元初的方回又进一步提出江西诗派的“一祖三宗”之说，“一祖”指杜甫，“三宗”指黄庭坚、陈师道和陈与义。江西诗派是宋代影响最大的文学流派。陈师道是江西诗派的重要成员，与黄庭坚并称“黄、陈”。除陈师道外只有韩驹、饶节、洪刍、洪朋、洪炎、晁冲之、李彭、谢逸、谢薖等人有较多作品流传；其馀的只有零星作品留存，甚至湮没无闻。诗派成员大多受到黄庭坚直接或间接的指点，他们的诗歌创作也或深或浅地受到黄诗的影响，所以在题材取向和风格倾向上都比较相近，确实是一个声同气应的诗歌流派。
5.黄庭坚写《登快阁》时的写作背景
此诗作于宋神宗元丰五年（1082），时黄庭坚在吉州泰和县（今属江西）任知县，公事之余，诗人常到“澄江之上，以江山广远，景物清华得名”（《清一统治·吉安府》）的快阁览胜。此时作者三十八岁，在太和令任上已有三个年头。
《登快阁》是北宋文学家黄庭坚写的七律。 黄庭坚（1045年8月9日—1105年5月24日），字鲁直，号山谷道人，晚号涪翁，洪州分宁（今江西省九江市修水县）人，北宋著名文学家、书法家、盛极一时的江西诗派开山之祖，与杜甫、陈师道和陈与义素有“一祖三宗”（黄庭坚为其中一宗）之称。
原文如下：
痴儿了却公家事，快阁东西倚晚晴。
落木千山天远大，澄江一道月分明。
朱弦已为佳人绝，青眼聊因美酒横。
万里归船弄长笛，此心吾与白鸥盟。
译文如下：
我并非大器，只会敷衍官事，忙碌了一天了，趁着傍晚雨后初晴，登上快阁来放松一下心情。
举目远望，时至初冬，万木萧条，天地更显得阔大。而在朗朗明月下澄江如练分明地向远处流去。
友人远离，早已没有弄弦吹箫的兴致了，只有见到美酒，眼中才流露出喜色。
想想人生羁绊、为官蹭蹬，还真不如找只船坐上去吹着笛子，漂流到家乡去，在那里与白鸥做伴逍遥自在难道不是更好的归宿。
扩展资料：
此诗起首处诗人从“痴儿了却官家事”说起，透露了对官场生涯的厌倦和对登快阁亭欣赏自然景色的渴望；然后，渐入佳境，诗人陶醉在落木千山，澄江月明的美景之中，与起首处对“公家事”之“了却”形成鲜明对照；
五、六句诗人作一迭宕：在良辰美景中，诗人心内的忧烦无端而来，诗人感受到自己的抱负无法实现、自己的胸怀无人理解的痛苦。尾句引出了诗人的“归船”、“白鸥”之想。这一结尾，呼应了起首，顺势作结，给人以“一气盘旋而下之感”。意味隽永，想象无穷。
参考资料来源：百度百科——登快阁
6.黄庭坚《满庭芳•咏茶》是怎样创作的
黄庭坚（1045—1105），字鲁直，号山谷道人、涪翁，江西分宁人。
治 平四年（1067 ）进士，曾任校书郎、实录检讨官等职，工诗文，擅书法，与苏轼等友善，被指为“元祐党人”，屡遭贬谪，卒于宜州（今属广 西）。著有《山谷词》。
此首《满庭芳•咏茶》，全文为： 北苑春风，方圭圆璧，万里惊动京关。 粉身碎骨，功合上凌烟。
樽俎风 流战胜，降春睡、开拓愁边。纤纤捧，研青溅乳，金缕鹤鸪斑。
相如虽病渴，一觞一咏，宾有群贤。为扶起灯前，醉玉颓山。
搜挽胸中 春分，即飞骑驰送京师。当时的茶是饼茶，长方形的有似玉圭，圆形的有似玉璧。
故开头三 句为：“北苑春风，方圭圆璧，万里名动京关。 ”烹茶时，须先将茶饼杆碎、碾细，过罗。
词 中把茶拟人化，“碎身粉骨”，为国捐躯，为国争光，他的功劳，应像唐太宗那样，画功臣于 凌烟阁。茶有哪些功劳？“尊俎风流战胜，降睡魔，开拓愁边。”
首句倒装，意即能战胜饮 酒过量。三句扼要言之：“茶能醒酒、祛睡、消愁。
” “研膏溅乳”，指烹茶、注茶；“金缕鹧鸪斑”，指精美茶具。“鹧鸪斑”是当时福建特 制的一种茶碗，上面有形似鹤鸪斑点的花纹。
烹茶、注茶、乃至捧出茶来，有赖美女的纤 纤玉手。 下片讲会茶、品茶、套用王羲之《兰亭序》的群贤毕至，一觞一咏。
复以酒醉借喻茶酣。 用卢仝《走笔谢孟谏议寄新茶》诗句：“三碗捜枯肠，唯有文字五千卷。”
写“搜搅胸中万卷”。 用杜甫《醉歌行》：“词源倒流三峡水'写“还倾动，三峡词源。”
全词没有写“我”，也没有写“主人”，而是以司马相如、卓文君的故事贯穿起来。全词 没有写“茶”字，而又无一句不在写茶。
用典恰当，行笔流畅，这些都是此词的高明之处。
7.论文《禅宗与词的主体化走向》
论文关键词：禅宗 本心论 词体 主体化 论文摘要：关于词体的主体化走向，学界尚缺乏探因研究。
禅宗的影响实为词体主体化走向背后的动因之一：首先是禅宗启示词人发现了自我，其次是在禅宗的影响下词人增强了自信心，最后在前两者影响的前提下，词人更多地在词中抒写了自我心态。 词的主体化走向，是学界共知的事实，也有不少论著谈及这一问题#但迄今为止，尚缺乏对这一现象的探因研究，笔者认为，词的主体化走向受到诸多因素的影响。
禅宗的影响是其中不可忽视的一个方面，但禅宗也只是影响了词主体化走向的某一方面，并不能促成词体主体化的全面实现。所谓，教外别传、不立文字、直指本心、见性成佛、对本心自性的强调是禅宗的重要特征，这既是中国文化模塑的结果，又不断反作用于中国文化。
宋代是三教融合的时代，也是词体文学最为兴盛的时代，词的发展自然不可避免要受到禅宗的影响，禅宗的本心论即对词的主体化走向有着重要影响。 一、对有我的发现与强调 禅宗又被称为“佛心宗”，对自心的强调是其最显著的特征之一，所谓“自心是佛”、“心迷《法华》转，心悟转《法华》”，“一切佛法，自心本有。
将，“外求，舍父逃走”、“夫学道人须识自家本心，将心相示，方可见道。关于此，研究者深有体会，如颜延之《庭语》所云：“崇佛者以治心为先。”
日本著名禅学家铃木大拙也说：“禅宗只不过是通过锻炼身心来洞察，心灵的本来面目，使自己成为心灵的主人。这种洞察自我心灵的本来面目，才是禅宗的根本目的。
宋代文人普遍喜禅.这种对自我心灵的洞察自然成为宋代文人的常修课，如苏轼尝言：“此心平处是西方，闭眼便到无魔烧。“任性道遥，随缘放盯，但尽凡心，别无胜解。
以我观之，凡心尽处，胜解卓然。但此胜解，不属有无，不通言语，故祖师教人，到此便住。
众所周知，苏轼是宋代最早的大量在词中抒写自我心性的词人，这跟他受禅学本心论影响不无关系，或者可以说禅学本心论促进了他的这种词学创作走向。而最早明确倡导词中抒写词人自我人格的苏门弟子黄庭坚，也深受禅宗本心论的影响： 嗟来茂衡，学道如登。
欲与天地为 友，欲与日月并行。万物峥嵘，本由心 生。
夫子之取舍与爱憎，惟人自缚非天 鲸。堕子筋骨，堂堂法窟。
九丘四溟，同 一眼精。不改五官之用而透声色，常为 万物之宰而无死生。
念子坐幽室，炉香 思青冥。是谓蛰虫欲作，吾惊之以雷霆。
葛兆光先生说：“体验自心的感受，便成了中国文人士大夫宗教体验的一个重要途径。禅宗对词人的影响也恰恰体现在这里，它促使词人在创作词作时目光转向自我，改变了五代宋初词体以泛写爱情生活为主，总体上缺乏作者内心世界的坦露的现象。
随着词体日益成为宋人喜爱的文体，在禅宗本心自性说等的促进下，词的主体化走向也在逐步完成，词人发现了自我的本心，认识到自心的重要.开始在词作中流露出对自心的注重，如果说在北宋时期苏门师徒这里这种走向尚属朦胧、自发性阶段，那么到了南宋时期，这种对自心的强调便成为一种自觉的追求，比如有词人在词作中直接宣布：“学道参禅，要识取，自家本来面目。闹里提撕，静中打坐，闲看传灯录。”
