众文网1. 舞台美术与绘画毕业论文(有关于舞美这个专业的毕业论文一般该怎么入手写)
3. 绘画毕业论文制作过程(SCI论文插图的制作流程是怎样的)
舞台美术与绘画毕业论文(有关于舞美这个专业的毕业论文一般该怎么入手写)
1.有关于舞美这个专业的毕业论文一般该怎么入手写
我认为：做毕业设计当然以晚会为题材较好。
1.不论戏曲、还是晚会，都需写出构思、创意的理论依据（即论文或者叫策划书）；戏曲的舞美以故事的发展、章节的变化其背景的内容要与每个变化而吻合，那么你必须全盘通晓故事的情景、情境，从而分别作出相应的布景、灯光、气氛的安排。..必须吃透剧本，准确理解，还要安排N个章节的舞美调度，相对晚会的舞美设计，戏曲的难度要大些。
2.晚会的舞美：你只需吃透全部节目单（整台节目），相对变化也少些：一般晚会的主题性很强，抓住了主题就抓住了纲。其全部的文章就好做了。值得注意的是：晚会就场地来讲：分外景晚会与殿堂晚会；（而内容：分节日庆祝晚会、专题晚会、项目庆典晚会等等）。
3.外景晚会：要了解背景的自然属性，充分利用大自然作为背景；了解当地风土人情；调动、利用当地资源，以烘托最佳气氛。
4.殿堂（室内）：这里不细讲了。
5.安全
6.其他
2.舞台设计和绘画的关系
舞台设计不但和绘画有关系~而且还相当密切~顺便更正一下~不应该叫舞台设计~应该是舞美设计~舞美全称是舞台美术~各个专业也不同~有舞美设计~舞台灯光设计~舞台音响设计~服装设计~道具设计~好多分类~ 既然是美术就和绘画有很直接的关系~但是舞美设计要考虑的东西有很多~ 比如说舞台的尺寸~导演的调度安排~分场效果的表现~等等~ 学习舞美设计~首先就要学习绘画~不然就算你有天大的本事~也没办法表达你想要呈现在舞台上的效果~ 有兴趣的话可以交流一下~。
3.舞台设计与美术有关
上海戏剧 什么戏剧学院啊就有这个专业 与美术是有关的
你是美术生的话 当然可以考这个戏系
而且的确是要一定美术基础的
你94年的 估计明年或后年高考了
到时你最好美术集训几个月 再加文化
而这个文化分数线就是美术生的文化分数线 肯定比纯文化生的文化分要求要低些
如果你专业文化均达到学校划定的合格线就有资格被上戏录取
我就是美术生 本来也想去考下上戏的服装设计系 不过还是没去 总之如果你想去 建议你学学美术 以美术生的身份去考 自然文化要求就会降低
4.舞台美术创作对舞台有什么作用
舞台设计与人物造型是舞台美术创作的两大组成部分，在我国有的把舞台设计理解为舞台美术的总体设计，普遍则把布景设计称为舞台设计。
舞台设计的任务，是为戏剧演出创造一个特定的表演空间，来表现戏剧事件和环境的特征、为人物动作提供物质的支撑条件，创造有感染力的舞台气氛以及显示戏剧体裁风格所特有的样式。舞美设计的这些功能，是历史发展的产物和结果。
最早出现于演出中的是和演员直接有关的化妆、服装和随身小道具，后来才逐渐有了布景。演出进入室内后又逐渐有了灯光照明。
在很长的历史时间，它主要是在演出中发挥“实用”性功能。随着各种演出技术条件的日趋完善，艺术造型手段逐渐增多，它的艺术作用也逐渐加强，艺术创作的价值和品位也愈来愈高，遂成为戏剧综合艺术中重要的有机成分。
在现代的戏剧演出中，舞美设计成了决定和左右演出艺术形式的重要的、甚至是决定性的因素。
5.舞台美术的创新
这是一个当今舞台美术工作者常常谈到的话题，任何艺术的创新，都存在一个“度”的问题，存在能否为观众所接受的问题。有着坚硬外壳的传统舞台的创新，更要驾驭“度”和观赏者的欣赏口味及欣赏习惯之间的关系。创新的定位应该建立在自身艺术特性的基础之上，寻找不雷同于其他艺术，并且富有表现力的创造手段，使自己的舞台设计特色鲜明，更强烈。舞美设计样式不同，手法各异，但共同遵循的原则，是努力创造尽可能大的自由空间。
6.师范美术专业毕业论文怎么写啊
1、论文题目：要求准确、简练、醒目、新颖。
2、目录：目录是论文中主要段落的简表。（短篇论文不必列目录）
3、提要：是文章主要内容的摘录，要求短、精、完整。字数少可几十字，多不超过三百字为宜。
4、关键词或主题词：关键词是从论文的题名、提要和正文中选取出来的，是对表述论文的中心内容有实质意义的词汇。关键词是用作机系统标引论文内容特征的词语，便于信息系统汇集，以供读者检索。 每篇论文一般选取3-8个词汇作为关键词，另起一行，排在“提要”的左下方。
主题词是经过规范化的词，在确定主题词时，要对论文进行主题，依照标引和组配规则转换成主题词表中的规范词语。
5、论文正文：
(1)引言：引言又称前言、序言和导言，用在论文的开头。 引言一般要概括地写出作者意图，说明选题的目的和意义， 并指出论文写作的范围。引言要短小精悍、紧扣主题。
〈2）论文正文：正文是论文的主体，正文应包括论点、论据、论证过程和结论。主体部分包括以下内容：
a.提出-论点；
b.分析问题-论据和论证；
c.解决问题-论证与步骤；
d.结论。
6、一篇论文的参考文献是将论文在和写作中可参考或引证的主要文献资料，列于论文的末尾。参考文献应另起一页，标注方式按《GB7714-87文后参考文献著录规则》进行。
中文：标题--作者--出版物信息（版地、版者、版期）：作者--标题--出版物信息所列参考文献的要求是：
(1)所列参考文献应是正式出版物，以便读者考证。
(2)所列举的参考文献要标明序号、著作或文章的标题、作者、出版物信息。
7.舞台美术的历史发展
舞台美术的这些功能，是历史发展的产物和结果。
最早出现于演出中的是和演员直接有关的化妆、服装和随身小道具。后来才逐渐有了布景。
演出进入室内后又逐渐有了灯光照明。在很长的历史时间，它主要是在演出中发挥“实用”性功能。
随着各种演出技术条件的日趋完善，艺术造型手段逐渐增多，它的艺术作用也逐渐加强，艺术创作的价值和品位也愈来愈高，遂成为戏剧综合艺术中重要的有机成分。在现代的戏剧演出中，舞台美术成了决定和左右演出艺术形式的重要的、甚至是决定性的因素。
