众文网有关幼儿绘画的毕业论文(浅谈绘画对幼儿有什么好处毕业论文)
1.浅谈绘画对幼儿有什么好处毕业论文
视觉里的空间变小了，想象力也要因此受限吗？NO！在绘画里，它依然可以自由驰骋，尤其是那样一群富有超强想象力的孩子。所以，换一个角度而言，绘画不仅仅是一门艺术，也是一座让家长朋友们走近孩子、真正读懂孩子的内心世界的桥梁。幼儿学习绘画的好处你知道多少？ 早期智力开发的必修课==绘画？
到底这门必修课需不需要，您不妨看看下面几点：
1、记忆能力的提高
也许看到孩子毫无艺术感可言的绘画，大人们的第一反应是信手涂鸦，这无可厚非，如果小孩的绘画完全符合大人门的审美观点，那样就说不上想象了，如苹果，因为模仿的苹果算不上真正的再创造。但是这并不表示孩子的绘画作品是没意义的，只是在我们成人思维里缺少对孩子作品的理解成分。在他们看来，一个小圈圈就是一片云朵、一个人物形象，几个粗细不均的线条就是一栋房子、几棵树，如果我们细心观察，古人最早用的甲骨文就像是小孩的无意识记忆喔！比如下面的这些绘画作品。
孩子们将自己在感受外物时储存在脑海里的记忆翻找出来，然后以稚嫩天真的方式抽象地表达出来。甚至有心理学家认为，孩子们在5岁以前的创作性是最高的，几乎能等同于绘画大师。他们的绘画内容并不是虚无的，是对现实的一种记忆恢复，只是表现方式不是我们成人惯有的接受方式而已。
2、观察能力的提高
其实这就是孩子观察能力的表现，不受固定格局限制的他们能注意很多大人已经无法注意到的细节，他们的内心世界有时候比大人的还敏感细腻呢。
3、想象能力的提高
因为我们跟孩子的想象力、认识能力有差别。成人都喜欢规矩、真实的东西，而孩子的世界里充满了童话般的烂漫，花儿会唱歌，太阳长胡子，小兔子拿着气球，电视机长着两只手这正是想象力的最好表现。
同时，对色彩的运用更能显出孩子们大胆的想象力，他们按照自己的兴趣、意愿随意涂抹颜色，红色的小人儿、绿色的房子、蓝色的小猫不过不要用离谱去理解他们看到的世界，因为在他们眼里，世界本来就是丰富多彩的。
4、情绪的及时宣泄
孩子有着天性的童趣和强烈的表现欲，他们的喜怒哀乐跃然纸上。在他们还不能用丰富的语言来表达内心世界时候，通过手脑结合的方式绘画便产生了。也就是说，其实每一幅画都是孩子真实内心思想的写照，是孩子情绪的外在表现。告诉您一个小秘密：如果孩子的涂鸦中线条生硬、混杂、重叠，颜色暗淡，这些说明此刻他或许正有不良情绪。相反，如果孩子的涂鸦线条柔和、丰富，颜色明快，则表示孩子的情绪是健康的，心情也不错。
5、绘画使左右大脑一起开工
这些都会促进左脑的智力开发。
在绘画的时候，孩子无意间培养了对颜色、形状、空间位置的判断认知能力，这些对右脑智力的开发很有益处。
所以说，绘画可以同时活动左右大脑。在不断绘画创作的过程中，孩子们会不断打破原有的思维和定式。当接受到外界的新鲜事物时，灵感一触即发，左右大脑同时开工。
6、绘画过程锻炼孩子的种种能力
从简单涂鸦开始，孩子就在不断创新，从最开始运动轨迹的线条到有意义的形状，再到颜色，再到内容，创造力可以无限发挥。
从大量的儿童绘画作品和儿童绘画过程中我们可以了解到，孩子绘画是一种加强记忆力，促进孩子观察力，培养孩子想象力的过程。它是由微妙精细的观察能力、形象的思维能力、高效的记忆力、创造的想象力，再加上手的协调运动和丰富的表达能力组成的。这些能力可是补品不能轻易办到的啊！
7、绘画是一种表情达意的形式
绘画也是一种艺术，它跟音乐、舞蹈一样富有魅力，可以说是人类表情达意的一种形式。无论是孩子的还是成人的绘画作品，都附带了个人感情因素在里面。要知道，没有感情的作品是僵硬死板，无生命力的。所以，要想您的孩子从小具有艺术细胞，不妨让他试试！当然，兴趣是最好的老师也不能忽视
2.我是学前教育专业的,想写有关美术方面的毕业论文,有什么比较好的,
美术教育专业本科毕业论文参考题目一、美术教育方向 1.营造良好美育氛围、提高学生美术素质 2.“审美素质教育”——中小学美术教育应解决的问题 3.浅谈小学美育 4.中学美术教学探究--中学美术课应解决的两个问题 5.试论美术课中轻松愉快氛围的营造 6.中小学美术课应解决的问题 7.从激发兴趣入手培养幼儿的绘画能力 8.如何正确对待儿童美术素质教育 9. 浅谈中小学美术绘画技能的训练 10. 让学生在主动参与绘画创作中增强美术素质 11. 提高中小学美术教学，塑造完美人格 12. 如何才能当一名合格的美术教师 13. 中学美术欣赏课学习方法研究 14. 浅谈培养儿童学画 15. 谈谈中小学美术教育的意义 16. 怎样搞好美术特长生培养 17. 怎样才能提高中学生美术教学 18. 中学美术教育与提高素质教育的关系 19. 中学美术如何渗透环境意识 20. 中学美术教育改革之我见 21. 怎样体现小学美术课堂教学的价值 22. 谈中小学美术教育的意义 23. 保持儿童美术的原创性 24. 美术课中培养学生创造性思维能力的思考 25. 谈美术教育在中小学全面素质教育中的作用 26. 中小学美术教学改革的初步设想 27. 做现代中学美术教师 28. 培养儿童绘画的想象力和创造力 29. 中小学美术课应解决的问题 30. 小学美术教育畅想 31. 素质教育观下的早期美术教育浅论 32. 在初中美术教育中绘画技能的训练 33. 浅谈对中小学美术教学中美术常识与欣赏课的几点认识 34. 中学美术教育改革初探 35. 浅论美术课堂中轻松愉快的气氛营造 36. 试论初中美术设计应用课的教学方法37. 激发学生兴趣让学生发现美创造美 38. 美术课中如何渗透爱国主义思想教育 39. 浅谈怎样搞好中学素描教学 40. 论儿童个性化的发展 41. 中小学美术教学中速写作用之散论 42. 对现今中学美术教学的思考 43. 浅谈在美术教学中培养学生良好品德 44. 美术教育与儿童创造思维发展 45. 如何迈向开放式教学新格局——论素质教育与美术 46. 中小学美术课的再评价与再创造 47.浅谈中学色彩教学 48. 浅谈风景写生教学 49. 素描静物在基础教学中的重要性 50.从“像不像”看美术教学 51.幼儿美术教育初探二、绘画方向 1.中国画创新的道路探索 2.浅谈中国工笔人物画的“传神写意” 3.浅谈素描写生 4.简论书法用笔与中国画笔墨 5.谈画好素描的窍门 6.浅谈艺术中的“目视”与“神遇” 7.浅谈中国山水画的意境 8.论水粉画写生“水”和“白粉”的运用 9.素描作为独立的艺术形式的魅力 10.浅析中国画的美学理念 11.中国画设色中的变色 12.重视眼、脑、手的训练 13.浅论中西绘画中的线条艺术 14. 浅谈美术的功利价值早于审美价值 15. 浅谈中国山水画 16. 浅谈中国画的”形“与”神” 17. 浅谈素描创新——造型、审美、感知能力 18. 略论中国画的构图 19. 浅谈写意花鸟的赋彩 20. 如何看待“笔墨等于零” 21. 浅谈中国画的“笔法”和“墨法” 22. 浅谈中国画的气韵生动 23. 试谈当代油画的写意特征 24. 浅谈自然色彩写生 25. 浅谈中国古代人物画——敦煌壁画“飞天” 26. 水墨画的美学特色 27. 中国水墨画的现状与出路 28. 浅谈中国人物画 29. 浅谈对山水画的认识 30. 浅谈中国画“线”的艺术 31. 面对未来的中国水墨画 32. 浅谈色彩写生 33. 中西绘画色彩比较 34. 浅谈中国画的构图特点 35. 浅谈中国传统绘画的造型观念 36. 浅淡“书画同源” 37. 浅谈中国画的空白 38. 头像素描学习的要求是什么 39. 简论中国画与书法艺术的关系 40. 浅谈文人画对中国画之影响 41. 中国画贵在创作 42. 浅谈中国画中的“气韵生动” 43. 谈徐渭的杂花图卷 44. 如何对待西方现代派美术 45. 线描艺术的魅力 46. 传统水墨与都市水墨 47. 浅论山水画写石方法 48. 论"线"在素描绘画中的作用 49. 浅谈中国画空间的创新 50. 论白描仕女画 51. 谈中国画的现状和出路 52. 浅谈国画百年之变迁 53. 浅谈色彩与人的心理 54. 论白描 55. 笔精墨妙与意趣心契 56. 浅谈基督教对米勒的影响57. 古代书法论所涉“道”“理”“法”三者关系58. 论写生与创作的关系 59. “线条、色彩、构图”——绘画美的本质 60. 散谈中国画的特点----作为阅读符号的中国画 61. 线——造型艺术的独特语言 62. 谈临摹 63. 对中国水墨画传统技法的几点认识 64. 油画之我见 65. 散论中国画的继承与发展提供：早检测。
3.毕业论文：“谈通过幼儿创造性的美术活动发展幼儿创造能力”研究现
一、问题的提出 人类文明史是一部创造发明史，人类的创造性越强，对社会发展的促进作用也就越大。
创造力的定义，通常是指根据一定的目的，运用一切已知信息，产生新颖、独特、有社会价值的产品的能力。一般来讲，它由低到高可以划分为五个层次，幼儿正好处于最低层的表达创造力发展的阶段，而表达创造力，又是其他较高层次创造力的基础，由此我们应该认识到培养幼儿创造力的重要性。