（沈赢《念奴娇》）“自家本来面目”即自心自性，禅僧也每每把它比作自家田地、自家宝藏、田舍翁、卖油翁、牵牛翁等，如《五灯会元》卷17黄龙祖心禅师所说：“大凡穷生死根源，直须明取自家一片田地。”词中类似这样的词句还有不少，如“古人漫尔说西东，何似自家识取，卖油翁。”
（朱敦儒《风蝶令》）“老作宫祠散汉，本来田舍村翁。腰缠三万禄千钟。
也是一场春梦。”（吴傲《西江月》）“浮云破处窗涵月，涣得自家醒起。”
（吴冰《摸鱼儿·生日自述》）这种话语在词作中的频频亮相至少可以说明两点问题：一是词人在词学创作时具有禅宗思想背景，决不是仅仅为了应歌佐欢；二是识取自家本来面目的体会自然会影响到词人的创作态度.不可能再写他人.只能是写自家.这无疑会促成词的主体化。且看魏了翁的词作： 一点阳和浑在里，时来尔许芳妍。
春风吹上醉痕边。隽欢欺浅酌，清晤失 佳眠。
聊把繁华开笑口，须臾雨送风般。 因花识得自家天。
然长不夜，活处 欲生烟。（《临江仙·再和四年前遂宁所赋韵》） 魏了翁所说“因花识得自家天”，这自家天，其实也就是自我本心。
作者在春天里悟到了人生的真谛，关键在于要认识到自心自性，只要识自本心，便可“活处生烟”，正如《五灯会元》卷20中灵岩仲安禅师所说：“参禅不究渊源，触途尽为留碍，……须知有杀中透脱，活处藏机。”此词可以说是词人在禅宗思想的启示下对人生有了更深一层领悟的表露，现出禅宗本，“论影响下词人对自心的发现与强调。
二、有信心的加强 禅宗强调自心是佛，反对向自身以外寻佛觅佛，认为：“如今学者不得，病在甚处？病在不自信处。……尔若能歇得念念驰求心，便与祖佛不别”，“如今学道人，且要自信，莫向外觅”，“如大器者，直要不受人惑，随处作主，立处皆真”，这就把人的自信心放在了十分重要的位置，所以西岩宗回禅师也明确地宣称：“佛祖出兴于世。
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1.求关于牡丹养护与管理的论文
牡丹花是一种高尚.美丽.华丽和典雅的一种象征，正因为牡丹具有中华传统的特色，所以自古以来中国人就把牡丹花誉为国花.因为牡丹成了国花，才有了国色天香的称号.牡丹花的叶子不大，在一株花中抽出一片片绿油油的叶，嫩嫩的，好似一碰就掉了.牡丹的花瓣也很美丽，一素正在怒放，一素正在包含待放.牡丹花的中间散发出一阵阵的清香，香味虽然没有玫瑰那么诱人，可是也让人感到心旷神怡.牡丹花好似一个美女，亭亭玉立的站着，时而充满欢乐，时而低头沉思.包含待放的花股朵儿好似一个可爱的孩子，还没有完全的长大.我爱牡丹--爱这含有清闲淡雅的花。
2.我心中的国花
牡丹观赏部位主要是花朵，其花雍容华贵、富丽堂皇，素有"国色天香"、"花中之王"的美称。牡丹可在公园和风景区建立专类园；在古典园林和居民院落中筑花台种植；在园林绿地中自然式孤植、丛植或片植。也适于布置花境、花坛、花带、盆栽观赏，应用更是灵活，可通过催延花期，使其四季开花。根皮入药，花瓣可酿酒。
牡丹自古以来皆用其根皮入药，名曰“丹皮”。《神农本草经》将其列为中品。李时珍撰《本草纲目》曰：“牡丹以色丹者为佳”。丹皮用量很大，国内年需要量在250万公斤左右，年出口量约为50万公斤。曹州牡丹为药用观赏两用品种，所产“曹丹”皮厚粉足质量好，为全国丹皮四大产区之一。牡丹根皮外层为木栓层，由多列木栓细胞组成细胞壁，呈浅红色；内层为皮层，由数列切向延长的薄皮细胞组成，皮层内韧皮部，占根的绝大部分，中心为木质部及髓。牡丹根的韧皮部及皮层薄壁细胞和细胞间隙中，聚集有较多的草酸晶簇，并含有很多淀粉。鲜皮中含有牡丹酚原甙（Paeonolide.C20H28O12）约5-6%，但易受自身存在的酶水解，成为牡丹酚（C15H20O8）及一份子L阿拉伯糖。根皮中含有的牡丹酚（PaeonolC9H10O3），为带有光泽的针状结晶，可溶于水及一般溶剂，还含有芍药甙（Paeonorin）、苯甲酸，挥发油0.15-0.4%及植物甾醇等。牡丹酚为主要药用成份，具有抗菌作用，体外试验丹皮对伤寒杆菌、大肠杆菌、金黄色葡萄球菌、溶血性链球菌、肺炎球菌等有较强的抗菌作用，对白喉杆菌也有抑制作用。丹皮水剪汤剂还有降血压作用。丹皮呈圆筒状、半圆筒状或破碎的片状，有纵向裂隙，两面向内卷曲，外皮粉白色或微红，内层棕色或土黄色，有细顺纹，质而脆，容易折断，断面呈粉性白色，具有特异香气为了便于运输和贮藏，加工后的根皮通常截成6-15cm长的小段，装在木箱或竹篓、条筐里，放在干燥通风避雨的地方。贮藏期间要注意防潮。受潮后其断面由原来的粉白色奕马红色，如转成黑色即已表明已变质。如发现受潮应立即放在阳光下摊晒，晒干后再轻轻装起，缓缓加盖，以免压碎。
丹皮性微寒，味苦辛，无毒。入心、肝、肾经。具有清血，活血散瘀的功能。主治斑疹吐血，血滞经闭，经前发势，痈肿疮毒，损伤瘀血，阴虚发势，无汗骨蒸。临床上主要用于清肝火和凉血散瘀（消炎、降压），如因肝郁火而致的发热、盗汗、自汗、头痛目涩、月经不调，常配栀子、柴胡等，方如“丹栀逍遥散”。取其热散瘀作用，治部急性阑尾炎常配大黄、金银花等，方如“大黄牡丹汤”加减。因高血压和动脉化而瘘有肝郁积热症者，可配野菊花、石决明等降压。如阴虚发热，可配“青蒿鳖甲煎汤”。热症出血，可助犀角、生地凉血止血；因甩胸腥部挫伤后有瘀血作痛者，方剂中加丹皮、赤艾以凉血去瘀。因此，丹皮是治部血中伏火，除烦热，祛血瘀或瘕积聚的常用药物。丹皮不但可以配伍其它药物水煎汤剂用于治疗一般急性疾病，还可制成吸收缓慢、药力持久且服用、携带、贮存方便的丸剂和片剂。如山东菏泽制式厂生产的“六味地黄丸”中就有曹州粉丹皮。该药为6g重的小密丸。因其整个配方选用“道地”药材，以优质枣花蜂蜜为辅料，丸药质好，对肾阴亏损、腰膝酸软、头晕目眩、耳鸣耳聋、盗汗、遗精、消渴、骨蒸潮热等症疗效显著。该厂又在本方的基础睛，加上枸杞子、菊花，加工出“杞菊地黄丸”。主治因肾阴虚而导致的眼花岐视，或枯涩疼痛等症状，是中老年眼疾患者的理想药物。山东菏泽健民中药厂生产的浓缩“咽炎片”，方剂中加丹皮以取其清热泻火之效，辅佐玄参、板兰根增强滋阴解毒作用。该药具有养阴润肺、清热解毒、清利咽喉、镇咳止痒功能，用于慢性咽炎引起的咽痒、咽干、刺激性咳嗽等症，效果良好
3.国画毕业创作论文怎么写
1、论文题目：要求准确、简练、醒目、新颖。
2、目录：目录是论文中主要段落的简表。（短篇论文不必列目录）
3、提要：是文章主要内容的摘录，要求短、精、完整。字数少可几十字，多不超过三百字为宜。
4、关键词或主题词：关键词是从论文的题名、提要和正文中选取出来的，是对表述论文的中心内容有实质意义的词汇。关键词是用作机系统标引论文内容特征的词语，便于信息系统汇集，以供读者检索。 每篇论文一般选取3-8个词汇作为关键词，另起一行，排在“提要”的左下方。