抒情言志是中国戏曲的美学特征，将话剧写实布景运用于秦腔舞台，导致见物不见人，堵塞了观众的想象力，这是不可取的。而“布景取消论”者，用因陋就简或“穷对付”的办法致使舞台苍白贫乏，也是不可取的。
戏曲舞台美术的各种功能如同“树状结构”，舞台美术的总功能应服务于戏剧动作，这是它的主干，是这个系统中的母系统。而舞台美术各个方面的功能则是它的分支，也是这个大系统中的子系统，各子系统之间不是独立的关系，而是相辅相成、服从于总体目的的。
戏剧是行动的艺术。舞台美术就是这“行动”里进行“传情达意”的重要手段。
戏剧能否“动”起来，要看舞台美术能否融入其中，能否体现必要的功能和效应。舞美必须重点加强以下三方面内容：一、给予戏剧“恰当的要出空间区域”的舞台，是启动戏剧进行传情达意的开始。
二、“为表演提供富有充分表现力的动作支点和动作道具”的舞台，推动戏剧传情达意的深入。三、“为观众提供想象空间”的舞台，是戏剧进行传情达意的完善。
舞台美术在戏剧行动中的从属性，必然令其带有一定的局限性。当其能为观众留出最大的想象空间的时候，戏剧与观众真正互动交流起来，也就是戏剧行动中传情达意得以走向完善的重要一环。
总之，舞台美术已成为戏曲舞台演出中一支不可缺少的创造力量。随着观众审美口味的提高和多元化，我相信，在更开阔的艺术创造空间里，戏剧舞台的舞台美术创造将会更加绚丽和夺目。
8.对艺术的感悟论文
【舞蹈艺术的意蕴和意境】 舞蹈是时空表现艺术和动态造型艺术，它以艺术化的人体动作，即通过人体富有协调性、韵律感、审美化的动作、姿势、造型、动作组合和动作过程来表达内心情感，是人类审美意识和情感表达在人体动态形式中的对象化，是舞蹈艺术劳动的具体成果。
动作是舞蹈艺术最基本的语言。在舞蹈艺象的特定情境中，构成动作的姿态、节奏、速度、空间走向、动作力度与情感强度的统一所体现的情感倾向，以及动作在运动中的“力效”，在音乐、舞美等多种手段的配合下，可以表现不同的情感，塑造不同的人物性格和形象，展示无数复杂的心境和情感冲突，使舞蹈艺术在连绵不断的起伏跌宕中展示内容，表现人物情感，创造各具特色、生动鲜明的舞蹈艺象，具有造型美、流动美、情感美的巨大欣赏价值。
舞蹈表演要求以简代繁，以少总多，讲究生动传神，即强调通过外在形象的塑造传达出内在的神韵，抒发主体的胸臆情怀。从整体追求上看，含蓄蕴藉，追求神似，注重当众展现人物的灵魂和情感，注重整体效果的传神写意。
虚拟的动作表演重在动作的高度美化和感情的充分抒发，创造出剧情需要的舞台环境和氛围，使舞蹈表演更加自由，拓宽表现生活的领域，超越有限的“实境”，营构无限的“虚境”，创造出一种超脱、空灵、古朴、高雅的审美境界。 表现手法的突出特点是夸张、变形，追求超乎常形之上的艺术真实，旨在调动观众的想象，共同完成审美意象的创造，因而具有独特的艺术魅力。
舞蹈艺象通过舞蹈语言和整体的舞蹈形象，来显现出一种内在的生气、情感、灵魂、风骨和精神，而这就是我们所说的艺术作品的意蕴。 优秀的审美艺象应当具有比艺术形象本身更加深广隽永的内涵，这种内涵蕴藏在艺术形象内，只有凭借欣赏者的细心体察、玩味、感悟、领会，才能真正认识和理解。
艺术意蕴是优秀舞蹈艺象通过生动感人的艺术形象，传达出的深刻的人生哲理或思想内涵。一般来讲，艺术意蕴还不完全是由舞蹈形象体现出来的主题思想，它是比主题思想更加形而上的东西，是一种只可意会不可言传的超越言象之外、自然含蓄、天机妙悟、悠然神会、绵绵不尽、余味无穷的哲理和诗情，它也是优秀舞蹈艺象具有不朽艺术魅力的根本原因。
意境，主要是指抒情性舞蹈艺象中呈现的那种情景交融、虚实相生的形象系统及其所诱发和开拓的审美想象空间。意境分虚实，虚实相生是意境创造的结构特征。
实境是指生动、逼真表现出来的景、形、境，即“如在目前”的“象”。虚境是指由实境引发的想象的空间，它一方面是原有形象在联想中的延伸和扩大的“象外之象”；另一方面是伴随着由具象引发的想象而产生的对情、神、意的体味和感悟的“象外之旨”，其意蕴虚涵，具有暗示性，只能领悟，不能直陈。
虚境是实境的升华，它体现着实境创造的意向和目的，体现着整个意境的艺术品位和审美效果，居于灵魂和统帅的地位，“无形君有形”。但再好的虚境也必须落实到实境的具体表现上，“真境逼而神境生”，“有形发未形”，虚境要通过实境来创造。
就意境创造的表现特征看，意境创造又是情、景结合的艺术，“景无情不发，情无景不生”，“情与景会，景与情合”，意境是在景中藏情、情中见景和情景交融中创造的。 借用王夫之的话说：“情、景名为二，而实不可离。
神于诗者，妙合无垠。巧者则有情中景，景中情。”
舞蹈艺术也是如此。韵味无穷，则是意境的审美特征。
“韵味”，是指意境中所蕴含的那种咀嚼不尽的隽永的意蕴和综合美感效应。意境是创作主体和欣赏主体共同创造的多层次、整体的、动态的、空间的意象，是作者得于心、观者会于意的产物。
艺术主体的创造是意境创造的基础和前提，欣赏主体在接受中的再创造，是意境创造的复现、衍生和深化。意境的整体性象征具有朦胧性、模糊性。
创作主体的个性、创作的时代性与欣赏主体的个性、欣赏的时代性之间的差异，形成同一艺术意境在创造和再创造的时代、历史背景中的意蕴的变异性。 同一艺术意境可以生发出多种不同的阐释，从而构成意境的多义性。
意境美的创造是有抱负的舞蹈艺术劳动者刻意的审美追求。 应当指出，舞蹈艺象的三个层次的美具有相对独立的意义，每一个层次都有着自身的审美价值。
在舞蹈艺象的层次构成中，任何一个艺象都必须具有艺术语言和艺术形象这两个层次。 意蕴，不是每个艺象都有。
有，也不是每个欣赏者都能体悟到。能体悟到的，也有深度和广度上的差别。
有的舞蹈艺象，或者有独具特色的艺术语言，或者有生动感人的艺术形象，或者有发人深思的艺术意蕴。但是，真正优秀的舞蹈艺象，必须是用生动传神的舞蹈语言、塑造出内蕴着隽永深邃意蕴的栩栩如生的舞蹈形象的结构有序、有机融合成的一个完美整体。
从某种意义上说，这样的舞蹈艺象才能传世不朽。 舞蹈艺象不仅讲究动作、结构安排的对称、均衡，而且注重场面的丰富变化与和谐统一。