作为美术活动，许多人普遍存在着片面的看法，他们认为这仅仅是一种技能的训练和提高。事实上，从心理学的角度分析，美术有助于发展人的逻辑思维和形象思维，特别有助于启迪幼儿的心智，是训练右脑功能和创造力的最有效的手段之一。
对幼儿自身而言，他们更擅长于用绘画的形式来表达和抒发自己的思维和情感。因此，幼儿美术活动最大的意义是发掘幼儿的创造潜能，激发与培养幼儿的创造力。
当然，在目前的幼儿美术活动中，还有相当一部分停留在“依葫芦画瓢”的阶段，强调模仿性学习，这样很大程度上抑制了幼儿创造力的发展。为此，我们假设，通过采用新方法，新模式，有意识地对幼儿开发创造性美术活动，将有助于提高幼儿创造力。
二、研究方法与步骤 一明确研究目标： 我们希望通过本实验，能比较具体地了解创造性美术活动对幼儿创造力培养的措施及效果，为如何开发幼儿的创造潜能提供依据与途径。 二确定实验的对象，方法与步骤 1、本研究采用对比实验法，实验班采用创造性美术教学法，对照班采用传统美术教学法，两班用同一教材，每周的美术课时相对，其他的一切活动也相同。
2、选定中二班46名幼儿为实验班，中一班45名幼儿为对照班，选定对象后，我们对两个班级的幼儿的创造能力进行前测，从前测结果看，两班幼儿的水平相差无几（见表一）： 实验班和对比班创造能力前测对比表 n x s z 实验班 46 4.053 1.486 Z=0.467P>0.01无显著差异 对照班 45 4.123 1.455 三组织活动实践 本实验周期为一年，自2003年9月开始至2004年9月结束。 每周的美术教学活动严格按照计划实施。
四后测与实验结果分析 实验结束后，参照[美]E·P·托兰斯的测定方案，制定了五项检测题，对实验班与对比班幼儿的创造性情况进行测查、分析。 三、具体做法 一激发幼儿的创作欲望 通过优化环境，激发幼儿的创作欲望。
首先是优化主观环境。因为幼儿的思维活动很大程度上受到情绪的影响，所以，为幼儿设计和提供一个良好、宽松、愉快、活泼的学习环境是必然的需要。
每一次活动，我先以亲切的语气，温和的表情使幼儿的心理处于安全、宽松的状态中，再以新颖的组织方式，艺术的引导和热情的鼓励，激发幼儿的创作欲望，使幼儿产生积极的、跃跃欲试的想法。 然后是优化客观环境。
我通过利用幼儿精彩的作品或名画等，来布置教室，让幼儿去想象美，感受美，并通过提供丰富的材料和工具，给幼儿提供一个自由发挥想象，尽情表现欲望的场所。 二通过创造性美术活动训练的创造性思维 创造性思维是创造力的核心，它指的是在创造性活动中所特有的思维过程。
创造性思维包括发散思维和集中思维这两种形式，因此，我有计划地组织幼儿开展创造性美术活动，并在活动中着重进行这两个方面的训练。 1、发散性思维的训练方法 所谓发散性思维，是指围绕某一有待解决的问题，让思维尽可能地向各个方向和各个方面去展开。
发散性思维的一个特点就是对同一问题追求多种答案，这是一种由抽象出发而趋于具体的方法。针对这一特点，我设计了一些相关方案，比如，在课堂上，我以“圆”为题目，让幼儿画出自己所知道的和圆有关的东西。
结果，幼儿的作品可谓是五花八门，从天上的太阳到手里的皮球，从汽车的轮胎到胸前的钮扣，其想象力之丰富令我惊叹不已。 发散性思维另一个特点就是对解决问题的各种方案进行比较，从中选择最佳方案，达到优化思考的目的，实现有水平的创造。
比如我以“去北京旅游的交通工具”为题，让幼儿进行创作，结果，有画汽车的，有画火车的，有画飞机的，有画轮船的，有画自行车的，甚至有的画了一匹马，还有一个幼儿画了一个黑洞，说是时空隧道，动画片上看过的，也有的小朋友画了两种以上的交通工具，说途中要换坐。此时，教师就可以有目的的帮助幼儿进行方案优化，让幼儿逐步认识到有价值的设想越多，创造性就可能越高。
此外，开展创意画和随意画练习对发散性思维的训练也有很大的益处，这个练习，基本上排除了教师的诱导与暗示。譬如，有些时候，我讲一个故事，放一段音乐，题目如“未 来的房子”，“未来的城市”，“太空遨游”，“我们居住在大海上”等等，我不作任何讲解， 而让幼儿将自己心中所认为的情境用绘画的方法表达出来。
实践证明，这个时候，幼儿的思维非常活跃，其作品亦无拘无束，如天马行空，童真童趣跃然纸上。随意画也可以认为是创意画的某种变形，比如，让幼儿自己或者别的小朋友在纸上随意画一些线条或色块，也可以是一个片段画面，然后让大家根据这些随意画出的线条，色块或片段画面进行多角度的联想，画出新的内容，这样，幼儿能够展想象的翅膀任意驰。
4.找份毕业论文要跟学前教育专业有关就行最好是美术方面的
学前美术教育的现状与研究 一、当前我国学前儿童美术教育的现状（1）在教育目标方面，出现两个误区：其一，把美术教育等同于技艺教育，认为教会孩子画出一张美丽的图画，做出一件有趣的玩具便完成了任务，把重点放在培养孩子的正确描写和表演能力上，把技能技巧的培养作为重要任务；其二，把美术作为实施德育、智育的手段，作为完成某一中心任务的从属部分，没有本身的独立体系。
殊不知美术教育本身是一个独立的领域，是一个具有极大潜力的领域，它的任务是既培养儿童对艺术美的欣赏、识别，又培养儿童的审美心理素质，帮助他们学习用美的眼光来把握世界。（2）在教育内容方面，强调对自然的模仿和再现。
模仿现实生活中的简单物体和图片是美术教育的主要内容。于是儿童作品中的模式化倾向非常突出，无论在一个幼儿园里、一个班级里，甚至在儿童作品展览上，从花花绿绿的各式各样的作品中，我们都可以看到许多带有模式化的人物、动物形象。
固然，学龄前儿童从自我中心转化到以客体意识为主的过程中，概念画的出现是不可避免的，然而，我们也发现教师、家长在这方面起了推波助澜的作用。因为依靠学前儿童自身的能力和自发性发现是很难有“好”的作品出现的，为了“早出成果”，教师往往采取简单的临摹方式，用孩子的手，画出成人期望的画，不断地临摹，造成儿童思想僵化，失去了探索学习的兴趣和能力。
社会上充斥于市场的儿童图书、练习册、电视中的动画片又为儿童提供了绘画范例，于是，大量的儿童失去了他原有的稚拙天性，有些儿童画在成人的加工下，故作“天真”，仍然会令人感到失去了真正的童趣。（3）在教学方法方面，灌输法仍然被大量使用。
在美术教育中，用简单的几何形体作为标准模式，给儿童临摹学习，让其画出各种形状。教师是美术活动的中心，教师提供的形象是孩子们的典范，培养出来的几乎是一个模子里倒出来的式样，没有“自我”和“感觉”。
教师为了寻找大量的模式给孩子临摹，于是“简笔画”应运而生，它的影响几乎席卷全国，为灌输法大开方便大门。现在，关于“简笔画”的功过，还在热烈争辨之中。
我们认为根本问题在于教育观，希望培养什么样的孩子，用简笔画提供的种种图式直接灌输给孩子，从表面上看，孩子的画面内容丰富。但是，孩子们学得被动了，画出来的画就模式化了，它代替了孩子的感觉、思考和想象，使他们失去了对周围事物的敏感性，失去了孩子自己的绘画语言和个性风格，最重要的是对孩子潜在的创造力的扼杀和自我创造意识的摧毁。
二、我们对学前美术教育改革的思考 结合我国当今儿童美术教育的现状，笔者在教育的指导思想、教育目标、教育内容和方法方面作了较为深入的思考，在实施艺术综合教育的过程中，同时也对美术教育进行了全面革新，现概括如下：1、以培养深层次的审美心理结构为中心 美术教育内容和形式的多样性、丰富性，为儿童的审美心理建构提供了丰富的审美客体和探究刺激。儿童在美术活动中运用审美感官，在遗传获得和以往实践中形成的原先的心理结构基础上，通过同化作用，形成同形同构或异质同构的关系，融人新的艺术对象，丰富了原有的心理结构，或者在新旧信息相互比较、分析、综合中发生顺应作用，充实、改组和重构原有的心理机构，使之发生质的变化。
审美心理结构以系统结构的方式内化，沉淀于人的心理构成审美心理的整体结构系统。美术教育可以帮助儿童进行整体的系统的审美感知，形成完整的心理结构。
美术实践使儿童产生了审美的需要，形成了特定的审美个性，只有长期的艺术熏陶，艺术实践和审美环境才能使一个普通的人建构和发展较为完善的个体审美心理结构，变为审美和创造美的人。从这种意义上看，美术教育就是塑造个体审美、创美的个性教育。
（1）培养敏锐的审美感知能力 幼儿的审美感和特点：一是直觉性。幼儿对事物的认识，特征在于对感性经验的全面依赖。
在他们的心目中的事物就是他所看到的、听到的、接触到的那个样子。二是整体性。
幼儿对事物的感知是从笼统到分化。幼儿的视、知觉一开始把握的材料，是对事物整体的粗略的结构，先认识树，再进一步认识它是由树干、树枝、树叶构成的整体。
三是同一性。幼儿常常拟人化地观看世界，把外部的一切都看成和自己一样具有生命力，认为自己感受到的东西，物也一样能感受到。
美术作为视觉艺术，具有增强感知能力最强有力的手段，通过美术活动可以培养幼儿审美器官的灵敏度、活跃性和统摄力，激活幼儿对生命特有形式的感受能力。例如：我们见到火光就会有温暖、热烈的感觉，见到月光，就会产生安静、温柔的感觉。
儿童知觉能力比成人强，这是因为他们不受理性思维的干扰。再如，一个圆形，儿童会说：“这是太阳”、“这是扣子”，而成人可能会凝视它，注意它的弯曲弧度，非规则性等。
由此，我们推论儿童与艺术家更有相似之处。他们表现的足根据他内心的流动的感受中获得的线条、形状和韵律。