主题词是经过规范化的词，在确定主题词时，要对论文进行主题，依照标引和组配规则转换成主题词表中的规范词语。
5、论文正文：
(1)引言：引言又称前言、序言和导言，用在论文的开头。 引言一般要概括地写出作者意图，说明选题的目的和意义， 并指出论文写作的范围。引言要短小精悍、紧扣主题。
〈2）论文正文：正文是论文的主体，正文应包括论点、论据、论证过程和结论。主体部分包括以下内容：
a.提出-论点；
b.分析问题-论据和论证；
c.解决问题-论证与步骤；
d.结论。
6、一篇论文的参考文献是将论文在和写作中可参考或引证的主要文献资料，列于论文的末尾。参考文献应另起一页，标注方式按《GB7714-87文后参考文献著录规则》进行。
中文：标题--作者--出版物信息（版地、版者、版期）：作者--标题--出版物信息所列参考文献的要求是：
(1)所列参考文献应是正式出版物，以便读者考证。
(2)所列举的参考文献要标明序号、著作或文章的标题、作者、出版物信息。
4.西部广播电视 读书文摘 牡丹 在哪个上发表论文比较好
1、如果是数字化与新技术应用、广播影视制作与播出、系统管理与运营、计算机技术与应用、有线电视与网络技术、无线传输与覆盖等，相关的可以选择 西部广播电视。
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3、牡丹 开设小说、散文、牡丹诗会、作家与作品、报告文学、论坛、重要文学新闻和文企联姻文学作品小辑等栏目
所以要看你是要发哪一类的文章，要是还不清楚可以问问四川笔锋，是专门的平台，我的回答希望对你的问题能有所帮助
往届油画毕业论文(要写关于油画的毕业论文,怎么写啊)
1.要写关于油画的毕业论文,怎么写啊
你的关于油画的论文准备往什么方向写，选题老师审核通过了没，有没有列个大纲让老师看一下写作方向？
老师有没有和你说论文往哪个方向写比较好？写论文之前，一定要写个大纲，这样老师，好确定了框架，避免以后论文修改过程中出现大改的情况！！
学校的格式要求、写作规范要注意，否则很可能发回来重新改，你要还有什么不明白或不懂可以问我，希望你能够顺利毕业，迈向新的人生。
毕业论文怎么写？毕业设计和毕业论文是本科生培养方案中的重要环节。学生通过毕业论文，综合性地运用几年内所学知识去分析、解决一个问题，在作毕业论文的过程中，所学知识得到疏理和运用，它既是一次检阅，又是一次锻炼。不少学生在作完毕业设计后，感到自己的实践动手、动笔能力得到锻炼，增强了即将跨入社会去竞争，去创造的自信心。这里仅将我们教研室老师近年指导本科毕业生论文中的体会整理出来，希望能对学生毕业论文有所帮助。
选择一个相关的题目，应该是你感兴趣并且和你所学的专业相关的。
进行文献检索，查找有关这个主题的所有研究成果，并且进行深入的研究。
在广泛的吸收别人的成果的同时，思考自己在这个问题上的观点和看法，这是你能做的最重要的一步。
参考科技论文的写作规范，先写出大纲，再增加内容形成草稿，反复修改，最后定稿。
需要注意地问题：
标题是文章的眉目。各类文章的标题，样式繁多，但无论是何种形式，总要以全部或不同的侧面体现作者的写作意图、文章的主旨。毕业论文的标题一般分为总标题、副标题、分标题几种。
一般说来，篇幅较长的毕业论文，都没有分标题。设置分标题的论文，因其内容的层次较多，整个理论体系较庞大、复杂，故通常设目录。
参考文献又叫参考书目，它是指作者在撰写毕业论文过程中所查阅参考过的著作和报刊杂志，它应列在毕业论文的末尾。列出参考文献有三个好处：一是当作者本人发现引文有差错时，便于查找校正。二是可以使毕业论文答辩委员会的教师了解学生阅读资料的广度，作为审查毕业论文的一种参考依据。三是便于研究同类问题的读者查阅相关的观点和材料。
2.跪求一篇关于油画方面的论文
写意油画与中国传统文化精神 油画作为外来艺术形式，在中国百余年的历程中，取得了令人瞩目的成就。
中国油画始于写实，至上世纪五十年代学习苏俄油画，接受的也是现实主义的写实画风。多年来，中国由于美术教育格局以及政治因素的影响，写实具象一直占据着中国美术教育与绘画艺术的主流。
作品风格、观念和形式的陈旧与单一令人触目惊心，误使人们以为油画只是一种表现形式。油画家们只是在特定模式的写实技巧上比试高低，却没有在风格与个体面貌上进行探索和发挥。
改革开放以来，随着国家经济的高速发展以及中国政局发生的巨变，外国各种流派与形式的美术作品不再受到封堵和批判，中国油画家接触和了解西方艺术的机会越来越多。西方现代绘画成为中国艺术家更新观念、改变艺术风格借鉴的对象。
在全国一片 “ 解放思想 ” 的大背景下，中国油画家经历了从历史反思到艺术反思的过程，提出 “ 要多样，不要统一 ” 和 “ 追求艺术个性 ” 等口号，成为新时期油画创作的新起点。特别是近年来中国油画界提出的油画本土化与民族化，促使中国油画更趋多元与个性化。
中国油画家一方面学习和借鉴西方现代艺术的同时，另一方面也对本土传统文化产生浓厚的兴趣。于是，表现、抽象和象征成为新的艺术取向，并成为当代中国油画的一大特色。
中国传统绘画原本就具有表现意味的写意性，使中国油画家在理念与趣味上与西方表现主义产生了某种共鸣。由此，中国油画开始从写实走向写意，画家以个性化形式表现自己的心灵印记与某种感情经验，写意与表现成为油画家整体性的文化诉求。
写意，是中国传统文化独具特色的美学因素。它基于中国人对待宇宙中形与色的基本观点，通过特定的内容描绘和特定的笔墨意趣表现，追寻心灵与精神的共鸣和满足。
所谓写意，就是借物抒情，是艺术家对客观世界的描绘和内心主观情感表现的有机结合，是心与物交融的产物，这是中国悠久的历史与深厚文化底蕴所形成的不同于西方的思维方式和审美意味。 究其内涵而论，中国文化上的写意与现代西方强调艺术家的自我表现，在本质上是有差异的，这源自两者完全不同的精神文化模式。
西方文化很早就把物质与精神区别开来，形成二元论的世界观。而中国文化则长期受老庄哲学及《周易》美学思想的影响与渗透，强调矛盾双方的相互转化，阴阳相互，有无相生。
老子认为宇宙天道之妙用全在于阴阳动静，宇宙万物都包含着 “ 阴 ” 和 “ 阳 ” 这两种对立的方面或倾向，万物的变化都是由于阴和阳的相互转化，它们最后都在 “ 气 ” 中得到统一。 “ 气 ” 就是宇宙万物的本体和生命，是万物生命产生的根源，没有“气”就没有万物的生机与造化。
“气”是中国古代哲学中重要的范畴，影响十分广泛。老庄哲学理论中很多关于 “ 气 ” 的论述，对后来产生了很大影响。
汉代王充认为： “ 万物之生，皆禀元气 ” 。在此基础上，南齐谢赫提出了 “ 气韵生动 ” 的观点，并成为历代绘画艺术的要求和作品评论的重要因素之一。
这里的 “ 气 ” ，包含有宇宙万物本体和生命与艺术家自身元气的综合， “ 韵 ” 则指的是物象的风姿神貌。 “ 气 ” 和 “ 韵 ” 构成了物象表现的生命力，也是构成画面耐人寻味的重要因素。