还要借助服饰、道具、灯光和象征性的舞美设计，特别是音乐的烘托和渲染，形成多层次的美感效应，产生震撼人心的巨大感染力，综合体现多方面的舞蹈美。 欣赏者通过对多。
9.中国戏曲学院舞台美术培养方案
教学设置 1.专业结构与布局 中国戏曲学院舞台美术系有戏剧影视美术设计和服装服饰设计两个专业，下设戏曲舞台美术设计、戏曲服装设计、舞台灯光设计、化妆造型设计、舞美工程设计与管理、戏曲服装衣箱技术与管理六个专业方向。
由舞台设计教研室（教研室主任：党宁副教授）；戏曲服装设计教研室（教研室主任：刘小庆教授）；舞台灯光设计教研室（教研室主任：马路副教授）；化装造型设计教研室（教研室主任：龚元副教授）；设计基础教研室（教研室主任：黄健副教授）完成主要专业课程的教学。2.培养方案与实验 在中国戏曲学院统一部署下，舞台美术系对六个专业方向的培养方案进行了重新修订，修订后的培养方案符合培养目标的要求，体现了德、智、体、美全面发展的要求，着力培养学生的人文素质和科学素质，有利于学生创新精神和实践能力的培养。
舞台美术系在培养方案的制定上，紧紧围绕中国传统戏曲文化这一中心，体现出继承与创新紧密结合、理论与实践紧密结合、艺术与科技紧密结合的鲜明特色。确定各专业学生所需掌握的专业知识，所需达到的专业能力，并通过一些通选课的开设，培养专业知识扎实，学科领域涉及面宽的人才，以适应社会要求；在稳固各专业专业课和专业基础课的同时，开设大量选修课，以拓展学生的专业知识面，向学分制的全面实施过渡；以实施高起点、经典与现代内容相结合的基础课教学内容改革，以传授专业基本知识与注重科技前沿知识引导相结合的专业课程教学内容改革，全面更新教学内容，培养学生的创新意识；开设大量实践类课程，使学生的知识学习与专业实践紧密结合，在实践中提高学生的知识应用能力和动手能力，为其今后步入工作岗位打下基础；教师教学在课程讲授的基础上，鼓励实行讨论式、探讨式、启发式教学方法，突出学生在教学环节中的能动作用，鼓励教师与学生角色互换的教学方法，让学生进行授课，强化其对所学知识的理解与应用。
3.教学实践与保障 近年来，舞台美术系在教学实践环节进行了一系列改革，对实践类课程的数量和质量都提出了更高的要求，六个专业方向的实践类课程普遍不少于350学时。由任课教师带领学生参加舞台实践演出，从设计、制图、装台、操作，甚至器材搬运等各个环节，是学生全面了解艺术生产过程和艺术创作规律。
此外舞台美术系还为各个专业配备了经验丰富的技师，对学生进行技术层面的辅导，以确保学习实践的有效性。4.教学条件与使用 学院领导十分重视舞台美术系的建设和发展，在教学经费、师资配备、教室环境、教学设备、实习基地、图书资料等方面都给予很大的支持，使办学条件和基础设施不断得到改善，较好地满足了人才培养的需要。
舞台美术系现有多媒体教室10间、舞台设计教室6间、绘景和模型制作教室2间、灯光教室3间、服装工艺教室1间、印染工艺教室1间、化妆教室2间、塑型教室1间此外，舞台美术系管理的大小剧场及其附属设施，为舞台美术系各专业提供了良好的实习场地和作品展示场地。这些专业教室和实习场所硬件配备完善，设备先进，运转正常，利用率高，在人才培养中能够发挥良好的作用。
专业 课程名称 课程类别 戏曲舞台设计 舞台设计基础 专业课 传统戏曲舞台设计 话剧及影视舞台设计 中国古典名剧舞台设计 戏曲新编剧目舞台设计 中外舞台美术史 舞台技术 毕业设计 毕业论文 基础素描 专业基础课 彩画 中国画（山水、花鸟） 平面构成 色彩构成 立体构成 专业设计软件应用 舞台效果图技法 表导演知识 舞台灯光设计 灯光设计基础 专业课 舞台灯光设计 影视灯光设计 歌舞灯光设计 戏曲灯光设计 灯光技术与实践 毕业设计 毕业论文 基础素描 专业基础课 彩画 中国画（山水、花鸟） 平面构成 色彩构成 立体构成 专业设计软件应用 灯光效果图技法 灯光技术与实践 摄影与摄像 戏曲服装设计 服装设计基础及服装小品设计 专业课 传统剧目设计 新编历史剧和现代剧目设计 戏曲莎剧及话剧影视歌舞剧目设计 服装工艺 戏曲服装制作工艺、立体剪裁 服装工艺（印染工艺） 毕业设计、毕业论文 服饰史 中国画 专业基础课 平面构成 色彩构成 立体构成 装饰绘画 传统戏曲服装知识 化妆知识讲座 戏曲表演知识 戏曲导演知识 中文舞美史 专业设计软件应用 服装设计效果图技法 化妆造型设计 传统戏曲化妆技法 专业课 戏剧戏曲化妆造型设计 影视化妆造型设计 形象策划与设计 化妆造型设计基础 影视化妆技法 时尚妆技法 毕业设计 毕业论文 中外服饰史 专业基础课 服装设计概论 基础素描 彩画 雕塑 平面构成 色彩构成 中国画 专业设计软件应用 化妆设计效果图技法 表导演基础中国戏曲学院舞台美术系于1979年开始筹建，1982年招收第一届戏曲舞台美术本科班。从此开辟了中国戏曲舞台美术专业高等教育的新天地。
随着时代的发展与 进步，近年来，又先后开展了戏曲服装设计、舞台灯光设计、化装造型设计、舞美工程设计与管理、戏曲服装一项技术与管理六个专业方向的教学。从而成为我国培养舞台美术高等人才的重要基地。
舞台美术系现任主任李威教授、党支部书记陈娟、副主任马路副教授。一、教师团队与专业设置 舞美系拥有一。
大学绘画毕业论文(一篇画画的论文)
1.一篇画画的论文
他的成就主要在以下几个方面： 1：绘画理论 他将前辈画家关于人体解剖、透视和素描等研究成果，通过自己的探索和实践，上升到系统理论。
如人体解剖，据说，他不顾当时天主教禁律，亲自解剖了30多具尸体，他的那幅著名的人体解剖素描 （演示）被认为是最成功的设想把完美人体造型包含在一个圆形和正方形的理论。主要论著有《绘画论》。
2：油画技法 在技法上也不断地探索，经常变换颜色的调法，创造一种被称为“薄雾法”的表现手法。因为在在文艺复兴初期的一些技法中，仍残留着哥特式宗教祭坛画的痕迹，单线平涂，色彩较单调，体积感和空间感相对较弱。