依据上述分析，在美术教育的内容设计上应更加重视引导儿童去亲身体验和感受现象世界，利用审美直觉，强化儿童对事物包。
5.急求一篇关于“幼儿美术才能的发现与培养”的论文 在线等
一、美术教学的基本思路 1.以形象思维训练带动幼儿绘画知识和技能的提高。
幼儿美术的重点应在创造意识的启迪，而不是技能的传授。 在美术教学中，注重激发儿童绘画的强烈愿望，给儿童提供一个自由的、友善的环境，鼓励儿童去看别人看不到的东西，去想别人想不到的事情，将来去开创别人没有开创的事业。
这不仅仅是绘画之路，而是给儿童树立一个走向未来竞争得以立足的精神支柱。因此，把训练儿童直觉感受、形象的观察、形象的记忆、形象的联想、想象、创造作为重点。
当然，随着儿童年龄的增长、表达的丰富，绘画技能也要相应提高，但技能训练的关键是要抓住控制技能提高的心理机制（形象思维），儿童的潜能才可以得到更好的发挥。技能是思维的表达，应当先学会思维，再学会表达（技能）。
换句话说，在美术教学中以开发幼儿智力、提高审美能力为前提，带动幼儿绘画知识和技能技巧的提高。先教儿童会想，再教儿童会画，这就是我美术教学的一个基本思路。
幼儿思维活跃，头脑中的形象丰富，情绪激动，创作欲望强烈，就会画出意想不 到的好作品。 2.全面育人，发展个性 绘画是一种“个人审美心理的独特体现”。
因此，在教学中特别注重儿童的个性发展。鼓励和表扬能 独立思考、能勇敢地表达个人感受、有创造精神的儿童，使他们觉得在绘画过程中到处都有展现自己聪明才智 的机会。
绘画是儿童心灵的一面镜子。古人说得好，“文如其人”，“画如其人”，这个比喻对儿童画来说也是恰当的。
有时可以通过一幅儿童画（无语思维）看到小作者本人的气质、心境、理想、愿望、真、善、美……所以在教学中非常注重教儿童先学会做人，再学会作画。幼儿年龄较小，如何做人、如何作画都处在学习阶段，会做人才能画出好画。
如征集“我的家”参赛作品，那些生动感人的、真正有质量的作品，其内容也是孩子们亲身做出来的事。例如，莫超画的“给奶奶捶背”，画面中画的白发老奶奶由于小孙子给捶背乐得合不拢嘴；杨韵画的“帮妈妈刷碗”，从小爱劳动，自己的事自己做……这些都反映了儿童学习做人的美德。
生活是知识的聚宝盆。教学内容非常贴近儿童的生活实际，反映社会，反映大，易学易画。
同时 ，美术教学是在与多学科配合的基础上进行的，而且能面对全体儿童，因材施教，促进每个儿童都能在原 有基础上得到全面发展。 二、美术教学的几个原则 1.启发儿童自愿学习 美术教育不同于一般说理性的科目，它要靠思想的启迪和情感的激励来唤起儿童敞开心灵的大门，不能有 任何强迫性。
首先要让所画的形象对儿童有强烈的吸引力，就是说先娱目动情，然后才能激思励志。所以很重视每节美术课教学画前的准备阶段。
用“童心”去想儿童所想，用儿童喜闻乐见的形式去激发儿童创作的欲望，让儿童头脑中有鲜明清晰的形象，“呼之欲出”，使儿童产生内心的创作冲动。采用许多丰富多采的教学形式，如对季节特点的观察，就让儿童身临其境，观察体验。
当孩子还在小班时就带儿童到龙潭湖公园枫树林中去捡树叶观察秋天；让幼儿在树林里玩耍、游戏，沐浴秋季温暖的阳光，观察大自然色彩的变化……回来后让儿童把自己画进美丽的画幅中。不仅让儿童去捕捉、感受物体瞬间的变化，还让儿童作长期的观察。
春天让孩子自己种花、种草，看小草是怎样长出小芽的，校园里的桃花、玉兰是怎样由含苞到开放的，蝴蝶长着几个美丽的、有花纹的翅膀……另外，我还采用了其他的形式，诸如听化妆跳舞、玩木偶、戴面具戏剧演出、讲故事、说寓言、引用中外古典文学名著（《西游记》、《伊索寓言》）、说儿歌、看展览、看录像、自制 活动玩具、活动人、拼图…… 总之，美术教学多在活动中、游戏中去进行，让儿童用眼睛去看，用脑子去想、去记，通过行动去体验、去玩、去摸、去听……用现实的刺激促使儿童的想象运动起来，经过他们的头脑加工，创造性地外化于画面上。儿童们经过启发，按捺不住急切作画的心情，当听到老师说现在开始画时，他们就全神贯注地画起来，没有淘气的，也没有说话的，全班鸦雀无声，只听见笔在纸上作画的唰唰声。
2.鼓励儿童自我发现，自我创造地 美术教学必须创造一个有利于儿童创造性活动的环境条件，并以此来设计教学过程。 利用幼儿自我为中心、“泛灵论”的心理特点，让他们无拘无束地、不分时空地自由想象，给所画物体注入生命、注入情感，特别是用拟人等手法去画一些人物、动物，就像画他们自己一样。
他们画出的形象新颖、离奇、夸张、变形，具有丰富的想象力。如我讲《西游记》中的故事“猪八戒吃西瓜”这一课时，我边讲故事边在黑板上画猪八戒左一口、右一口地在偷吃西瓜，孙悟空吹了一根毫毛变成西瓜皮，把猪八戒摔得嘴啃泥，摔得仰面朝天……他们看到我在黑板上画得轻松自如，高兴得不得了，也想试试。
他们口说儿歌，头上戴着孙悟空、猪八戒的面具，一边表演一边想怎样把这个故事画好，画得更有趣，一点也不觉得紧张。 对孩子们经过自己发现、自己选择画出的有趣形象，无论好与坏（不能用成人的眼光去求全责备），老师都不能横加指责。
只要能画出来就。
6.如何做好一名幼儿美术教师论文3000字
要成为一名全优的教师，必须要具备三个条件，即师德、师智、师能。
师德主要指高尚的品德和人格、高度的责任感和事业心；师智主要指有广博的知识、精湛的业务和敏捷的思维；师能主要指具有胜任教师工作的表达能力、组织能力、创新能力和科学的教育教学方法。教师要取得良好的教育教学效果，起决定作用的是教师的师德和人格。
因此需要我们树立良好的幼儿教育观念（一）、树立正确儿童观儿童和成人一样，是享有独立人格的个体，他们的需求应受到尊重并得到满足。因此教师与幼儿交往时的态度、方式都应让幼儿感到安全、没有压力、受重视，让孩子感受到教师的爱和尊重。
、（二）、树立科学的幼儿教育观当我们把幼儿看做是主动的学习者，我们要清醒地认识到：教师教了，不等与幼儿学了，教师教完了，不等与幼儿学会了。老师准确地把握把“教”，什么时候“教”， “教”什么。
在幼儿园中重教育过程，轻教育结果。教育内容是全面地、启蒙性的，是以游戏为基本活动形式，以培养兴趣为前提教育活动。
（三）、良好的教师观新的教师观念认为：教师工作不仅仅在付出，在同时也在发展着自己，完善自己，是教育过程的研究者，是一个不断充实、完善的自我发展者等教育观。所以，我们幼儿教师应该成为一个终身的学习者，不断学习，不断自我成长， 才能促孩子发展，才能为孩子一生发展奠定基础。
二、幼儿教师的基本素质《幼儿园工作规程》颁布以前，不少人误将教师画、跳、唱、弹等技能视为教师的教育素质，但实践表明，这种想法是片面的。这种个人专业技能方面再好，也不一定是合格的幼儿教师。
通过多年的实践探索和理论研究觉得，幼儿教师的素质关键是教师对幼儿实施素质教育的观念和能力。那么幼儿教师要具备那些素质和能力：（一）要具有高度的责任感和事业心（二）要有渊博的科学文化知识和必备的专业技能记得有一位园长说过这样一句话：当一个好的幼儿园教师的难度，不比当一个好教授的难度小。
（三）教师要有组织能力、表达能力和施教能力一是生活化，选择幼儿生活中常见的事物为教育内容，利用身边现有的材料和场所，二是兴趣性和生成性教育内容应该是幼儿感兴趣的，不是感兴趣的也要通过一定方式让孩子感兴趣。这就要求教师要了解每个孩子的情况。
因为都学过教法这点就不多讲了。利用我们所学的游戏的方法，用幼儿能接受的教学语言，面向全体幼儿，全面施教。
幼儿园教师要做全才。幼儿园教学是不分科的，各领域相互渗透的。
（四）、要有较强的观察力（扑捉信息的能力）和探究能力对孩子的观察、对其他事物自然想象的观察等。比如：落在地上的雪，同样都是阴面，是土地上的先化，还是落在石头（铁盖）上的先化？为什么？这就需要做教师的去观察、主动去探究。
再如：世界上最小的鸟是什么鸟？（蜂鸟）最大的鸟是？（鸵鸟）大家都知道，小动物是孩子最感兴趣的，他可能会问老师鸟都吃虫子吗？有吃虫的、也还有吃米粒的（还有吃草叶等植物的鸟），鸟都怎么吃虫子？（有的鸟很聪明借助于小棍捉虫吃，是人与自然节目播的）。（五）、要有使用媒体教具和自制玩教具的能力主要是自制玩教具，因为我们周围生活中的自然资源很丰富，我们要动脑、动手去制作符合教育需求的玩教具。
丰富幼儿的生活，美化环境。另外，实际生活中使用多媒体是必不可少的，如：正确使用实物投影仪、会用电脑查找资料，制作课件等等。
（六）、要有合作和沟通的能力要学会与孩子交流方式方法；要学会与同事合作艺术；还要学会与家长沟通技巧。教育幼儿不单是幼儿园教师的事，家长有义务配合幼儿园工作。
与家长沟通不等于告状，要在沟通中使家长知道幼小的心灵需要我们共同呵护。因此在形式上，对采用一对一的形式，显示出对孩子的尊重。
有的可以一对多，就是采用召开家长会的形式；还可以采用书面形式。内容上，可以介绍孩子在园一天参与活动的表现如何，情绪怎样，习惯养成等现象；也可以是发现的个别现象（比如：孩子老咬指甲，都出血了，就是不听话。
与家长一起找原因）不管怎样，教师与家长讲话要讲究策略，不能信口开河，语气要婉转，表达要清楚。不要以为与家长熟了，就把孩子的毛病直接讲给他听，如：你们孩子老咬指甲，都出血了，就是不听话。