中国画追求空灵，讲究“虚”和“空”的处理，其理论也是由阴阳观演化而来的。 虚空是画面产生 “ 气 ” 的重要元素，这 “ 气 ” 不单指具体物象，也指表现物象之虚空。
没有虚空，就不会有灵气流动的迹象，更不可能产生 “ 气韵生动 ” 的生命力。关于虚空，老子也有精妙的论述。
老子说： “ 天地之间，其犹橐龠呼？虚而不屈，动而愈出 ” 。橐龠即风箱。
他认为天地之间充满了虚空，就象风箱一样。这种虚空，并不是绝对的虚无。
虚空中充满了 “ 气 ” 。正因为有这种虚空，才有万物的流动、运化，才有不竭的生命。
老子的这种思想，对中国古典美学产生了很大的影响。体现在中国绘画中就诸如 “ 虚实 ” 、“ 疏密 ” 、“ 空白 ” 、“ 通灵 ” 、“ 动静 ” 等美学原则。
空白处是虚，也是实，亦可以是其它的物象，如天空、地面、河水等，观赏者自然会产生联想。由此可见，中国绘画最重空白。
空白处并非真空，乃灵气往来生命流动之处。以虚带实，以实带虚，虚中有实，实中有虚，虚实结合，这正是中国美学思想中的核心所在。
“ 味 ” 作为审美范畴的提出，也来自老子的道家思想。老子说： “ ‘ 道 ’ 之出口，淡乎其无味，视之不足见，听之不足闻，用之不足既 ” 。
老子在这里说的 “ 淡呼其无味 ” ，提倡的是一种 “ 恬淡 ” 的人生境界和特殊的审美标准。淡味并非无味，而恰恰体现了老子崇尚自然 “ 无为而无所不为 ” 的崇高境界。
这些思想，对后来中国艺术家人生与品格追求产生了重大而深远的影响。 而西方表现主义所强调的 “ 自我 ” ，是与外在世界对立的、割裂的自我，是一个 “ 自由 ” 、“ 纯粹 ” 的自我，它的基本特征是个体意识对于群体制约的敌视与抗争，其 “ 自我表现 ” 具有极端个人主义的倾向。
因此，在西方现代艺术中时常出现的诸如发泄、梦幻、怪诞等形形色色的艺术表现都源于这种思想观念上。这一切，都。
3.关于油画的论文
市场需求与商品油画专业的发展 （缙云工艺美术学校“古堰画乡”分校 金向军 ） [摘要] 专业的设置如何满足社会需求，这是决定职业教育能否生存下去的关键，本文就以缙云工艺美术学校商品油画专业的开设和发展来讨论职校专业如何根据市场需求来设置和发展问题。
同时总结如何围绕市场进行教学改革和专业建设的经验。 [关键词] 专业设置 教产结合 商品油画 马克思说"物质生活的生产方式制约着整个社会生活、政治生活和精神生活的全过程" [《马克思全集》第一卷 第82页中央编译出版社]。
教育作为整个物质生活的一部分，其性质和运作方式也是由社会生产决定的。特别是对职业教育而言，与社会生产的联系更为紧密。
当前，以社会主义市场经济为核心的"物质生活"已构成我国教育发展的大环境。而现代教育与现代经济的本质联系决定了职业教育必须与市场经济接轨。
职业教育必须为社会主义经济建设服务，才能使自身获得高速发展，展示自身的价值和功能。因此，面对市场，与企业接轨，是职业学校发展的必由之路。
根据企业的需求确定学生的培养规格，及时地改革学校的课程设置、教学内容，那么我们培养的人才才能在经济建设中充分发挥作用。否则，学生没有市场，学校更不可能有前途。
缙云工艺美术学校商品油画专业的设置，一开始就紧跟市场的脚步，经过十多年的发展，取的了一定的成绩。倍受各级领导的重视与关怀。
同时毕业生就业达到供不应求的局面，平均一个毕业生有好几个油画企业可供选择，在就业形势日益紧张。很多大学生都找不到工作的背景下，更是一个奇迹。
说明走市场化道路，对学校对学生而言，是何等的重要。职业学校的专业设置能否跟随市场的变化而变化，随经济的发展而发展，这是决定职业学校能否生存下去的关键。
因为职业教育始终面对两个市场：就业市场和生源市场。在设置和调整专业时，不仅要考虑生源的问题，更要考虑就业市场，想到他们的出路。
因此要有与市场经济相适应的职业教育理念，这既是市场经济对职业教育的现实要求，也是职业教育在激烈的市场竞争中求生存、争发展的需要。 在缙云工艺美术学校商品油画专业的开办之初，就对市场做了大量的调查工作。
为推进毕业生就业，专业的设置提供了可靠的依据。同时探索出一条适合地方经济发展水平和学校自身实际的发展道路。
那么缙云工艺美术学校又是如何根据市场进行专业设置，如何围绕市场进行教学改革和专业建设的呢？这中间的经验又究竟何在？这些都是值得探讨的问题。 一、如何根据市场设置专业。
首先，在设置专业之前，要充分的进行市场调研。任何专业在设置专业之前务必对专业进行调查，并研究可行性。
在1991年，在颇有远见的缙云工艺美术学校老校长吕德强{工艺美术学校创始人}的指导下，金向军等教师多次到当时最早实行改革开放的城市深圳考察商品油画并作了调查。得知，商品油画是中国改开放以来从国外引进的一种油画复制技术。
主要通过香港等国际市场销往欧美等世界各地。（现在，商品油画无论在国内还是国外都有看好的市场前景。
国外市场随着国民生活的改善和文化素质的提高，越来越多的人已从温饱走向了小康，这当中有相当一部分人对精神和物质有了更高的追求。特别是现在随着节假日、公休日的增多，人们有更多的时间去寻找精神方面追求，而艺术品无疑是人们最关注的对象。
国内油画市场既将日益壮大。因商品油画让艺术与市场接轨，所以它不出10年在中国得到了迅猛的发展，如深圳大芬村，厦门乌石浦、海沧、浙江义乌等商品油画市场已具相当规模，以深圳大芬为例：被当地人誉为"中国油画第一村"的深圳大芬村，原先是地处深圳郊区的小山村，在短短的十年时间里，它创造了占领全世界60%的油画市场的奇迹。
大芬村每年商品油画的出口额都在一亿元人民币以上。透过大芬村油画市场发展情况不难看出--我国的油画产业对画工的需求也随行业快速发展而在不停的增长。
况且工资待遇丰厚。还了解到原工艺美术学校89届毕业生胡力锋，蔡杰等在91年从事商品油画工作，月薪就达到3000元以上（当时，教师的工资水平还不超过200元）。
同时，我们也发现国内就画工培养上来说，基本上是画厂中师傅带徒弟的方式，全国还没有一所学校培养这方面的人才，美术学院又不会培养画工。那么市场上对这一类人才就存在断档。
况且开办该专业投资也不大，当时工艺美术学校的领导吕德强先生及油画专业老师们以敏锐的市场眼光看到这一现实，在1993年9月，正式成立了商品油画专业。经过十多年的实践发展，事实证明这一判断是怎样的远见卓识。
其次，专业的设置必须具有一定前瞻性。人才培养必须以市场为导向，设置专业务必要跟着整个社会形势的发展。
这就要求必须对未来经济发展趋、未来人才市场需求做出准确分析和预测，为超前设置专业提供可靠依据。因为市场是瞬息万变的，今天的热门可能就是明天的冷门。
如果专业的设置，只考虑眼前的市场，而未能对未来的变化有一个正确的判断，那么一旦市场需要发生变化，培养的学生就不能适应市场而淘汰，更谈不上专业发展了。缙云工艺美术学。
4.美术学 油画方向的论文选题
那要看你对哪类油画感兴趣了啊，还有要跟你的毕业创作联系在一起最好.