面达芬奇的“薄雾法”则将人物的边线逐渐消失，若有若无，更加接近真实。我们可以从他的几幅传世杰作：《蒙娜丽莎》及《岩间圣母》中就能看到达芬奇对于油画表现手法的创造性贡献（演示）。
先来看看《岩间圣母》（演示） 世界上最著名的肖像画——《 蒙娜丽莎》（演示） 佛罗伦萨的人民，确切地说，整个意大利人民都知道列奥纳多.达.芬奇是个天才。他是画家中能使人的肖像看去既栩栩如生，又美丽漂亮的第一人。
这就是为何一个叫佐贡多的富有商人，请他为他年轻美貌的妻子蒙娜.丽莎，这幅肖像花了达.芬奇四年的时间，当他完成这幅肖像之后，不愿把它交给佐贡多或其他任何人。当他受到法国国王的邀请时，便带着这幅肖像离开意大利去了法国。
达.芬奇是在法国去世的，后来《蒙娜.丽莎》这幅画就留在了法国，它就变成了法国人的财富。（要是。
）
目前人们一直在谈论她那神秘的微笑，发现她的微笑似乎在变化。不同的观者或在不同的时间去看，感受似乎都不同。
有时觉得她笑得舒畅温柔，有时又显得严肃，有时象是略含哀伤，有时甚至显出讥嘲和揶揄。一般人的笑容主要表现在眼角和嘴角上，达.芬奇却偏把这些部位画得若隐若现，没有明确的界线，因此才会有这令人捉摸不定的”神秘的微笑”。
关于这幅画有一个故事。达.芬奇在为蒙娜.丽莎绘画时，请了位乐师在她旁边弹奏，以便她能象个模特儿那样耐心平静地坐着。
她眼中的神情告诉我们她正在倾听。而现在，如果我们看她那双美丽的手，并把它们与她的脸联在一起考虑，我们会觉得那神情更诚挚。
她的右手轻轻地放在左手上，中指根本没有任何依托，我们感到它正和着音乐的节奏轻轻地打着拍子。 当我们看着这幅如此逼真的肖像画背后的景色，我们会为那不真实的背景吃惊。
山峰、道路、小桥、流水都在一种梦幻般、飘拂不定的气氛里出现，仿佛以此证明蒙娜.丽莎的思绪沉浸在一个梦的世界里。 最近，又有报导说《蒙娜丽莎 》的背景之谜被专家解开 ，这是研究达-芬奇绘画艺术的著名学者、美国加利福尼亚大学教授卡罗-佩德雷蒂5日在" 达-芬奇绘画国际研讨会 "上宣布的。
他说，经过多次考证，蒙娜丽莎身后的背景是意大利中 部阿雷佐市布里阿诺桥附近的景色。佩德雷蒂说，达-芬奇出生在踞阿雷佐约100公里的芬奇小镇，并在阿雷佐生活过。
这一地 区的原始景观与《蒙娜丽莎》的背景几乎一样，因此，他采用这一地区的田园景色作为这幅肖 像画的背景是完全可能的。许多到会专家对佩德雷蒂的这一研究成果表示肯定。
《最后的晚餐》（演示） 四：小结 文艺复兴时期绘画与达.芬奇的艺术。
2.美术院校毕业论文如何写
一、标题 标题是文章的眉目。
各类文章的标题，样式繁多，但无论是何种形式，总要以全部或不同的侧面体现作者的写作意图、文章的主旨。毕业论文的标题一般分为总标题、副标题、分标题几种。
（一）总标题 总标题是文章总体内容的体现。常见的写法有： ①揭示课题的实质。
这种形式的标题，高度概括全文内容，往往就是文章的中心论点。它具有高度的明确性，便于读者把握全文内容的核心。
诸如此类的标题很多，也很普遍。如《关于经济体制的模式问题》、《经济中心论》、《县级行政机构改革之我见》等。
②提问式。这类标题用设问句的方式，隐去要回答的内容，实际上作者的观点是十分明确的，只不过语意婉转，需要读者加以思考罢了。
这种形式的标题因其观点含蓄，容易激起读者的注意。如《家庭联产承包制就是单干吗？》、《商品经济等同于资本主义经济吗？》等。
②交代内容范围。这种形式的标题，从其本身的角度看，看不出作者所指的观点，只是对文章内容的范围做出限定。
拟定这种标题，一方面是文章的主要论点难以用一句简短的话加以归纳；另一方面，交代文章内容的范围，可引起同仁读者的注意，以求引起共鸣。这种形式的标题也较普遍。
如《试论我国农村的双层经营体制》、《正确处理中央和地方、条条与块块的关系》、《战后西方贸易自由化剖析》等。 ④用判断句式。
这种形式的标题给予全文内容的限定，可伸可缩，具有很大的灵活性。文章研究对象是具体的，面较小，但引申的思想又须有很强的概括性，面较宽。
这种从小处着眼，大处着手的标题，有利于科学思维和科学研究的拓展。如《从乡镇企业的兴起看中国农村的希望之光》、《科技进步与农业经济》、《从“劳动创造了美”看美的本质》等。
⑤用形象化的语句。如《激励人心的管理体制》、《科技史上的曙光》、《普照之光的理论》等。
标题的样式还有多种，作者可以在实践中大胆创新。 （二）副标题和分标题 为了点明论文的研究对象、研究内容、研究目的，对总标题加以补充、解说，有的论文还可以加副标题。
特别是一些商榷性的论文，一般都有一个副标题，如在总标题下方，添上“与**商榷”之类的副标题。 另外，为了强调论文所研究的某个侧重面，也可以加副标题。
如《如何看待现阶段劳动报酬的差别——也谈按劳分配中的资产阶级权利》、《开发蛋白质资源，提高蛋白质利用效率——探讨解决吃饭问题的一种发展战略》等。 设置分标题的主要目的是为了清晰地显示文章的层次。
有的用文字，一般都把本层次的中心内容昭然其上；也有的用数码，仅标明“一、二、三”等的顺序，起承上启下的作用。需要注意的是：无论采用哪种形式，都要紧扣所属层次的内容，以及上文与下文的联系紧密性。
对于标题的要求，概括起来有三点：一要明确。要能够揭示论题范围或论点，使人看了标题便知晓文章的大体轮廓、所论述的主要内容以及作者的写作意图，而不能似是而非，藏头露尾，与读者捉迷藏。
二要简炼。.论文的标题不宜过长，过长了容易使人产生烦琐和累赘的感觉，得不到鲜明的印象，从而影响对文章的总体评价。
标题也不能过于抽象、空洞，标题中不能采用非常用的或生造的词汇，以免使读者一见标题就如堕烟海，百思不得其解，待看完全文后才知标题的哗众取宠之意。三要新颖。
标题和文章的内容、形式一样，应有自己的独特之处。做到既不标新立异，又不落案臼，使之引人入胜，赏心悦目，从而激起读者的阅读兴趣。
二、目录 一般说来，篇幅较长的毕业论文，都没有分标题。设置分标题的论文，因其内容的层次较多，整个理论体系较庞大、复杂，故通常设目录。