孩子听见了心理紧张，家长听了这小毛病你都不改，打！家长也可能采取管不了就不管的消极态度。那么就没有达到沟通的目的。
应和家长一起分析孩子咬指甲的原因？？孩子咬指甲或咬其他物品是内在精神压力的一种表现方式。例如：孩子不愿上幼儿园、幼儿是父母或教师管教得严厉等。
在强烈的心理压力或高度焦虑的情况下，开始咬指甲或其他物品，一旦形成习惯，即使不紧张，也会经常发生这种现象。告状会加重孩子的心理负担更咬，只有从消除孩子精神压力入手，要和家长共同商讨孩子咬指甲的原因，共同商量解决办法，（多肯定孩子的长处，多鼓励，转移孩子的注意力，让孩子心情愉快等）一般说，劝戒和责罚不能取得好效果。
尤其是有矛盾的时候，应更要注意。（七）、幼儿教师要有健康身体和心理教师要有好。
7.幼儿艺术教育毕业论文一篇
激发幼儿学习兴趣 促进幼儿全面发展
【摘要】 新《纲要》中较多的使用了“体验”“感受”“喜欢”“乐意”等词语，这既突出了对幼儿情感、态度、兴趣等方面发展 的重视，也体现了发挥幼儿主体作用的理念。“兴趣是最好的老师。”培养孩子的兴趣，首先是老师教育孩子的第一课。有了兴趣孩子才会积极关注，主动思考，并自觉采取行动。因此对于老师来说，在日常生活和学习中，想方设法培养孩子学习的兴趣，培养向上的积极性，是一项重要的工作。《纲要》第五部分“评价”中又指出：“应尊重儿童，站在儿童的立场上理解儿童内在感受和表现，以发展的眼光看待儿童，即要了解儿童的现有发展水平，更应注重儿童的发展潜能，注重儿童的主动性、积极性、创造性的发挥。”
【关键词】 兴趣鼓励引导尊重
1鼓励孩子多动手
1.1在我们周围的生活中，经常会看到有些孩子喜欢拆这拆那，碰到这种情况，老师首先不应立即加以制止，这是一种积极的探索愿望，老师要加以引导，要向孩子说明哪些东西可以拆，哪些东西不能拆；同时要给孩子提供一些可拆装的东西，孩子在动手的过程中，引导他思考为什么，进一步激发他的学习兴趣。除了让孩子拆装一些东西外，还可以让孩子动手进行一些小制作，如运用橡皮泥制作面条等、纸张制作一些飞机等，这些活动对培养孩子的学习兴趣是大有收益的。
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1.2在孩子玩的过程中，老师可以有意识的给孩子更多的环境刺激，让孩子在游戏中借助玩具表现活动内容，反映孩子的情感和意愿。如：一根小棍子，可以启发孩子想出多种多样的玩法，如当金箍棒、当钓鱼竿、船桨等等。这样一物多用，既激发了孩子玩的兴趣，也开阔了孩子的思路，发展了创造性思维。另外，老师还可以用废旧材料和孩子一起自制玩具。如：用废布料做的小娃娃，用各种纸盒做的汽车、家用电器等等。孩子通过制作的整个过程发展了注意力、动手能力和克服困难的能力，同时获得了成功的喜悦和美的感受。
1.3兴趣是学习知识的最大动力，一个孩子如果对一种活动感兴趣，毫无疑问，他一定会学的主动、学得轻松、学得愉快。如果像是一个孩子对某一门课程产生兴趣，老师应充分调动孩子的求知欲望，使孩子从“要我学”的状态转变为“我要学”。很多时候，幼儿的探索欲望受到了我们的限制。幼儿时期，是一个好奇、好问的时期，他们会问一些探索性的问题。如：“太阳是从哪儿升起来的？”“为什么会有白天黑夜？”等等，因为他们对这些事物感兴趣，所以问的也多。面对孩子千奇百怪的问题，有的老师则会显得不耐烦。然而，这些问题恰恰是求知的萌芽。孩子爱提问是受好奇心的驱使，是兴趣爱好的标志，也是其智力活跃的行为特征。老师应以十分认真的态度关注孩子的提问，并耐心启发、解答、保护孩子的这种求知和探索精神，帮助他们解决“为什么”，认识“是什么”，并从孩子的发问中，仔细揣摩孩子的兴趣方向，发现孩子的爱好。
2扩展视野，激发孩子的学习兴趣
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8.关于幼儿方面的 诗画 论文怎么写
论文：在绘画活动中发展幼儿的创造力
在绘画活动中发展幼儿的创造力 创造想象是幼儿创造力的最主要的成分，幼儿创造想象的发展水平基本上反映了幼儿创造力的发展情况。幼儿由于年龄特点的限制，正是借助于创造想象在绘画、音乐、制作等艺术活动和游戏活动中表现出创造性来的。 绘画是一种表现创作活动，有着很多的想象创作空间。幼儿园的绘画作品虽然没有什么特殊的艺术价值，但绘画本身却对儿童的感知能力、记忆能力、想象能力的发展起着重要的促进作用。虽然绘画的工具只有纸、笔、色，操作过程简单，但有着很大的自由度，因此幼儿的创造性常常可以通过它表现出来。因此，幼儿绘画也由此成为衡量幼儿创造力水平的指标之一。所以，我们在评价幼儿作品时，不应该片面地看画得像不像，是否精美，还应该看起是否具有创造性想象力。 幼儿的创造力不仅通过绘画表现出来，而且在绘画中得到不断发展。许多家长和幼儿教师已经认识到，绘画是发展幼儿智力、特别是幼儿想象力和创造力的最理想的手段之一。各种类型的绘画对发展幼儿的想象力和创造力起着不同的作用。 1、主题画 主题画是在幼儿感知的基础上，围绕某一主题，通过回忆和经验加工而画成的。这中画有很的伸缩性，幼儿有充分的想象余地的表现自由。如在大班“春天”的主题画中，有的幼儿画了公园美丽的景色，有的幼儿画了清清小池塘里的小蝌蚪，有的幼儿画了在绿绿的草地上放风筝……这许多情节和画面，幼儿过去并未画过，但由于有自己的感知经验，所以主题激起了每个幼儿不同的遐想，帮助他们创造勾画自己心目中的春天形象。 2、故事画 故事画就是引导幼儿把听过的喜欢的故事构思画面，把其中的故事人物和情节画下来。故事中任务的鲜明形象、情节的有趣、内容的新颖，能激发幼儿的想象力，开拓他们的思路。如幼儿听完故事《小水桶》后，有的幼儿能抓住主要情节，用画简洁地表现出来；有的幼儿则着重表现人物的情绪，勤劳的人喜笑颜开，懒惰着愁眉苦脸；有的幼儿还把“井娘娘”这个神话人物画成了古代仕女模样。 3、诗画 幼儿园文学作品教学经常有一些优美的诗歌和古诗教学活动，诗画就是要求幼儿对诗的理解和领悟进行作画。由于儿童诗的意境常常是超现实的、夸张的、拟人化的，应而儿童拥有比成人更多的想象自由。诗画不仅能培养幼儿分析和解决问题的能力，同时也为幼儿创造性的表现和构思画面创造了条件。比如让幼儿根据诗歌《家》画一幅画，幼儿根据自己的理解和已有的经验，画出了“蓝色的大海是鱼儿的家、密密的树林是小鸟的家、绿绿的草地是蘑菇的家……”幼儿的想象创造力得到了很好的发展。 4、装饰画 幼儿美术活动中，经常有一些在纸张或器皿上运用所提供的花纹、图片进行装饰。如线描装饰画《花蝴蝶》，幼儿根据对称、均衡、协调美的规律，运用各种色彩和线条，构成千百万化的蝴蝶图案。这些既培养了幼儿的审美感和欣赏力，又有助于发挥幼儿的观察力、创造力和表现力。 5、自由画 自由画最能培养幼儿创造力的训练方法，它对各年龄阶段的幼儿都很重要。一方面它能满足幼儿想象的欲望，另一方面可以激发他们画自己想象出来或自己喜欢的事物，因此，幼儿的想象力在画自由画的过程中得到充分的发挥。在自由画中，既可以是无中生有、现实
多媒材绘画毕业论文(求一篇关于夏尔丹绘画中的情感因素的毕业论文)
1.求一篇关于“夏尔丹绘画中的情感因素”的毕业论文
用来参考吧 夏尔丹的艺术一生是先以静物画登上画坛，获得了美术院士荣誉，后又转为风俗画，又一次饮誉巴黎画界，40岁以后 又回到静物画创作，成为后半生主要题材。
夏尔丹的生活不幸与幸运共存，他的前妻和女儿同日去世，继妻的孩子又夭折，这种打击是常人难以忍受的，幸而继 妻待他十分温厚，他在画坛受人尊敬，被法兰西艺术院任命为司库和沙龙负责人，但画家将悲喜皆深埋于心底，把情感投入 到静物创作中去，与各种物品亲近交流，为它们传神写照。 夏尔丹为人谦逊、待人宽厚，他的一生几乎都是在巴黎的塞纳大街等几个街区度过的，难得去过一次卢浮宫。
对于官 方授予他的勋章和优厚待遇，他都无动于衷，即使在美术院任司库和主持沙龙，他从不迎合上流贵族，别人对他褒贬，他都 置之度外，身为名家从不炫耀和借此抬高画价，只是执着地走自己的艺术道路。 这幅自画像作于76岁，他对自己既不美化也不丑化，只描绘了真实的自己，我们从他那包裹得严紧的头部中看到的是 一双炯炯有神的眼睛，充满自尊与自信，我们看到这位画家的平凡外貌下藏着一颗从不为世事成败所动的心。
他平静地对待 一切，直到临终前，叫人为他刮干净胡子，敬候上帝的召唤，他于1779年 12月6日，度过了整整80个春秋，永远离开了人世。
2.求两篇绘画艺术欣赏论文,每篇字数800字左右
中国画中的宝藏 ——记五代顾闳中《韩熙载夜宴图》五代十国，一个动荡、分裂的年代，一个多少人流离失所，彷徨失措的年代。
正因为如此的纷争，让众多的百姓困苦不堪，也让一心为国的政客逐步的消沉。这个时代的绘画，对意境的追求和对情趣的探索，使山水画与花鸟画得到新的发展，预示着绘画将由叙事状物转向抒情达意的更高层面。
五代人物画也更为精进，融汇了秦汉的纯朴豪放，魏晋的隽永含蓄，逐渐将大唐的恢宏绚丽淡化疏朗简雅的风尚。人物画要求生动地再现现实的事件和人物，在客观上直接促进了写实技巧的发展。