题目最好是结合你最感兴趣的流派或大师和你自己或当代生活.
可以有两个标题.比如说<；变化的旅程-----浅谈毕加索的艺术>
<；美丽的幻像----论欧普艺术与当代生活>
这样几个关键词就都可以表达你论文的内容了.
或者最好的是和你自己的创作紧密联系的
比如你的创作是以技法为噱头，那么就论个技法创新什么的.以精神指向为噱头的话就搞个哲一点的名字，或者像散文一样的，都可以.根据你自己的情况吧
5.急求油画毕业论文题材
★有个笔误，应该是荷兰小画派： ★有网址，请看看： /6/20080110/3203.html ★荷兰肖像绘画艺术赏析： ★荷兰肖像画大师佛朗斯·哈尔斯： /wiki/%E8%8D%B7%E5%85%B0%E5%B0%8F%E7%94%BB%E6%B4%BE ★、图片为：《戴珍珠耳环的少女》维米尔。
6.快帮帮我吧
一.你可以找一个画家的某一个点来讨论的，题目讨论的范围越小越容易掌握，
越大反而越空洞无物。
二.或者你可以找现代油画的某一种具体的现象来进行探讨，这也是很有看头
的。
如果是第一条的话，那么建议你从最熟悉的画家入手，最好是有名气的。
如以画家“莫奈”为例，莫奈是印象派的代表人物，但我们写莫奈，不一定要像
写传记一样的写（何况一篇论文的篇幅根本是写不详细的），而是选择莫奈的一
个点来写——
你可以写莫奈在“用色”方面的创新，题目可以叫：
“画家莫奈在用色上的创新和影响”，或“画家莫奈用色的特点及创新意味”等
等。
你在第一章简要讨论莫奈的“用色”、“用光”的特点，第二章就详细讨论为什
么莫奈会有颜色光影的创新，第三章就谈论他这种创新对后世的影响。
上面提及的这个第一章到第三章的套路，其实可以用在其他画家的身上（风格特
点、风格出现的原因、风格所带来的影响）。
又可以以安格尔、毕加索、塞尚，我国的徐悲鸿等等的为例
如：
1.论文中，可以讨论安格尔的油画的特有气氛——典雅气派；
2.毕加索抽象画的思维元素；
3.塞尚的散点透视的运用；
4，我国徐悲鸿的，可以探讨一下徐悲鸿油画中有没有中国的元素在里面。
如果是第二点的话，你可以讨论一下现当代的某些有趣的现象。
以上是一个字一个字打出来的，
有什么不懂的可以继续问。
谢谢……呵呵
本科生油画毕业论文(要写关于油画的毕业论文,怎么写啊)
1.要写关于油画的毕业论文,怎么写啊
你的关于油画的论文准备往什么方向写，选题老师审核通过了没，有没有列个大纲让老师看一下写作方向？
老师有没有和你说论文往哪个方向写比较好？写论文之前，一定要写个大纲，这样老师，好确定了框架，避免以后论文修改过程中出现大改的情况！！
学校的格式要求、写作规范要注意，否则很可能发回来重新改，你要还有什么不明白或不懂可以问我，希望你能够顺利毕业，迈向新的人生。
毕业论文怎么写？毕业设计和毕业论文是本科生培养方案中的重要环节。学生通过毕业论文，综合性地运用几年内所学知识去分析、解决一个问题，在作毕业论文的过程中，所学知识得到疏理和运用，它既是一次检阅，又是一次锻炼。不少学生在作完毕业设计后，感到自己的实践动手、动笔能力得到锻炼，增强了即将跨入社会去竞争，去创造的自信心。这里仅将我们教研室老师近年指导本科毕业生论文中的体会整理出来，希望能对学生毕业论文有所帮助。
选择一个相关的题目，应该是你感兴趣并且和你所学的专业相关的。
进行文献检索，查找有关这个主题的所有研究成果，并且进行深入的研究。
在广泛的吸收别人的成果的同时，思考自己在这个问题上的观点和看法，这是你能做的最重要的一步。
参考科技论文的写作规范，先写出大纲，再增加内容形成草稿，反复修改，最后定稿。
需要注意地问题：
标题是文章的眉目。各类文章的标题，样式繁多，但无论是何种形式，总要以全部或不同的侧面体现作者的写作意图、文章的主旨。毕业论文的标题一般分为总标题、副标题、分标题几种。
一般说来，篇幅较长的毕业论文，都没有分标题。设置分标题的论文，因其内容的层次较多，整个理论体系较庞大、复杂，故通常设目录。
参考文献又叫参考书目，它是指作者在撰写毕业论文过程中所查阅参考过的著作和报刊杂志，它应列在毕业论文的末尾。列出参考文献有三个好处：一是当作者本人发现引文有差错时，便于查找校正。二是可以使毕业论文答辩委员会的教师了解学生阅读资料的广度，作为审查毕业论文的一种参考依据。三是便于研究同类问题的读者查阅相关的观点和材料。
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越大反而越空洞无物。
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如以画家“莫奈”为例，莫奈是印象派的代表人物，但我们写莫奈，不一定要像
写传记一样的写（何况一篇论文的篇幅根本是写不详细的），而是选择莫奈的一
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“画家莫奈在用色上的创新和影响”，或“画家莫奈用色的特点及创新意味”等
等。
你在第一章简要讨论莫奈的“用色”、“用光”的特点，第二章就详细讨论为什
么莫奈会有颜色光影的创新，第三章就谈论他这种创新对后世的影响。
上面提及的这个第一章到第三章的套路，其实可以用在其他画家的身上（风格特
点、风格出现的原因、风格所带来的影响）。
又可以以安格尔、毕加索、塞尚，我国的徐悲鸿等等的为例
如：
1.论文中，可以讨论安格尔的油画的特有气氛——典雅气派；
2.毕加索抽象画的思维元素；
3.塞尚的散点透视的运用；
4，我国徐悲鸿的，可以探讨一下徐悲鸿油画中有没有中国的元素在里面。
如果是第二点的话，你可以讨论一下现当代的某些有趣的现象。
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3.毕业论文,写自己的油画创作,该怎么去写
下面的是给你的成品论文，满意加分 论文选择 关键字： 1.乡土油画题材在中国的地位、发展现状。
2.油画语言的表达特点及独特规律。 3.美术创作中怎样体现人文精神、民族。
4.浅析中国经济与艺术发展关系。 摘要： 创作设计指导方向 1、版画 2、油画 3、平面设计 论文指导方向：1、美术创作中的人性化运用。
2、油画创作的色彩运用 3、书籍封面的构成。4、文学作品插图的艺术性。
5、美术创作中的人性化运用 中国版画研究：1.试析设计中绘画元素的运用。2.试论黑白木刻中点、线、面的运用。