设置目录的目的主要是： 1.使读者能够在阅读该论文之前对全文的内容、结构有一个大致的了解，以便读者决定是读还是不读，是精读还是略读等。 2.为读者选读论文中的某个分论点时提供方便。
长篇论文，除中心论点外，还有许多分论点。当读者需要进一步了解某个分论点时，就可以依靠目录而节省时间。
目录一般放置在论文正文的前面，因而是论文的导读图。要使目录真正起到导读图的作用，必须注意： 1.准确。
目录必须与全文的纲目相一致。也就是说，本文的标题、分标题与目录存在着一一对应的关系。
2.清楚无误。目录应逐一标注该行目录在正文中的页码。
标注页码必须清楚无误。 3.完整。
目录既然是论文的导读图，因而必然要求具有完整性。也就是要求文章的各项内容，都应在目录中反映出来，不得遗漏。
目录有两种基本类型： 1.用文字表示的目录。 2.用数码表示的目录。
这种目录较少见。但长篇大论，便于读者阅读，也有采用这种方式的。
三、内容提要 内容提要是全文内容的缩影。在这里，作者以极经济的笔墨，勾画出全文的整体面目；提出主要论点、揭示论文的研究成果、简要叙述全文的框架结构。
内容提要是正文的附属部分，一般放置在论文的篇首。 写作内容提要的目的在于： 1.为了使指导老师在未审阅论文全文时，先对文章的主要内容有个大体上的了解，知道研究所取得的主要成果，研究的主要逻辑顺序。
2.为了使其他读者通过阅读内容提要，就能大略了。
3.美术毕业论文怎么写
美术毕业论文 学前美术教育的现状与研究 摘要：本文分析了我国学前儿童美术教育的现状，对美术教育改革进行了思考，并提出了相关的建议。
关键词：学前教育，美术，现状，研究 一、当前我国学前儿童美术教育的现状 （1）在教育目标方面，出现两个误区：其一，把美术教育等同于技艺教育，认为教会孩子画出一张美丽的图画，做出一件有趣的玩具便完成了任务，把重点放在培养孩子的正确描写和表演能力上，把技能技巧的培养作为重要任务；其二，把美术作为实施德育、智育的手段，作为完成某一中心任务的从属部分，没有本身的独立体系。殊不知美术教育本身是一个独立的领域，是一个具有极大潜力的领域，它的任务是既培养儿童对艺术美的欣赏、识别，又培养儿童的审美心理素质，帮助他们学习用美的眼光来把握世界。
（2）在教育内容方面，强调对自然的模仿和再现。模仿现实生活中的简单物体和图片是美术教育的主要内容。
于是儿童作品中的模式化倾向非常突出，无论在一个幼儿园里、一个班级里，甚至在儿童作品展览上，从花花绿绿的各式各样的作品中，我们都可以看到许多带有模式化的人物、动物形象。固然，学龄前儿童从自我中心转化到以客体意识为主的过程中，概念画的出现是不可避免的，然而，我们也发现教师、家长在这方面起了推波助澜的作用。
因为依靠学前儿童自身的能力和自发性发现是很难有“好”的作品出现的，为了“早出成果”，教师往往采取简单的临摹方式，用孩子的手，画出成人期望的画，不断地临摹，造成儿童思想僵化，失去了探索学习的兴趣和能力。社会上充斥于市场的儿童图书、练习册、电视中的动画片又为儿童提供了绘画范例，于是，大量的儿童失去了他原有的稚拙天性，有些儿童画在成人的加工下，故作“天真”，仍然会令人感到失去了真正的童趣。
（3）在教学方法方面，灌输法仍然被大量使用。在美术教育中，用简单的几何形体作为标准模式，给儿童临摹学习，让其画出各种形状。
教师是美术活动的中心，教师提供的形象是孩子们的典范，培养出来的几乎是一个模子里倒出来的式样，没有“自我”和“感觉”。教师为了寻找大量的模式给孩子临摹，于是“简笔画”应运而生，它的影响几乎席卷全国，为灌输法大开方便大门。
现在，关于“简笔画”的功过，还在热烈争辨之中。我们认为根本问题在于教育观，希望培养什么样的孩子，用简笔画提供的种种图式直接灌输给孩子，从表面上看，孩子的画面内容丰富。
但是，孩子们学得被动了，画出来的画就模式化了，它代替了孩子的感觉、思考和想象，使他们失去了对周围事物的敏感性，失去了孩子自己的绘画语言和个性风格，最重要的是对孩子潜在的创造力的扼杀和自我创造意识的摧毁。 二、我们对学前美术教育改革的思考 结合我国当今儿童美术教育的现状，笔者在教育的指导思想、教育目标、教育内容和方法方面作了较为深入的思考，在实施艺术综合教育的过程中，同时也对美术教育进行了全面革新，现概括如下： 1、以培养深层次的审美心理结构为中心 美术教育内容和形式的多样性、丰富性，为儿童的审美心理建构提供了丰富的审美客体和探究刺激。
儿童在美术活动中运用审美感官，在遗传获得和以往实践中形成的原先的心理结构基础上，通过同化作用，形成同形同构或异质同构的关系，融人新的艺术对象，丰富了原有的心理结构，或者在新旧信息相互比较、分析、综合中发生顺应作用，充实、改组和重构原有的心理机构，使之发生质的变化。审美心理结构以系统结构的方式内化，沉淀于人的心理构成审美心理的整体结构系统。
美术教育可以帮助儿童进行整体的系统的审美感知，形成完整的心理结构。美术实践使儿童产生了审美的需要，形成了特定的审美个性，只有长期的艺术熏陶，艺术实践和审美环境才能使一个普通的人建构和发展较为完善的个体审美心理结构，变为审美和创造美的人。
从这种意义上看，美术教育就是塑造个体审美、创美的个性教育。 （1）培养敏锐的审美感知能力 幼儿的审美感和特点： 一是直觉性。
幼儿对事物的认识，特征在于对感性经验的全面依赖。在他们的心目中的事物就是他所看到的、听到的、接触到的那个样子。
二是整体性。幼儿对事物的感知是从笼统到分化。
幼儿的视、知觉一开始把握的材料，是对事物整体的粗略的结构，先认识树，再进一步认识它是由树干、树枝、树叶构成的整体。 三是同一性。
幼儿常常拟人化地观看世界，把外部的一切都看成和自己一样具有生命力，认为自己感受到的东西，物也一样能感受到。美术作为视觉艺术，具有增强感知能力最强有力的手段，通过美术活动可以培养幼儿审美器官的灵敏度、活跃性和统摄力，激活幼儿对生命特有形式的感受能力。
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美术学毕业论文