《韩熙载夜宴图》中的主人翁韩熙载是一位很有才华的官员，出身北方望族，唐朝末年登进士第，懂音乐，擅长诗文书画。工书善画，而且富有政治才能，但是，此人蓄养歌伎，纵情声色，家里常常云集宾客，时时饮宴，常常酣歌达旦。
把一腔苦衷寄托在歌舞夜宴之中。权弱的后主李煜倚重韩熙载，想用他为相，又不放心。
原来，当时国家分裂，南北分治，南唐国势衰弱，北方强大的后周对南唐构成了严重的威胁。后主李煜对那些在南唐做官的北方人心有猜忌，生怕他们存有二心。
近日，有人向后主李煜报告，今晚又有一些朝中官员要去北方籍大臣韩熙载家聚会。后主李煜心存疑惑，为了了解真实情况，于是派顾闳中深夜潜入韩宅，了解一下他的背后活动情况。
《夜宴图》纵28.7厘米， 横335.5厘米。绢本设色。
以韩熙载为中心，全图分"听乐"、"观舞"、"休息"、"清吹"及"宴散"五段。各段独立成章，又能连成整体。
第一段写韩熙载和宾客们宴饮，听教坊副使李家明的妹妹弹琵琶。第二段写王屋山舞“六么”，熙载亲自击鼓。
第三段写客人散后，主人和诸女伎体息盥洗。第四段写熙载更便衣乘凉，听诸女伎奏管乐。
第五段写一部分亲近客人和诸女伎调笑。头两段最传神，主宾或静听、或默视，集中注意于弹琴者的手上和歌舞者的身上。
击鼓打板的都按节拍演奏，似乎还有声韵传出画外。由于顾闳中观察细微，把韩熙载夜宴达旦的情景描绘得淋漓尽致，五个场景，四十多个人物音容笑貌无一不活脱绢上。
画面中乐曲悠扬，舞姿曼妙，觥筹交错，笑语喧哗，更突出了韩熙载心事重重，悒郁无聊的精神状态， 每段中出现的韩熙载，面部角度、服饰、动作表情各有不同，但有一点相同，脸上没有笑意，总是深沉、忧郁的。把一个才气高逸，但神态抑郁，既置身于声色之中，又韬光养晦，矛盾复杂的内心世界刻划得入木三分。
与一般宴乐图比较，具有一定的思想深度。 实际上，它不仅仅是一张描写韩熙载私生活的图画，更重要的是它反映了那个特定的时代风貌，揭示统治阶级内部矛盾。
也从一个侧面，十分生动地反映了当时统治阶级的骄奢淫逸。 这幅画采用了我国传统表现连续故事的手法，随着情节的进展而分段，以屏风为间隔，主要人物韩熙载在每段中出现。
通过听乐、观舞、歇息、清吹、散宴等情节，叙事诗般描述了夜宴的全部情景。画家在构图上作了精心安排，每段一个情节、一个地点、一个人物组合，每段相对独立，而又统一在一个严密的整体布局当中，繁简相约，虚实相生，富有节奏感，图中三个屏风绝不雷同的处理方法体现了画家巧妙的构思。
人物的趋向动势变化丰富，疏密向背有致，神态动静相宜，全图之势蓄于画卷之内，紧密而富有张力。第三段景物中安置了一枝烛台，红烛高照，点明了《夜宴图》特定的时间，而并不精心描绘夜色，这种中国传统式的意象表现手法与方式共同构成了一种“有意味的形式”。
画家对人物的刻画尤为深入，以形写神，显示出高超的艺术水平。五代人物画中肖像画的技巧前所未有地发展，顾闳中就是一位著名的肖像画家。
古代称肖像画为“写真”，“真”就是指对象内在的精神本质，即“神”，具备了高超的写真技巧，对创作人物画来说自然是得心应手。通过对不同对象的形体姿态、目光手势的相应描绘，画中人物有的弹奏舞蹈，有的按拍欣赏，情态生动。
而对主人公刻意描绘，曲尽神形。韩熙载形体高大轩昂，长髯，戴高巾，从倚栏倾听，到挥锤击鼓，直到曲终人散，各个不同的场合始终眉峰双锁，若有所思，沉郁寡欢，与夜宴歌舞戏乐的场面形成鲜明对比，表现了韩熙载复杂的内心世界，刻画了人物特殊的个性，十分传神，由此深化了《夜宴图》的内涵。
无论是设色还是用笔，《夜宴图》的表现技法堪称精湛娴熟。古人善用矿物质颜料作画，历经岁月的磨砺依然璀璨夺目。
《夜宴图》多处采用了绯红、朱砂、石青、石绿等色，对比强烈，而整个画卷统一在墨色丰富的层次变化中，色墨相映，神采动人。作者在用笔着色等方面达到了很高水平。
全画工整精细，线条细润而圆劲，人物衣服纹饰的刻画严整又简练，对器物的描写真实感强。设色既浓丽又稳重.比例透视有法度可寻， 是一幅有重要历史文物价值和杰出艺术成就的古代人物画精品。
就这样顾闳中利用皇上的猜疑和韩熙载的无奈完成了一副旷世奇作。没有过多的修饰，却用极其热闹的场景和层次渲染了一副静中沉闷又各怀想法的奇妙作品，在经历如此多的朝代后，《韩熙载夜宴图》也必将承担着国画重任，让中国。
3.给篇随便一副有关外国绘画作品的论文,1500字以上
依萨克.依里奇.列维坦（1861——1900），杰出的俄罗斯
风景画家，曾经在莫斯科绘画雕塑建筑学校求学。从1884年
起，在巡回展览会上展出他的作品。1891年成为该会会员，
1898年起他是风景画研究员。列维坦塑造了俄罗斯大自然无
与伦比的、情感洋溢的形象，在大自然最为平凡的题材和场
景中刻划和显示了无与伦比的美和表现力。列维坦的创作是
在前期的巡回展览画家现实主义艺术传统的基础上成长起来
的。
列维坦的作品非常注意细节的表现，在风景中加入了风
俗画的因素。他很早就给自己规定了首先要揭示出大自然的
气氛的任务，力图在大自然的形象上表达出人类的情绪与感
觉，揭示大自然具有生命的深刻意义。画家深入细致地研究
了大自然，全神贯注地观察了大自然，力图把光线和大气作
真实的表达。
列维坦的的艺术，是非常现实主义的、客观的。他的刻划入微的抒情，真实的反映了大自然的风貌，表达了为每个人所惯有的、易于理解的感受。列维坦的创作，为概括的再现大自然的风景画树立了典范。
列维坦的《金色的秋天》我临摹不止一次了。该画描绘了俄罗斯无比美丽的秋天景色，他的这幅油画的构图被认为是风景画中的“典型构图”，引发了多少后人的临摹学习。我可以自豪的说，我所向往的、所临摹的第一幅油画风景，就是《金色的秋天》！这都是二十多岁时的事情了。
列维坦的作品与希什金的作品有着不同的特点，我觉得，列维坦的作品更据有社会性，并不局限于“展示祖国地方的丰饶的庄严风景”。他的现实主义的、民族的艺术，在世界的风景画史中据有崇高的地位。
4.美术和当代生活的论文
古典文学常见论文一词，谓交谈辞章或交流思想。当代，论文常用来指进行科学研究和描述科研成果的文章，简称之为论文。它既是探讨问题进行科学研究的一种手段，又是描述科研成果进行学术交流的一种工具。它包括学年论文、毕业论文、学位论文、科技论文、成果论文等，总称为论文。
论文一般由 题名、作者、摘要、关键词、正文、参考文献和附录等部分组成，其中部分组成（例如 附录）可有可无。
论文题目
要求准确、简练、醒目、新颖。
目录
目录是论文中主要段落的简表。（短篇论文不必列目录）
内容提要
是 文章主要内容的摘录，要求短、精、完整。
1、先确立一个论点。全文围绕这一论点展开论证。对“开卷有益”这种说法，既不能全盘否定，写驳论文；也不宜全盘肯定，写成立论文。因为这种说法既有它正确的一面。又有它不够全面的地方，所以对这个看法要采取“一分为二”的方法进行分析，肯定其有益的一面，否定其有害的一面，从中总结出正确的论点来。只有这样才能对这一说法作出合乎事实的评价，最终达到以理服人的目的。
2、运用“一分为二”的方法进行分析，要防止出这样一个毛病：自相矛盾。一会儿说开卷有益，一会儿说开卷有害，令人不知所云。为了避免这种现象，文章中还要将二者的联系点明，才算把道理真正说透。
3、从论证方法看，如果所读的书是坏书，则开卷未必有益，这里可以采取例证法，并辅之以引证法和喻证法，用前几年社会上黄书泛滥成灾毒害青少年作为事实论据，用名人名言作为理论论据，充分论证黄书的害处和读好书的益处。在此基础上，再把这两者辩正地统一起来。说明我们中学生既要多读书，又要慎重地加以选择、读好书。这样从正反两方面进行论证，就将问题说得比较全面而深刻，文章也就具有了不可辩驳的逻辑力量。
5.求一篇关于美术作品赏析的论文,3000字左右
《撑阳伞的女人》Femme a l'ombrelle 作者： 克劳德 莫奈 Claude Monet 印象派是19世纪中叶欧洲艺术从现实主义向现代主义过渡的重要阶段，印象派画家以创新的姿态登上法国画坛，其锋芒针对陈陈相因的古典画派和矫揉造作的浪漫主义。
以"光为画面主角"的印象派最伟大的大师莫奈曾经画过二幅《撑阳伞的女人》，一幅作于1875年，一幅画于1886年。 首幅画里的采用仰视的角度来表现画面的人物，女人半侧着身子，衣褶因为她的转动也在旋转，动态的呈现着这一微妙的动作，而平衡女子动作的是她手持的阳伞。
阳伞的灰绿色调与天空融合在一起把人物既与画面结合又使人物跳出背静那澄明的天空动感在人们眼前。画面中的远处的小男孩儿又拉深了画面的层次感，不仅突出了撑阳伞的女人也把远处的天空显得更加高远。
但，在印象派中"光才是画面真正的主角"。在这幅画中，采用原色并列、重叠和补色手法，形成新的绘画语言。
为了表现物体的动态变化和光色的斑斓绚丽、光怪陆离，画家采用小笔触和色调并列方法，有些颜色不再在调色板上调配，而是黄、蓝并列，时而重叠，并把黄和绿、蓝和橙色补互对比，使色彩在强烈视觉冲击中产生新的和谐。 光与影正是依托于这两个人物跳跃穿梭在人们眼帘中的。
女人身后的天空如同水一般透明多变，仿佛一指就可以戳破。 阳光透过湛蓝的天空洒到女人的衣裙上，正因为光影的作用，女人的上半身色调昏暗表明她处于伞的阴影之下。