3.试析绘画中的形式与精神的关系。4.浅析黑白木刻中灰色的组织及表现。
5.我看当代艺术理想的演变。6.绘画创作中的个性表现——谈谈我的毕业创作。
7.中国山水画和西方风景画的比较。8.浅析中国画人物的形神论。
9.传承、创新、流行——浅谈中国画艺术的现状。10当代西方绘画对中国绘画的影响。
11当代室内设计的观点与发展。12装饰设计表现形态的多样性。
13浅谈现代重色彩画中色彩的运用。14浅论谢赫的“六法论”对中国画的影响。
古代园林与现代环艺设计。15传统因素在现代设计中的运用（比如中国画的造型、色彩、构图等因素在设计中的运用）。
16浅论《清明上河图》的历史地位以及影响。17现代流行文化对绘画的影响。
18绘画（或设计）中的个人风格。 19设计中的人性化问题。
20论新具像绘画的兴起与其体现的时代特征。21论色彩的分寸及其在油画创作中的运用。
22论线条在绘画语言中的表现力。23装饰设计表现形态的多样性。
24色彩在室内设计中的运用。25绘画创作的技法与形式语言的研究。
26少数民族服饰、用具图案的研究。27艺术作品中的情感、形式及表现因素。
28室内装饰的精神的个性化。29广告发展中国际化与本土化。
30论色彩的分寸及其在油画创作中的运用。31造型基础训练与创作及设计的关系。
32艺术中的民族精神体现。33造型艺术中的个性化特征及寓于形式的“趣、奇、情、理”。
34论绘画的再现与表现及写真与变实。35民间美术的发掘、传承与保护。
36大美术”教学的社会调研。37少数民族服饰、用具图案的研究。
38艺术作品中的情感、形式及表现因素。39寻找生命中的个性特征——关于绘画创作的思考 40谈基础素描中的创造性思维。
41浅析艺术设计专业素描教学的意义。 创作之我见—关于油画艺术的思考 内容 提要： 美术作品的创作是一种复杂的精神活动和生产制作活动，是现实生活在画家头脑里的反映的产物。
艺术 美是真善美的高度统一，它是一切艺术创作必须设定的自觉的目的。每个艺术家都应该在其作品中显现出他对于美的独特感受和理解。
现实美和现实丑都是美术创作的源泉。通常被看作内容的东西，只是艺术借以表现自身的真正形式，而通常认为只是形式的东西，恰恰构成了一件艺术品的真正内容。
美术作品是通过形象和技法手段传达作者感情思想以及审美理想的载体。 关键词：艺术创作 艺术美 现实美 现实丑 内容 形式 美术作品的创作，是一种复杂的精神活动和生产制作活动。
它包括两个相互衣存、互为表里的方面：一是对 社会 生活的观察、体验和审美认识；二是运用物质媒介材料和技艺手段将这种审美认识表现出来，使其物化。这样，一幅油画作品在成为艺术品之前，则要经历两个大的阶段，前者是创作的构思活动阶段，后者是美术创作的传达活动阶段。
这种创作活动是一种追求艺术美的过程。那么，怎样的作品才是真正的艺术作品呢？或者说什么样的作品才具有艺术价值？苏珊-朗格说：“艺术是人类情感的符号形式的创造，一切艺术都是创造出来的表现人类情感的知觉形式，这种创造出来的形式是供我们的感官去知觉或供我们想象的，而它所表现的东西就是人类情感。”
在希腊语中，艺术一词兼有两种涵义：一是指美的作品；二是指创造、技巧、技艺。艺术品就是具有审美价值的人工技术制品。
由此，我们又可得出一点启示，当我们称赞一部艺术品优美时，往往是蕴涵着两层意义：一是指这件作品的表现形态非常优美，二是指这件作品的制作技艺非常优美。这两种不同的评价，前者对物、对作品。
后者对人、对艺术家。一件真正的艺术作品，必须满足两个基本条件：一是它必须是人类劳动和智慧的创造物，二是它必须能给人以精神上的愉快感受，即具有审美价值。
这两点，可以说是艺术品与伪艺术品相区别的根本特征。首先我们应当排除一种错觉。
有人认为，凡是优美的事物，就都属于艺术。这种看法没有区分优美中的 自然 美与艺术美。
而自然美尽管可以是艺术的对象，却绝不是真正的艺术本身。油画创作表现的是自然美，是对现实美的再创造。
但艺术美不等于自然美，它高于自然美。油画作品反映的是现实美，现实中美的事物或事物的美，是油画创作的有力根据或根源。
比如，这样一幅生活情景：在暮色苍茫的天空下，有一对衣着朴素，身体健康的农民夫妇，在田野斜斜相对而言地站着，都低了头，把手放在胸前，身边倒着一辆手推车和一个盛满马铃薯的篮子。他们在辛勤劳动了一天正要回家的时候，远处传来了教堂的钟声，于是他们脸上现出虔诚肃穆的神色，双双心情平和地做。
4.谁有关于油画的毕业论文
你这个话题确实大！但你能提出这个问题并研究，实在可贵。我和北京的美术评论家和一些职业画家聊起过这个话题！这个话题是他们正在思索的问题，也是整个中国油画界面临的问题！至于做到油画本土化需要很长时间甚至几代人的努力和探索。
看到油画家费正先生的画册上这样几段话，对我启发很大！
60年代初，我接受了一位对艺术颇有胆识的画家董希文先生的指导，对绘画产生了难以抑制的激情！在文艺被禁锢的年代竞与画室中几个不安分的同学偷吃了西方现代绘画的禁果！心中萌动起来，在自己的画中出现了主观臆想的变形和夸张的色彩，绘画语言和形式的苏醒带来了艺术创造的活力，那时，这种醒悟和锐进，终究在劫难逃。
80年代的中国画坛兴起85新潮，众多青年画家和我们当年那样涌向现代绘画，它们自行其事冲撞呼喊，在中国美术史上留下特殊的一页，我为此而高兴，同时又对这有些奢侈的中国现代有几分怅惆！在法国进修时，我在西方人的生存环境中看那些油画珍品，曾经孕育这些伟大的鳞鳞城镇，乡村田野以及人们生活中的点点滴滴，都与画的广大精微息息相连。它们的种种现代在西方文明的空间显示着一种真实引人深思。我想这就是艺术的生命！！！油画在中国，在这方水土与东方民族共同生长，他必须成为中国的油画并获得新的生命。
我放松了对现代的刻意追求，沉静与潮流之外。面得当代状态感受一点实在和真切，在频繁的操作中寻得一份淡泊和从容。。。。。。。
听中央美院袁运生先生讲座时：他对中国现代绘画的否定！哗众取宠！
看了很多大师日记！德拉克罗瓦论美和美术家。梵高书简全集。马蒂斯论艺术。赵无极中国讲学笔录等！它们都谈到三句话！尊重自然！！！！尊重传统和基本东西。赵无极谈到唐宋艺术时提到！他们是从生活中来的！！！谈到画时说！应时时考虑画是否实在和诚恳！尊重自然是尊重你对自然的感受！是要真诚的面对自然！如同文学！你想一想中国的一句的古话！外师造化，中得心源！