范文目录
摘要…………………………………………………………………………………2
英文摘要……………………………………………………………………………2
关键词………………………………………………………………………………2
前言…………………………………………………………………………………3
1选题背景及其研究现状……………………………………………………31.1作品《雪韵》的选题背景………………………………………………………3
1.2研究方法和研究价值……………………………………………………………4
2现代油画风景风格与技法……………………………………………………4
2.1我的油画风格……………………………………………………………………4
2.2我的创作技法……………………………………………………………………5
3作品《雪韵》技法综合研究…………………………………………………5
3.1取景的研究……………………………………………………………………5
3.2绘画步骤………………………………………………………………………6
3.2技法的研究……………………………………………………………………6
4意境构造的研究………………………………………………………………形的塑造是以情境为依托，既有对客观自然界的感悟，也有对主观理想完美再现3.3
5.求关于美术设计方面论文一篇 3500字左右
艺术来源于生活，而高于生活。
这是家喻户晓的名言。生活是什么呢？生活是指人在自然界中的一切活动。
如：种田、吃饭、旅游、休息等等。艺术是什么呢？艺术是指人在自然界的一切活动中，对自然现象进行的体验、感悟、提炼、加工，并用艺术的形式去表现它。
例如：用音乐去表现高山流水，用绘画中去表现梅兰竹菊，用书法去表现阴晴圆缺。总之用艺术诠释自然、生活之规律。
其目的是：从宏观上说，使人们了解自然、认识自然、溶入自然、人和自然能更好地协调发展。从微观上说，达到净化心灵、陶冶情操之目的。
生活中充满着艺术 在生活中，到处都是艺术。从视觉上，我们看到蓝蓝海洋之宽阔、小河流水之细腻、花儿盛开之美丽、春风抚柳之温心；从听觉上，我们听到惊涛拍岸、高山流水、鸟儿争鸣；从嗅觉上，我们嗅到花儿的清香、从味觉上、我们尝到酸甜苦辣；从肢体上，我们感觉到冷热温凉、粗糙光滑；我们从这些生活中感悟出美好，感悟出艺术无处不在。
但生活是有限的，生活是在自然当中的，不是所有的人都登过喜马拉雅山，不是所有的人都登过太空；世界太大了，我们没有去过的地方太多了，可这不等于我们不了解喜马拉雅山、不了解太空，因为书本、电视去过哪个地方，所以我们在自然中感受不到的，可以到书本、电视那里寻找，一定能找到的，这样艺术的资源就更加丰富了，就能为创造更好的艺术做好铺垫。 生活不全是艺术 现实生活不全是艺术。
怎么说呢？艺术的形成是需要选择、需要取舍的，而不是纯粹地照搬自然。比如说沙子里面有金子，但沙子并非全是金子，要想获取金子必须经过提炼才能获得，而不是把沙子全部收藏起来。
如果把金子比做艺术的话，那么沙子就是自然，我们要想获取金子，就必须要具备获取金子的工具，还要有筛选、分离、冶炼、提纯一整套技术。我们要掌握艺术就要具备获取艺术的工具和技术，达到技术熟练、精湛，知道怎么去选择，怎么去取舍，从而创造出更优秀的艺术。
艺术来源于生活 艺术中到处都体现着生活、体现着自然。艺术来源生活，生活来源自然。
生活是千姿百态的，自然是变化无穷的，因此，艺术也是丰富多彩的。在书法中，王羲之的平和，如春暖花开，风和日丽；米芾的飘逸，如春风拂柳，婀娜多姿；颜真卿的粗犷，如彪形大汉，威猛魁悟；赵松雪的柔眉，如窈窕淑女，丰韵挺拔；弘一的空灵，如禅房入座，清新幽静等等，这些都是用自然、用生活来述说艺术家心灵的。
艺术高于生活 艺术来源于生活，却高于生活，艺术是生活的提炼、加工和再创造。艺术家从生活中提取有价值的、有意义的内容，运用到艺术中去，反过来又充实人们的生活，给人们带来新的享受。
作为艺术的表现方法，决不是生搬硬套生活、或者重复生活，而是有取舍地提取生活中的精华。在这个提取过程中，由于每个人的生活的时代不同、内容的不同、环境不同、感受也不相同等等，所以产生的作品也不相同，正是这些不同，才能满足不同人的需要。
人们站在不同的角度去看审视、品味作品，从中得到美的享受。 艺术来源于生活，而高于生活，他们相互依存，相互促进。
自然、生活给艺术提供了肥沃的土壤，而艺术尽情地表现自然，表现生活，并使生活更加丰富多彩。我们在自然、生活中体验到花儿的开放、鸟儿的歌唱、江河的奔腾、高山的耸立，通过认知，产生感悟，花儿为谁开放？鸟儿为谁歌唱？江河为谁奔腾？高山为谁耸立？抒发我们对自然、生活的情感；把这些情感转换成其他的艺术形式，如书法、绘画、雕塑、音乐、舞蹈等等，使我们能更好地融合在自然中。
6.美术教育专业毕业论文怎么写
摘要：民间美术作为中国民俗文化的组成部分，其艺术价值远远超越了民间美术本身，具有极为丰富的哲学、美学、考古学、历史学、社会学和人类文化学内涵，是中华民族文化的凝集和结晶。从民间美术造型的隐喻象征、色彩的诱目装饰、民族文化的传承入手探讨我国民间美术的现代审美趋势。