微风扬起的裙袂上有莫奈最擅长捕捉的光与影——蓝天的光彩、女子脚边墨绿的草与淡黄的花朵的颜色。它们反衬在女子的裙子上，袖肘上。
女子脚下顺着微风倾斜的花草，仿佛可以闻到泥土与花草混合的清新气味。 用模糊大块的笔触来描绘，是莫奈在绘画技法上的一大特点。
这也是印象派不注重所描绘的主题本身而注意光影的需要所产生的必然结果。在这幅画中，我们尚且可以看出撑伞女人的外貌，但是她和她构成三角型起稳定画面作用的儿子的面貌却被简化成了仅有两个黑洞洞眼睛长相的人。
可是，也正因为这样，我们不必纠缠在画面的技法上而能把更多的心思花在画面所传递的，清晨，母亲和孩子散步的惬意及其中的微风，蓝天那种恬静美好当中。 所以印象派的胜利在于它不仅仅是开拓了一条奇路使人们耳目一新更在于它可以把画家自身的感受记录下来传递给他人。
这种心灵上的震撼是其他流派所无法比拟的。 从中也可看出当时莫奈初期作品风格强调瞬间的感官色彩来搭建一座用色彩构成的绚丽的世界。
突破当时束缚绘画的古典主义，把绘画从单纯的照物写实中解放出来，开拓了一条用眼睛捕捉"瞬间美好"的新的绘画流派。 作于1886年的《撑阳伞的女人》和第一幅画在构图上相差不远，人物在衣着上更是如出一辙。
但，比起第一幅，人物处于更次要的位置，印象派很少画人物，风景中的色彩变化才是莫奈的永恒主题。所以第二幅《撑阳伞的女人》足以看出莫奈及整个印象派的走向。
画中大块的墨绿和棕红的，凝重的颜色。不再看见早期注意天空光影的纠缠和光影对人物的影响，换而之是大块更大块的颜色铺成一幅画甚至连人物本身都只是画中颜色的一部分（上一幅中女人的尚可辨认的面目在这里彻底被简略掉）。
或者说我们可以感受到画面里的风不再是清晨的微风而是夕阳落下的晚风，吹的人物身后的云彩在大块急速的运动，炽热的阳光照在草上淹没了女人的脚，女人上半身因为撑阳伞形成的阴影和下半身被阳光照耀仿佛要燃烧的裙子形成强烈的对比，加上飘扬的纱巾给人以视觉冲击。 两副几乎同样的以撑阳伞的女人为主题的作品，但是意境却相差万里。
这就是印象派的核心所在——此时此刻的光和影。而光与影永远在变，水中的浮光掠影，空中的色彩万千，地上的花朵妖娆。
不变的是对影的捕捉对光的追随。 这件作品是莫内早期的印象技法画作。
画面正中偏右站着一位撑阳伞的女仕，而画面偏左较远处的就是她的儿子。这是一个晴天的早上，两母子在草地上漫步。
整幅画只用了简单的蓝、绿、棕等自然的色彩，给人一种宁静舒适的感觉。画中的女仕占了画面大部份的空间，成为画的趣味中心。
但左侧的小儿子与阳伞和女仕也构成一个三角形，得到一个平衡的作用。 虽然此画是莫内早期的作品，但也可见他已很好地捕捉光影和画中的瞬间印象感觉。
画中女仕面部和上半身都用上较暗的色彩，表明是处于阳伞的阴影之下。而整个阳伞、面部、衣裙和草地上的阴影区，与女仕衣裙上向光一面的光影形成对比（小儿子方面也一样），就如现实中看到的一样。
另外，女仕摆动的头巾和长裙上的绉褶也加强了画面的动感。
6.求一篇装饰画毕业论文 要求写 形式 概念 创造理念 体会 认识 3000字
一、装饰画的内涵定位
要学习装饰画必须了解装饰的含义。“装饰”一词包含多方面的范畴，装饰和装饰美是人类为自己创造的特有的审美文化，装饰出自人类爱美的欲望。装饰的本质就是“美化”，但从本质到现象还需要若干“中介”加以限定。一切艺术皆源自装饰，装饰与艺术是不可分割的。艺术家本身也是手工艺人，这种状况从旧石器时代一直持续到欧洲文艺复兴，而后来美术家与工匠的分离是随着社会生产力的解放、社会观念的发展日益变为现实。装饰作为一门独立的艺术形式，开始被人们所承认。法国装饰派艺术同德国包豪斯倡导的新功能主义，恰恰说明了工业也是工艺。现代主义设计不能否定装饰，如同它注重几何形态而排斥了具有生命的有机形态，就使得其设计失去了表现人类情感和生命力的一个重要方面，也失去了本可以给几何形注入情感的一种方式。从包豪斯学院首任院长瓦尔特·格罗皮乌斯的宣言中，我们可以得到证明：包豪斯的早期比后期更注重手工艺。艺术家和手工艺人之间没有本质区别。但是，手艺娴熟对于每一个艺术家来说都是必不可少的。这正是富有创造力的想象源泉之所在。我们今日的设计应重新看待装饰。在中国传统文化中，新石器时代的彩陶文化、战国的青铜器、汉代的漆画装饰、秦汉画像砖、唐代的唐三彩……可以毫不夸张地说，中国美术的发展史就是一部包含着无数艺人工艺装饰创作活动的盛衰史。所以，从根本上说，现代装饰艺术是诞生于我国的工艺美术创作中，是美术不可分割的部分。所以，装饰画也就是对一切具有装饰性的绘画而言，因此，不论是国画、油画、水粉画、版画、漆画、镶嵌画等，甚至是单色的线条和块面，只要按照形式规律而不单是按自然规律作画，并具有一定装饰效果，都可被看作装饰画。
二、装饰画的形式和内容
在介绍装饰画概念时，我们强调的是按照形式规律而非自然规律，若单纯从装饰艺术的功用来讲，只要满足了装饰功用，形式上达到审美需求就可以了。然而单纯从形式上只能有构造的差异，该如何界定美与丑呢？这就牵涉到审美习惯上去了。然而审美习惯却是因人而异并受教育、文化习惯、社会心理等诸多因素的影响，归根结底就是涉及内容。有人提出，装饰艺术创作是艺术家思维活动与体力劳动的结果，怎么会缺乏内容呢？必须澄清一点，从广义上说，人的一切活动皆反映其思想，是有“内容”的，所以一切艺术作品无论抽象具象皆是有容之物。笔者所指的“内容”是相对于“形式”而言。所谓“形式至上”，是指艺术作品形式与内容之间严重脱节，把两者割裂开来，给人的印象只有抽象的形式，而内容则毫无头绪。不少抽象作品是属于这种类型的，观众很难从作品中看到作者的思想和创作意图。目前，在装饰艺术领域，对于装饰艺术的表现手法及艺术的表现形式与内容的关系上，存在着几种相当普遍的片面认识。一是把艺术创作中采用的民间表现手法看作为界定作品具有传统性的标准；二是认为现代装饰艺术作为一种“纯形式”的艺术，其任务即创造前所未有的“新鲜”形式感，至于内容则位居其次或可有可无。对这两个问题如果不能很好地理解清楚，则对我们认识和理解现代装饰艺术是一种阻碍。笔者提倡现代装饰艺术中把形式与内容统一起来，反映美感的同时引发观众的联想和思考，“让作品去说明问题”应该成为艺术家创作的座右铭。所以装饰画既是审美文化的形象表现，又受到装饰对象、环境、功能、材料适应性与内蕴性的影响，结果就是其形式表现为审美创造的极大自由和多姿多彩的艺术风貌。如今，国画家吸收了西画法的养料，西画家借鉴了国画法的手段。宣纸上可以绘出油画的色彩、厚度、调子，画布上出现了线条、墨色、韵律，五花八门又兼容并蓄。装饰画在技法、内容、形式上具有较大的包容性和宽泛性。
三、装饰画的构图
装饰画常用“饱满型构图”。饱满，顾名思义，即丰满、丰富、充实。饱满型构图基本上是沿袭传统的方法，其画面的构成其实是在传统绘画的基础上作密集、丰满的处理，即描绘的画面物象丰满而充实。饱满型绘画是当下众多中国画家为区别于传统中国画构图所采用的一种通用绘画构图形式，其画面丰满、丰富、充实，也符合现代人的审美习惯和标准。当这种饱满式的构图一出现，即引起了画家们的广泛关注，从而争相尝试。所以这种“饱满式”的绘画构图形式，一直成为当今中国绘画的新传统，这种形式还会是以后相当长一段时间内中国画家所采用的一种绘画形式。
7.中西方绘画艺术差异（论文）
中国的画是写意！她是在写实的基础上 而外国的画是写实 他没有达到中国画的境界 中国画的境界更高一些 中国画是在似与不似之间的 太似那就太俗 不似那就不是画 中国画突出一个意境她是一种更高的表现手法 解说词：西方绘画艺术概括地讲有两大派，一是写实派或称具象派，认识和把握自然的方式是纯客观的，始终贯穿着以科学精神为基础，画家观察研究自然的方法主要是对景写生。
要求对象、光源、环境、视点四固定，即创作时对客观景物的位置、视点只能选择，而绝不能在画面上随便移动，以求严格按照物理、光学原理，科学准确地再现三维空间的客观世界，并把运用和体现透视、解剖、光彩原理的准确程度当作衡量艺术质量的重要尺度。所以，画家的功夫都用在眼睛所能看到的物体和光影上，不允许增加任何个人的意念和想象。
随着科学技术的发展，又出现了表现X光、红外光谱、光速、激光照明效果等，用肉眼看不到的内容和画派，意在进一步从画面上体现科学技术的最新成果。二是抽象派。
西方艺术贯走极端，艺术家们在对具象写实感到厌倦以后，从印象派开始，仅在数十年内，有些人就从具象这个极端急剧转到抽象——另一个极端。 抽象派与严格地再现客观物象的写实派正好相反，创作方法是使自然物象变形，追求抽象的装饰性和视觉效果，或用光色和几何形态的抽象组合形式表现个人主观的思想体验，甚至是潜意识、下意识，以及种种隐秘的心理。
随着夸张变形的创作方法越来越走向极端，有些人甚至干脆丢掉画笔搞起了装置艺术、行为艺术。 某些西方现代主义、后现代主义所标榜的前卫，实际是远离现实，逆反一切传统文化、道德观念，越来越趋向病态的自我表现，给正常的艺术发展造成重大干扰和破坏，也必然难以引起观者的共鸣，无法为广大人民群众所接受。
经过一段时间的艺术欣赏的课上学习和老师的精心讲解，我对中西方绘画有了初步的。 了解。