到这！你应明白我的意思，你想想，中国现代绘画中绝大多数只是学了一个表面的形式 ！它们并没有真诚的面对大自然，感受自然，所以画中流露出一种虚假！你想想范宽，梵高，蒙克等大师们他们的画中流露出的真诚 ，蒙克画呐喊时是他的切身体验！是他的真切感受！
你不妨从油画本土化或现代油画本土化和自然的关系或面对自然的态度入手！这是我对油画本土化的一点思索和对你的一点建议！希望对你有用和帮到你！
5.关于油画的论文
市场需求与商品油画专业的发展 （缙云工艺美术学校“古堰画乡”分校 金向军 ） [摘要] 专业的设置如何满足社会需求，这是决定职业教育能否生存下去的关键，本文就以缙云工艺美术学校商品油画专业的开设和发展来讨论职校专业如何根据市场需求来设置和发展问题。
同时总结如何围绕市场进行教学改革和专业建设的经验。 [关键词] 专业设置 教产结合 商品油画 马克思说"物质生活的生产方式制约着整个社会生活、政治生活和精神生活的全过程" [《马克思全集》第一卷 第82页中央编译出版社]。
教育作为整个物质生活的一部分，其性质和运作方式也是由社会生产决定的。特别是对职业教育而言，与社会生产的联系更为紧密。
当前，以社会主义市场经济为核心的"物质生活"已构成我国教育发展的大环境。而现代教育与现代经济的本质联系决定了职业教育必须与市场经济接轨。
职业教育必须为社会主义经济建设服务，才能使自身获得高速发展，展示自身的价值和功能。因此，面对市场，与企业接轨，是职业学校发展的必由之路。
根据企业的需求确定学生的培养规格，及时地改革学校的课程设置、教学内容，那么我们培养的人才才能在经济建设中充分发挥作用。否则，学生没有市场，学校更不可能有前途。
缙云工艺美术学校商品油画专业的设置，一开始就紧跟市场的脚步，经过十多年的发展，取的了一定的成绩。倍受各级领导的重视与关怀。
同时毕业生就业达到供不应求的局面，平均一个毕业生有好几个油画企业可供选择，在就业形势日益紧张。很多大学生都找不到工作的背景下，更是一个奇迹。
说明走市场化道路，对学校对学生而言，是何等的重要。职业学校的专业设置能否跟随市场的变化而变化，随经济的发展而发展，这是决定职业学校能否生存下去的关键。
因为职业教育始终面对两个市场：就业市场和生源市场。在设置和调整专业时，不仅要考虑生源的问题，更要考虑就业市场，想到他们的出路。
因此要有与市场经济相适应的职业教育理念，这既是市场经济对职业教育的现实要求，也是职业教育在激烈的市场竞争中求生存、争发展的需要。 在缙云工艺美术学校商品油画专业的开办之初，就对市场做了大量的调查工作。
为推进毕业生就业，专业的设置提供了可靠的依据。同时探索出一条适合地方经济发展水平和学校自身实际的发展道路。
那么缙云工艺美术学校又是如何根据市场进行专业设置，如何围绕市场进行教学改革和专业建设的呢？这中间的经验又究竟何在？这些都是值得探讨的问题。 一、如何根据市场设置专业。
首先，在设置专业之前，要充分的进行市场调研。任何专业在设置专业之前务必对专业进行调查，并研究可行性。
在1991年，在颇有远见的缙云工艺美术学校老校长吕德强{工艺美术学校创始人}的指导下，金向军等教师多次到当时最早实行改革开放的城市深圳考察商品油画并作了调查。得知，商品油画是中国改开放以来从国外引进的一种油画复制技术。
主要通过香港等国际市场销往欧美等世界各地。（现在，商品油画无论在国内还是国外都有看好的市场前景。
国外市场随着国民生活的改善和文化素质的提高，越来越多的人已从温饱走向了小康，这当中有相当一部分人对精神和物质有了更高的追求。特别是现在随着节假日、公休日的增多，人们有更多的时间去寻找精神方面追求，而艺术品无疑是人们最关注的对象。
国内油画市场既将日益壮大。因商品油画让艺术与市场接轨，所以它不出10年在中国得到了迅猛的发展，如深圳大芬村，厦门乌石浦、海沧、浙江义乌等商品油画市场已具相当规模，以深圳大芬为例：被当地人誉为"中国油画第一村"的深圳大芬村，原先是地处深圳郊区的小山村，在短短的十年时间里，它创造了占领全世界60%的油画市场的奇迹。
大芬村每年商品油画的出口额都在一亿元人民币以上。透过大芬村油画市场发展情况不难看出--我国的油画产业对画工的需求也随行业快速发展而在不停的增长。
况且工资待遇丰厚。还了解到原工艺美术学校89届毕业生胡力锋，蔡杰等在91年从事商品油画工作，月薪就达到3000元以上（当时，教师的工资水平还不超过200元）。
同时，我们也发现国内就画工培养上来说，基本上是画厂中师傅带徒弟的方式，全国还没有一所学校培养这方面的人才，美术学院又不会培养画工。那么市场上对这一类人才就存在断档。
况且开办该专业投资也不大，当时工艺美术学校的领导吕德强先生及油画专业老师们以敏锐的市场眼光看到这一现实，在1993年9月，正式成立了商品油画专业。经过十多年的实践发展，事实证明这一判断是怎样的远见卓识。
其次，专业的设置必须具有一定前瞻性。人才培养必须以市场为导向，设置专业务必要跟着整个社会形势的发展。
这就要求必须对未来经济发展趋、未来人才市场需求做出准确分析和预测，为超前设置专业提供可靠依据。因为市场是瞬息万变的，今天的热门可能就是明天的冷门。
如果专业的设置，只考虑眼前的市场，而未能对未来的变化有一个正确的判断，那么一旦市场需要发生变化，培养的学生就不能适应市场而淘汰，更谈不上专业发展了。缙云工艺美术学。
6.油画毕业论文,想写下关于莫奈的作品,取题目
.作品赏析
莫奈笔下的鲁昂教堂与草垛并不具有宗教与乡土的特定涵义，它们只不过是光色之下冷暖交替的一团毛茸茸的色彩。或者说，图像所附带的象征被光色表现消解了，我们只见超脱自在的笔墨。莫奈有言：“户外作画时，要尽量忘掉你面前的对象，一棵树、一座房子、一片田地或什么的。要忘掉这些。你只需要想，这里是个小正方形的蓝色块，那里是一个粉红色的长方形，那里是一片黄色。你就这样画，好像对象原本就是这样的色彩和形体，直到画面使你对于面前的景致获得一种自己的纯真印象”。——基本上这段文字可看成印象派画家观察与思考的写照，光色之下，人与物都只是一种色调运用的借口，笔法和形色第一次超越了题材的重要意义，画的形式美感成为表达的唯一目的，这样的态度很是影响了后世的一些绘画，和文学应该也有交互的影响。维克多.雨果的一首诗流光溢彩：“、、、你从这里观看——赭石色，白垩色，/平原上，阡陌纵横，千百条交错，/茅屋露出地面，被灌木淹没，/草坪上矗立着一些乾草垛，/就屋顶使景致蒙上了茶褐色、、、”。这简直是印象绘画的语言化，诗中画了。