关键词：中国民间美术 现代审美 隐喻象征 诱目装饰 民族文化的传承 民间美术作为中国民俗文化的组成部分，其艺术价值远远超越了民间美术本身，具有极为丰富的哲学、美学、考古学、历史学、社会学和人类文化学内涵，是中华民族文化的凝集和结晶。中国民间美术的审美方式与造型方法对现代设计无疑具有巨大的参考价值。民间美术审美的整体特性，贯穿了中国传统文化精神与哲学理念，在高度审美效果的背后，是民族深厚的人文底蕴和内涵。将这种色彩理念和法则应用于现代设计之中，将会呈现出强烈的民族文化特征，为国人普遍认可，为世界所倾慕。 一、民间美术的呈现 民间美术与原始社会的美术是一脉承传的，它们在发生、发展和艺术的范围、特点、规律等方面，都具有某种相似性。民间美术与原始美术一样具有艺术实用与审美共存的性质。随着生产力的发展与社会分工的细化，民间美术的分类增多，做工也愈加细致多样了。从殷商到近代，民间美术都出现了兴旺的发展状态，并以其强大的生命力渗透到人们的衣食住行之中。竹编、草编、蜡染、泥塑、剪纸、年画、蓝印花布、绣帐帘、兜肚，挑花头巾、皮影等等民间美术作品都是基于实用目的而创作的，但同时却融实用性与审美性于一体。民间美术作为我国古代一种主要的艺术形态，在几千年的古代文明历史中显示出了强大的艺术力量。 二、造型的隐喻象征 中国民间美术创作中造型有其独有特点——隐喻象征。中国民间美术是在中国农业社会中产生和传承发展的，民间习俗，传统风情是其创作的源泉。民间造型不仅表现客观的物象，并且在此基础上融入创造者的主观情感和思想，使其造型特征变得更加明确、生动、有趣、典型。它是民间艺人心灵的表现和感情的释放，如我国广大农村的许多地方至今仍可见到小孩穿的“虎头鞋”，其造型稚拙、憨厚、质朴，弥漫着浓郁的乡土气息和传统的装饰风格，它以情感为纽带，以事物固有性格特征为核心，通过特定的极度夸张的外形特征，张扬事物的真、善、美，舍弃老虎的威猛凶暴，以猫温柔可爱的品格取而代之，没有了“沉重、恐怖、神秘和紧张，而是生机、活泼、纯朴、天真，是一派生机勃勃，健康成长的童年气派”。在这里，老虎的形象被作为寄托情感的言情物，假借老虎的某些品格，倾吐内心的情感，希望自己的孩子虎头虎脑、无病无灾、健康快乐成长，隐喻象征了母亲对孩子的美好祝愿和护生的民俗心态。不仅如此，细心的母亲还常在老虎尾部加上了上翘的虎尾巴，方便孩子提鞋，这又将实用功能与装饰功能有机完美地融合于一体。又如流传于黄河流域各地民间剪纸的造型，突出表现为主观的表现性，造型的平面化，打破时空的自然规律。其人物造型往往头大身小，象抓髻娃娃，疗疳娃娃，扫天婆等剪纸图式中都体现了这些特点。人们用这样的形象象征祛病招魂、消灾免祸、止雨祈晴。 除了造型上的隐喻象征，色彩也具有隐喻象征的审美特性。现代设计在形式上追求“先声夺人”效果的需要，决定了设计者可以按照自己的主观愿望设置色彩，而不必拘泥于物象的自然色彩。如红色的月亮、绿色的蝴蝶等，这就使得色彩设计具有相当大的能动空间，也为充分展现、利用色彩的隐喻象征性提供了可能：“根据色彩本身的性格，使之倾向于理想化，达到一种超于形象自身的作用，从而创造一种意境”。例如，通过运用中国历史上的“皇族”色彩——黄色，表达设计产品历史绵长的隐义并传达其华贵气质。理解和把握民间色彩中所隐含的文化内容和观念形态，可使现代设计的色彩意念传达更为清晰、悠远，为观者留有回味和想象的空间。
7.大学生美术欣赏论文
高中美术欣赏教学与审美评价一、美术欣赏教学的特征许多教师有这样的体会，欣赏教学难于艺术实践教学，而现代作品欣赏则更难。
这也许因为在欣赏传统的再现性作品时，有关史料和作品内容丰富了教学内容，符合了学生追求现实意识和经验的需求，故而造成一种课堂秩序和教学效果良好的假象。而现代表现性作品欣赏的着眼点不能直接为日常意识所接受，学生一时无法超出现实经验和欣赏习惯的阈限，因而使教学发生了困难。
对“有意味的形式”的感知和体验并不是日常意识和习惯所能企及的，审美意识的形成需要有个学习的过程。这并不是说对再现性作品的欣赏不是一种审美意识的活动，但一个不具有较强审美意识的人，往往能欣赏前者而不能欣赏后者。
曾在上海举办“法国250年绘画作品展”会上，从男女老少、各界人士的交流中我发现，人们似乎都能顺利地欣赏这类写实作品。然而，另一个事实却让我吃惊，在“毕加索”、“米罗”的画展上，许多学美术专业的学生都向我提出这样疑问：“这些画好在哪里？”而不是提出“我感觉到了什么”等评价性的意见。
他们大有乘兴而来、败兴而去的情绪。造成这种情况的原因是多方面的。
但有一点是肯定的，即观者的评价标准尚未建立在审美价值的基础上，当面对着新的审美现象时，其评价标准就失去了有效性。以上列举的事实可以说明，从审美意识出发去评价和把握作品形式的情感意味，或剖析作品所激发审美体验的形式因素是个非常棘手的问题。
一旦我们认识到，教学必须要达到这一目的时，那么再现性作品欣赏和表现性作品欣赏教学所碰到的困难是相同的。我们已经知道，欣赏教学具有三个主要功能——认识、教育、审美。
然而，这个属于审美范畴的教学离开了审美功能，专注于认识和教育功能是否符合欣赏教学的要求？假如，我们从伦勃朗作品中感知到铜盔的金属质感，能否成为帮助学生认识某种物理属性的辅助教材；假如，一幅画讲述的是某些伦理道德、社会思想和时代精神性的内容，是否可以作为一种传达思想观念的工具去完成德育课的教学内容，回答是肯定的。但不禁要问，欣赏教学本身的特征是什么？也许我们教学最终都是一种手段，所要达到的目的并不仅仅是培养学生的审美能力和健康美好的趣味，但通过艺术形式的直接感知和审美体验是欣赏教学的主要特征。
从欣赏中不断获取多种功用是审美欣赏中继发性的作用。正如在其它学科教学中，偶尔得到一些类似艺术中审美感知的内容一样也是继发性的作用，并不是该教学的主要特征。
二、艺术的审美价值与评价1.审美价值的客观性艺术的审美价值是建立在实践价值基础上的，具有客观性。在欣赏中，由于地区和民族等文化差别，会出现价值观的差异，甚至会有完全不同的价值标准。
但这不意味审美价值无客观性，因价值不等于评价，它们之间可以统一，也可以对立。文化习俗和个人特殊经验是造成不统一的主要原因。
在对某一作品实际判断中，不同主体会出现不同感受。如，一个人在丧失亲人时，热烈欢快的形式也不会被其感知为愉快的东西。
反之，一个时逢喜事的人，在阴雨连绵的天气里也会感受到欢庆的气氛。由于文化习惯的差异，一幅山水国画也难以被一个西方人所接受，主体的评价与价值客观性符合与否，还要看主体所操持的欣赏媒介是否符合主体的欣赏习惯，一个不会下围棋的人，无论其有多少美学方面的知识和经验，也很难感知到棋盘中形式之美。
同时，还要看主体能否在理智的作用下将普通情感升华至审美情感。一个具有欣赏水平的人，能感知和体验各种媒介的审美现象，甚至能将日常信息转换成审美信息进行体验。