关于中西绘画给我印象最深的是中西方绘画的差异 我们先说说中国绘画。中国画给人最深的印象就是她（我以不能用它来形容中国画了）得意境美。
她从不把真实地表现自然作为自己的目的。她所表现的始终是一种源于现实又包孕着画家的主观思想的人格化自然。
而西方绘画是自然的真实再现和模拟。西方绘画讲究的是对自然的真实表现。
我不敢说那一种好或则坏。中国画描绘的是心灵的故乡，而西方绘画描绘的是生命的家园。
中西方绘画的差异又取决与中西方人思维方式的差异。中国人的感性主义传统和一元论中西方绘画的差异又取决与中西方人思维方式的差异。
中国人的感性主义传统和一元论的世界观与西方人的理性主义传统和二元论的世界观是相对立的。中国人的一元论世界观认为人与自然是统一的，人是自然的一部分。
中国人讲究天人合一，道家的天不变，道亦不变就是这种思想的真实体现。中国人的天人合一的观念萌芽于原始社会新石器时代，成熟与封建社会先秦时期。
庄子曾说天地与我并存，万物与我为一，以天为本，将人看作整个自然的一部分铸就了中国人的一元论世界观。与此相关，它找就了中国人的独特的感性思维方式，对自然的眷恋使中国人将山川是作民族的母亲。
天人合一的思想可以说是中华民族文化精神的本质精髓。 西方的理性主义和二元论世界观起源与古希腊。
理性主义和人本主义是古希腊艺术的灵感源泉。而在理性主义和人本主义的背后则是天人两分的二元论宇宙观。
中西方不同的思维方式决定了中西艺术内在本质的差异。也许正是中西方对待自然态度的不同使中西绘画放生了如此大的差异。
中国画以表达山水为主题，中是能让人融入自然中给人以心灵的愉悦感。 而我们从西方风景画中很少能看到人的存在，他们要表达的是一种独立的自然。
8.关于速写和素描的论文
去百度文库，查看完整内容> 内容来自用户：176751761 素描绘画语言浅议———两家一中韩瑞峰（摘要）感染力并不排斥精细。
整幅画既包括严实的素描结构，同时也还有细腻的素描表现力。不管怎么说，绘画只不过是由坚实而自负的、并具有个人特色的素描所构成的，即是指一般的图画，也得靠其本身的优美感人来激惹观众。
但单凭优美还不够，正如仅仅靠素描的工夫还不够一样，还应要求更多一些：即是说，要让素描的范围靠大到足以囊括一切。（abstract） the power does not repel fine. The view picture picture already includes the solid sketch structure, simultaneously also has the exquisite sketch expressive force. How no matter saying that the drawing just is by, and has, refers to the common drawing which individual characteristic's sketch which solid is proud constitutes, also depending on its exquisite touching annoys the audience violently. But only exquisite also insufficient, just like depends on the sketch the free time not to be very also same merely, but should also request more somewhat: Even if must let the sketch the scope depending on big to include all sufficiently.（关键词）物象形体表现力结构存在运用审美意义（key word） physical image physique expressive force structure existence utilization esthetic significance素描作为绘画体裁之一种，有。
9.求一篇美术鉴赏论文2500到3000字
工写妙合画心境，融会贯通求变革 -----著名花鸟画家赵清国的作品赏析 夫从艺者，托其根于心智也，发其花、笔端墨彩于萱桑也。
人之神不能无为，思虑易迁，哀乐相变，感生于志，赋形凝萃于画间。 庚寅（2010）年春（5月15日），在首都的一场拍卖会中，著名花鸟画家赵清国先生的多幅花鸟和国画人物作品赢得来自全国各地和场外的网络参拍者竞相投购，其中一幅斗方葡萄创下25万元的拍卖纪录。
五月的北京春寒料峭，不畏风寒的人们带着极大的热情前来参观竞拍。展厅四壁挂满了国内外中国画大师们的作品，清国先生参拍十幅中国画作。
这幅以葡萄为主题的《春华秋实》展拍，气势恢弘、枝藤遒劲而又笔墨浓重！ 赵清国，河南郑州须水镇人，1954年生于普通农民家庭。兄妹五人排行老末，儿时受大哥和父辈的蒙学影响，喜欢读书、写字、画画。
他最大的理想将来当一名画家。 中学读书时，他的文化课和美术课成绩都非常优秀。
然而“文革”却断送了绘画的梦想。1970年，刚满十六岁的他不得不携笔从戎，来到中国人民解放军武汉军区工程兵某部。
白天在坑道里从事繁重的体力施工，晚上回兵营挑灯夜战，读书写字。艰苦的生活环境磨练了清国的意志，坚定了他学画、当画家的决心。
从那时起，他养成了画速写的习惯。他说，他至今不抽烟、不打牌，和年轻时画画的理想追求是有直接关系的。
庄子《外篇》曰：“夫残朴以为器，工匠之罪也。毁道德以为仁义，圣人之过也”。
青年时代的清国，奋发上进，施工工程，文化宣传，样样都抢在前头，干的出色。他说，人活着，不管做什么，都应该有种向上精神追求，越是环境艰苦，越要有独立的精神。
“天行健，君子以自强不息。”（《周易？上经》）他常以古人这句话作为自己的座右铭，从普通施工员，到书记员，再到司务长，是一步一个脚印走过来的。
清国在部队的时候喜欢读书，兴趣广泛，吹拉弹唱样样都行。但他最钟情的还是画画。
他不但喜欢画花鸟鱼虫工笔小品，更热心于描写全景式的大幅巨制。他有时也画油画、搞书法，涉猎极广，没有定式。
他最终走上绘画道路正轨，拜潘天寿的入室弟子，浙江美院（现中国美院）的朱颖人教授为师，却来自一次偶然的机会。70年代末，已转业到地方的物资系统清国，在洛阳接待了朱颖人、陈永康等先生一行的艺术家，并观看了他们合作的一幅丈二巨作《洛阳花似锦图》，那绚丽的墨彩、挺立的奇石，虬曲的松柏、华丽的牡丹、萱草以及气势逼人构图，让清国良久驻足，竟然看呆了，原来中国画还可以这样画。
他暗下决心，一定要拜朱教授为师，学画国画。说来也巧，刚好朱颖人先生与河南知名花鸟画家李自强先生熟捻。
他家中收藏有朱先生十数张从20世纪60年代延至新近的大幅花鸟画作品，清国如视珍宝，借来系统地仔细临摹。他深感自己原有的绘画功底不足，先后在天津大学进修MBA期间到天津美院和贾宝珉、姬俊尧、王之江、李学瑛等先生系统地学习传统绘画理论。
1992年4月，经李自强先生推荐，清国带上了数十幅作品驱车千里至杭州西子湖畔朱先生府上求教。朱先生在一一看过作品，夸清国画画有灵气，并在其作品上题字：“精神可嘉，当需努力”。
兴致之余，朱先生信手边画边讲，口传身授。那年，朱先生71岁，清国43岁，当为先生的晚年弟子之一。
“朱颖人先对生活和艺术的理解表现在他的三个基本观点之中，艺术风格要与个性相和谐、生活的感受是创作的源泉、中国画笔墨是能不断传承发展的艺术。他身上充分表现了一位当代中国画人精审敦厚、充满自信的品质。”
朱颖人先生的师承十分丰富，他既受过颜文梁、林风眠、孙文林、关良、倪贻德、黎冰鸿等人学院式的西洋画教育，也受过蔡卓群、吴茀之、潘天寿等人师徒式的训练，他善于吸收中、西绘画两方面的营养，把学院式的教学和传统师徒传承式的训练结合起来学习，并贯彻到他以门生代行老先生的教学中去。朱先生常说：“光学古人的笔墨是远远不够的，要做到师迹又师心，注意学习古人的意境和构思”。
朱先生重视课徒与古代名画临摹、写生、创作三个环节的关联互动，主张借“临摹与读画”以学古（即因），承“写生与创作”（即创）以开今。通过学古达于开今的目的。
写生是师古人师造化的实践，是通向创作的必由之路。创作是写生的提炼和升华，同时，又是师古人，师造化的试金石，通过实践寻找自身的缺陷和不足。
实际上在整个学画的过程中，临摹、写生、创作三者是循环往复不断交替进行的。在老师的引领和启发下，清国逐渐明白了这些道理，并且重新注意临摹、写生、创作三者的关系。
大体来说，清国的创作九十年代前以临摹为主，兼及写生创作；后期以写生、创作为主。纵观清国的绘画是临摹、写生和创作交叉进行的。
经过近三十年的不懈努力，清国逐渐走出一条自悟的学画之路。 清国追随朱颖人教授以及诸多先生学画，虔诚，有颗执著之心。
先生们亦都倾其所长，无论从题材画意，还是笔墨题款，都毫无保留的传授。清国学得刻苦，也学得灵活。
既从宏观着眼，注意把握大局。又从微观入手，一笔一画，精微描摹。
他学习有心，不但揣摩老师们的。
10.外国美术史的论文主题
概论---幻觉的发展和绘画的表现