在这两幅《鲁昂大教堂》的画面上，可以领略不同的色彩感觉。从中可以看到莫奈对光和色彩的探索匠心，在光照下教堂的轮廓被冲淡了，显得很微弱，随着光的变化引起色彩的改变，教堂形态也发生了变化。画家注意捕捉每一瞬间表面色彩之幻影与长久不变的形体结构的对比关系。这两幅色调不同的同一教堂所呈现的形象和气质也不一样。画家运用浑厚的笔触层层叠加画法，形成大片的碎块厚涂，使教堂具有分量和体积感，深沉而神秘。
毕沙罗在看到这些大教堂的连作时写道：“这种不平凡的技巧使我失去了自制力。它是一幅深思熟虑的作品，是经过长期考虑的，追求瞬间细微差别的效果，我没有见到别的艺术家达到这种效果。”
日出印象
莫奈创作了扬名于世的 “印象·日出”。这幅油画描绘的是透过薄雾观望阿佛尔港口日出的景象。直接戳点的绘画笔触描绘出晨雾中不清晰的背景，多种色彩赋予了水面无限的光辉，并非准确地描画使那些小船依稀可见。真实地描绘了法国海港城市日出时的光与色给予画家的视觉印象。由于它突破了传统画法的束缚，有位批评家就借用此画的标题，嘲讽以莫奈为代表的一批要求革新创造的青年画家为“印象主义”，这一画派以此得名。这幅画在1874年3月25日开幕的印象派画家第1次联合展览会上展出，这幅作品是莫奈画作中最具典型的一幅。
7.写关于油画风景的毕业论文怎么命题
我们置身于绘画艺术的历史长廊，欣赏艺术大师的作品，在折服于他们精湛的技艺同时更惊叹艺术长河的博大，为我们呈现出精彩的艺术瑰宝。
不同时代的艺术都以他独特的审美情趣展现在世人面前。 油画对于我们来说是一个外来画种，诞生在重科学、重自然、以写实为主要表现手法的欧洲，一开始就给其带上了写实的神秘面纱。
让后人为之不断探索，如三度空间的立体观念、明暗的造型体系与条件色的色彩关系。正因为这种写实油画手法的运用，使油画比中国画更具有真实性。
几百年来油画大师林立、放出耀眼的光辉，不能不说这与油画本身有很大的关系，从而使其成为屹立于世界艺术，无论从时间或空间上来说都是广泛传播的大画种。 纵观历史可知油画是在欧洲起源发展的。
“油画”这个名称以清楚的告诉我们，他是采用油性物质作为黏着颜料的媒介，在布、纸、木板等材料上塑造艺术形象的绘画。油画是从15世纪以前蜡画法、蛋胶画法上逐渐地发展起来的。
15世纪初期的尼德兰（荷兰）画家凡•爱克兄弟是油画的奠基人。凡•爱克兄弟完成了以胶为介质向油为介质的转换。
他们在前人尝试用油溶解颜料的基础上，用亚麻油和核桃油作为调和剂作画，作画时运笔流畅并能反复覆盖修改，干透后的颜料附着力强，色泽鲜艳，不易剥落和退色。新材料和新技法的运用很快流传全欧洲。
因此这是油画发展史上的一个重要转折点。 在我们所欣赏到的油画最初起源是服务于宗教，是宗教的活动的重要组成部分。
在欧洲中世纪文化中，基督教影响着社会的意识形态和生活方式。绘画艺术也因此成为奴婢不可避免地具有浓厚的宗教色彩，成为“图画的圣经”为基督教服务。
这时期比较有名的是非写实性的宗教题材。 15世纪的欧洲伴随着资本主义萌芽的产生，文艺复兴运动的出现是人类思想的一次大解放，它促进了文化艺术的繁荣和近代科学的飞跃，人文主义思想出于对宗教的批判，有着关注社会现实的积极要求，新兴的社会崇尚自然、科学，于是艺术也就由一种形态转化为另一种形态，从自然出发体现出了艺术的世俗化，许多著名画家为逐渐摆脱单一的以基督教经典为题材的创作，开始对当时生活中的人物、风景、物品进行观察和直接描绘，使宗教题材的作品含带明显的现实世俗因素，有的画家完全描绘现实生活的实景。
文艺复兴时代的画家继承了希腊、罗马的艺术观念，即不仅注重作品要描述某一事件或事实，还要揭示出事件或事实的前因后果，于是形成了注重构思典型情节和塑造典型形象的艺术手法。与此同时，画家还分别探索解剖学、透视学在绘画中的运用、画面明暗分布的作用等，形成了造型的科学原理。
人体解剖学的运用使绘画中的人物造型有了如同真实般 准确的比例、形体、结构关系；焦点透视法的建立使绘 画通过构图形成幻觉的深度空间，画中的景物与现实中 定向的瞬间视觉感受相同；明暗法使画中的物象统一在一个主要光源发出的光线下，形成由近及远的清晰层次。人文主义的艺术主题与追求写实的造型观念在其他画种中所以不能完善，是因为工具材料的限制，而油画工具材料性能正适于将二者充分体现出来。
因而，古典油画 成为经长期制作的、高度写实的面貌。文艺复兴三杰他们结合了科学研究的成果，把解剖学、透视学和光学的原理应用于绘画中，他们的作品具有坚实的素描基础，准确的线条透视，严谨的形体结构，丰富的明暗层次，使作品中的人物具有立体感和空间感 17世纪是欧洲古典油画迅速发展的时期，不同地区、国家的画家依据自己生活的社会背景、民族气质，在油 画语言上进行了不同的深向探索，油画的种类按题材划 分为历史画、宗教故事画、团体肖像、个人肖像、风景 画、静物画、风俗画等。
油画技法也日臻丰富，并形成 了各国、各地区的学派。 17世纪的一部分油画强调了油画的光感，运用色彩冷暖对比、明暗强度对比、厚薄层次对比进行光感的创造，形成画面戏剧性气氛。
意大利画家卡拉瓦乔打破了他之前油画中有序和谐的光感效果，他强化画面上明暗的对比，往往用画面背景平面的大片暗部衬托前景明亮的人物，令人感到画中光线耀眼。西班牙画家格列柯将景物处理成处在斑驳的光影之下，他不是从明暗两大体面，而是从间断错落的明暗分布进行造型，色彩的冷暖也形成间断的连续变化，用笔凝重，色彩层面在挤压中互相渗化，画面给人扑朔迷离的效果，有的甚至充盈着神秘与不安的气氛。
荷兰画家伦勃朗也把画中的光感作为表现人的精神状态的一种手段，他所作大量的人物肖像中，人物都处在大块暗部的笼罩中，唯表现神情的脸、手等重要部分显出鲜明的亮度。他运用沉着的颜色在暗部多层薄涂，使暗部显得深邃，画亮部则用厚涂和画刀堆色法，造成厚重的体量感。
同时期，笔触的运用也被许多画家侧重探索。笔触是带有颜料的油画笔在画布上运动的痕迹，早期油画全幅各部分颜料层厚薄比较一致，运笔力度均匀，几乎不显露出笔触。
17世纪的画家注意到笔触的运动受创作时心境和情感律动的驱使，画家在作画时能产生控制笔触动势的情感，笔触的轻、重、缓、急和运动方向不仅使被塑造的形象显出生动感。
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