在整个世界中，无论是雕刻、素描或油画的描述都是获得视觉艺术最基本的一种手段：即在大自然中眼睛所看到的由五彩缤纷的色块所组成的独立的物体。在法国和西班牙洞窟中我们获悉人类最早的绘画作品勾勒的动物线条与大地或天空都毫无关系，即与视觉的直观无关，而与某种精神世界相联系的。如后来出现的复合重叠动物群和再后来有明确形象的，并结合着结构图案创造的画面也是如此。甚至某些非常复杂精致的二度空间艺术形式中的形象都属于这范围，画面一般被具体化了，不再是含糊不清的背景了，但是在西方人观念中这并不是背景。在古埃及画面经常覆盖着象形文字，在中国是刻写铭文。加上色彩来点缀图象，勾勒线条和区分它们的各部分。
色彩被作为绘画的表现形式，而不用线条勾勒轮廓，在欧洲是16世纪才开始的。在西方，绘画技巧的采用是特殊的欧洲绘画观念的反应，正如它是现实或者遐想世界的一个窗口。它结合着透视的发展，从单一视点表现空间中的各个物体；或采用阴影的明暗技法来塑造形象的空间感，用微妙的色调层次表现距离和物体的固有色与物体上反光色之间的细微变化。尽管这些发现足以使画家"欺骗"观众的眼晴，但是幻觉手法并不是它自身追求的目的。不管怎样，它们导致独特的西方艺术形式的出现--架上绘画--画在画布上，并挂在墙上，欣赏其技巧，也就是被捕获和传达的视觉世界，还包括色彩的和谐和对比，笔触的柔美和雄壮，构图的单纯和复杂。这种绘画中的写实主义形式的发展成为16世纪到19世纪艺术史中的中心议题，它与文艺复兴崇拜的"美"是一致的，同时它们也控制着西方艺术的实践和原理。这就导致了一种逐渐获得成功的感觉的产生--画家朝着视觉真实感的目的靠近--只是到了19世纪才被艺术家们看作是严重的问题。同时，作为主要艺术形式的架上绘画在西方的出现，在艺术家、艺术作品和公众之间的关系上产生了明显的影响。原来架上绘画不是为放在一个特定场所而画的，而现在却成为室内陈设，或者艺术画廊中的展览品。毕加索说："画钩是绘画的祸根，"绘制一幅绘画作品，为的就是尽快被买来挂在墙上，它变成一种装饰形式。
艺术史的某些方面是可以与文学史相比拟的。两者都有延续性和变化，而发展却不同。在文学和艺术上不断出现杰作，这些杰作超越了各种限止，脱离了作者的创作意图，有时甚至与其目的是相矛盾的。不管怎样，艺术史完全依靠现存的物质对象，甚至依靠当代机械制作的作品。诚然，艺术史比文学史的时间长得多。很多年来，我们只有通过视觉艺术作品了解到人类的各种欲望和追求。
伟大的艺术品不仅仅是美学欣赏物，也是人类技艺和聪明才智的结晶：它们使我们增强对自己和其它事物的洞察力；它们促使我们从自己宗教和其它宗教信仰中觉醒过来，它们扩大了我们对可以选择的、经常是外国生活方式的理解，--简言之，它帮助我们开拓和理解我们人类自身的天性，艺术史是人类发展的最基本的一部分。
cg绘画技法毕业论文(求一篇关于美术作品赏析的论文,3000字左右)
1.求一篇关于美术作品赏析的论文,3000字左右
《撑阳伞的女人》Femme a l'ombrelle 作者： 克劳德 莫奈 Claude Monet 印象派是19世纪中叶欧洲艺术从现实主义向现代主义过渡的重要阶段，印象派画家以创新的姿态登上法国画坛，其锋芒针对陈陈相因的古典画派和矫揉造作的浪漫主义。
以"光为画面主角"的印象派最伟大的大师莫奈曾经画过二幅《撑阳伞的女人》，一幅作于1875年，一幅画于1886年。 首幅画里的采用仰视的角度来表现画面的人物，女人半侧着身子，衣褶因为她的转动也在旋转，动态的呈现着这一微妙的动作，而平衡女子动作的是她手持的阳伞。
阳伞的灰绿色调与天空融合在一起把人物既与画面结合又使人物跳出背静那澄明的天空动感在人们眼前。画面中的远处的小男孩儿又拉深了画面的层次感，不仅突出了撑阳伞的女人也把远处的天空显得更加高远。
但，在印象派中"光才是画面真正的主角"。在这幅画中，采用原色并列、重叠和补色手法，形成新的绘画语言。
为了表现物体的动态变化和光色的斑斓绚丽、光怪陆离，画家采用小笔触和色调并列方法，有些颜色不再在调色板上调配，而是黄、蓝并列，时而重叠，并把黄和绿、蓝和橙色补互对比，使色彩在强烈视觉冲击中产生新的和谐。 光与影正是依托于这两个人物跳跃穿梭在人们眼帘中的。
女人身后的天空如同水一般透明多变，仿佛一指就可以戳破。 阳光透过湛蓝的天空洒到女人的衣裙上，正因为光影的作用，女人的上半身色调昏暗表明她处于伞的阴影之下。
微风扬起的裙袂上有莫奈最擅长捕捉的光与影——蓝天的光彩、女子脚边墨绿的草与淡黄的花朵的颜色。它们反衬在女子的裙子上，袖肘上。
女子脚下顺着微风倾斜的花草，仿佛可以闻到泥土与花草混合的清新气味。 用模糊大块的笔触来描绘，是莫奈在绘画技法上的一大特点。
这也是印象派不注重所描绘的主题本身而注意光影的需要所产生的必然结果。在这幅画中，我们尚且可以看出撑伞女人的外貌，但是她和她构成三角型起稳定画面作用的儿子的面貌却被简化成了仅有两个黑洞洞眼睛长相的人。
可是，也正因为这样，我们不必纠缠在画面的技法上而能把更多的心思花在画面所传递的，清晨，母亲和孩子散步的惬意及其中的微风，蓝天那种恬静美好当中。 所以印象派的胜利在于它不仅仅是开拓了一条奇路使人们耳目一新更在于它可以把画家自身的感受记录下来传递给他人。
这种心灵上的震撼是其他流派所无法比拟的。 从中也可看出当时莫奈初期作品风格强调瞬间的感官色彩来搭建一座用色彩构成的绚丽的世界。
突破当时束缚绘画的古典主义，把绘画从单纯的照物写实中解放出来，开拓了一条用眼睛捕捉"瞬间美好"的新的绘画流派。 作于1886年的《撑阳伞的女人》和第一幅画在构图上相差不远，人物在衣着上更是如出一辙。
但，比起第一幅，人物处于更次要的位置，印象派很少画人物，风景中的色彩变化才是莫奈的永恒主题。所以第二幅《撑阳伞的女人》足以看出莫奈及整个印象派的走向。
画中大块的墨绿和棕红的，凝重的颜色。不再看见早期注意天空光影的纠缠和光影对人物的影响，换而之是大块更大块的颜色铺成一幅画甚至连人物本身都只是画中颜色的一部分（上一幅中女人的尚可辨认的面目在这里彻底被简略掉）。
或者说我们可以感受到画面里的风不再是清晨的微风而是夕阳落下的晚风，吹的人物身后的云彩在大块急速的运动，炽热的阳光照在草上淹没了女人的脚，女人上半身因为撑阳伞形成的阴影和下半身被阳光照耀仿佛要燃烧的裙子形成强烈的对比，加上飘扬的纱巾给人以视觉冲击。 两副几乎同样的以撑阳伞的女人为主题的作品，但是意境却相差万里。
这就是印象派的核心所在——此时此刻的光和影。而光与影永远在变，水中的浮光掠影，空中的色彩万千，地上的花朵妖娆。
不变的是对影的捕捉对光的追随。 这件作品是莫内早期的印象技法画作。
画面正中偏右站着一位撑阳伞的女仕，而画面偏左较远处的就是她的儿子。这是一个晴天的早上，两母子在草地上漫步。
整幅画只用了简单的蓝、绿、棕等自然的色彩，给人一种宁静舒适的感觉。画中的女仕占了画面大部份的空间，成为画的趣味中心。
但左侧的小儿子与阳伞和女仕也构成一个三角形，得到一个平衡的作用。 虽然此画是莫内早期的作品，但也可见他已很好地捕捉光影和画中的瞬间印象感觉。
画中女仕面部和上半身都用上较暗的色彩，表明是处于阳伞的阴影之下。而整个阳伞、面部、衣裙和草地上的阴影区，与女仕衣裙上向光一面的光影形成对比（小儿子方面也一样），就如现实中看到的一样。
另外，女仕摆动的头巾和长裙上的绉褶也加强了画面的动感。
2.动画类毕业论文都有哪些参考文献
数字化动画场景设计研究 中文摘要3-5英文摘要5-9绪论9-13第一章 场景设计的理论表述13-19 1.1 场景的辞源与相关定义13 1.2 场景的类型13-15 1.3 场景的风格15-16 1.4 场景的特性16-17 1.5 场景在影片中的功能17-19第二章 数字化下的艺术和动画19-25 2.1 关于数字化19-20 2.2 数字化对艺术的影响20-22 2.3 数字代拓宽了动画艺术的表现空间22-25第三章 动画场景设计艺术的发展与概念变迁25-32 3.1 各种类型的场景设计25-30 3.2 传统动画中的场景设计30 3.3 借助数字化手段的场景设计30-32第四章 数码技术给动画场景设计带来的转变32-35 4.1 工作方式的改变32-33 4.2 表现形式的改变33 4.3 构思创意的调整33 4.4 对传统的重新认识33-34 4.5 技术与艺术的主仆关系34-35第五章 数字三维动画场景设计的表现方法35-44 5.1 场景设计图的设计36-37 5.2 陈设道具的设计37 5.3 场景的搭建37-42 5.4 影视作品场景的后期编辑空间42-44第六章 动画场景设计中的设计要素44-51 6.1 动画场景设计中的空间构成和创意44-48 6.2 动画场景设计中的色彩创作48-49 6.3 艺术设计在动画场景中的多层面构建49-51结语51-52参考文献参考文献 【l]引用网址}/sf/lw/2009/0928/146347.html 开题报告： /lunwenzhidao/kaitibaogao 实习论文： /shixi 写作指导： /lunwenzhidao。
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