从中我们看到，减弱客体媒介中所粘附的非审美信息和压抑主体的非审美情感是评价符合审美价值的客观性的重要条件。所以在教学中，欣赏材料的选择和教师的讲评是极为重要的。
倘若欣赏材料选择不当，教学就无法达到预期的效果，如果在学生鉴赏力尚处于低水平时，让他们欣赏人体艺术，可能使教学无法开展。同时，需要教师在课前查阅多方面的史论资料和作品分析的文章，从中抽绎出普遍性的规范和准则，这样才能使评价标准更符合审美价值的客观性。
2.审美评价的功利性在美术欣赏中，对作品的审美感知具有社会功利性。一方面，审美意象和信息在激发主体审美经验的同时，也可能激发起个人的现实意识，即审美判断中潜伏着利害判断。
如，对画中苹果的色彩和形状产生美感时，也可以作为“望梅止渴”的情感体验。即是纯粹几何形所传达一种普遍情感也能激起个人无意识的利害判断。
另一方面，美感中包含着人类社会有益的内容，如果将壮观的战争场面看成是一种总体艺术，那么人们是不会想往那种艺术的。因为审美价值的判断要受认识价值和伦理价值的制约，即对人类社会有益的内容制约着审美价值判断。
如，有时代和地区风格的作品或为某集团的个人情感所认可的形式规范，都可以作为审美评价的标准。在欣赏教学中，教师和学生以及学生之间存着知识和经验的差异，这些都会影响审美判断和评价，故教师必须具备良好的修养和丰富的知识，理解作品形式和内容最普遍的审美意义。
绘画毕业论文制作过程(SCI论文插图的制作流程是怎样的)
1.SCI论文插图的制作流程是怎样的
首先医学家要了解欲投杂志对插图的要求，包括它的线条图、柱状图、照片、彩图等，各种杂志要求不一样，根据要求规范插图的数量、尺寸大小和布局。
接下来就是收集和整 理素材，这里面可以有一些润色或优化，但是原始材料（图片）是非常重要的，是不允许修 改图片中内容的，即增加或擦掉原始图片中的内容。有的时候杂志社如果看到你的图片 有失真的地方，他会索要你的原始图片，所以收集整理原始素材包括获得高质量原始图 片就尤其重要。
接下来是拼接图片，原始的单张图片常常需要拼接起来成为一张插图， 最后导出一个可供投稿的TIF或EPS格式图片。这两个格式是医学家医学论文里面使用最多的。
2.艺术作品的创作过程包括哪些环节
完整的美术创作过程应该是以丰富的生活感受为起点，经过精神的创造活动，进而到形象或形式的创造过程，最后体现为物化形态的美术作品。即，美术创作是一个从审美认识到审美表现，从艺术构思到艺术传达的过程。可见，美术创作过程可以大致分为两个方面和两个阶段：第一、审美认识阶段；第二、审美表现阶段。在每阶段中，又可以概括地分为两个环节（或称步骤）：在审美认识阶段，主要是美的发现（艺术发现）和艺术构思（形成美的意象）两个环节；在审美表现阶段，大体上有形象或形式探索（艺术练习）和艺术制作两个环节。需要指出的是，美术创作过程中的这些环节实际上是紧密联系并互相交织在一起的，是不断反复的和相互影响的，并不是简单循序渐进或截然分开的。
艺术发现是指从对生活的观察、体验、积累到美的发现，并产生创作冲动的过程。美术家都有自己的审美观念和审美理想，当他从现实生活的个别现象出发开始自己的审美发现时，他的着眼点始终在寻找一种美的形象，即现实生活中那些能够完全体现事物本质的生动的形象。在反复的深入观察体验和积累过程中，一旦发现或找到了那具有本质特点的现象或形象，即是美的发现。这种美的发现通常会直接激起美术家的感情激动和创作欲望，或称创作冲动。创作冲动的来临，意味着美术家受美的发现和情感体验的启示，预感到自己有了模糊的创作主意和内心视象，并产生了将其表现出来的强烈欲望，由此推动他进入创作的具体构思阶段。
艺术构思（狭义的），指美术家在孕育具体美术作品的过程中所进行的思维活动。如果说艺术发现主要是审美认识过程中的感性认识阶段，那么，艺术构思则是审美认识过程中的理性认识阶段。艺术构思的目的在于实现对艺术发现的质的飞跃，在于在内心形成典型化的审美意象。在这个过程中，美术家的审美意识会不断产生作用，对艺术发现（生活中的现象）进行分析、概括、综合、加工、合成，最后形成了一个他认为负载了他的审美理想的内心形象，即审美意象。审美意象的形成，标志着构思活动的完成。
审美意象尚是意中之象，需要美术家运用艺术表现手段具体地把它传达出来。创作中的传达活动就是美术家运用物质媒介材料和技艺手段，将其审美意象物化为艺术作品的过程。这个过程在小型的美术作品或某些美术门类的创作中可能比较简单，可以是一挥而就或一气呵成。但在大型美术作品中，特别是大型主题性、大场景多人物的情节性绘画创作中，则往往要复杂得多，甚至需要经过多次的反复。在后一类创作中，美术传达过程又可大致分为两个环节，即艺术练习和艺术制作。艺术练习也可称预成练习，在这个环节中，美术家对其艺术构思所得的审美意象进行尝试性表现。预成练习实质上是对审美意象不断地进行明晰化、完善化的确定过程。这是因为，审美意象是艺术家的脑中之象，始终带有某种程度的不确定性，往往是若明若暗的，甚至是稍纵即逝的。审美意象的这种特性渴求着自我的不断明晰化，而美术家的预成练习就是运用媒介材料和表现技法，将意识中尚不完全确定的审美意象确定下来，使其在绘画的过程中不断明晰，并不断提炼和完善。在这个过程中，美术家往往会数易其稿，对形象的提炼、情节的选择、构图的组织、形式和技巧的探索等等进行反复的准备性和实验性练习，产生大量的草图或实验性习作，直至找到比较满意的预成习作（或称定型意象），作为最终艺术制作的“蓝本”。这个环节，既与艺术构思密切相关，是不断深化艺术构思的过程，又与艺术制作直接相连，是不断完善艺术表现的过程。
最终的艺术制作就是将“蓝本”放大制作成正式的美术作品。不同门类的美术家运用特定的物质媒介、艺术语言和技巧手段，将其审美意象物化为最终的定稿—美术作品。这一过程并不是机械的制作过程，其中同样包含着审美的精神创造活动，包含对审美意象的进一步修改、充实、完善的努力。其实，最终制作与预成练习之间，预成练习与艺术构思之间，艺术构思与艺术发现之间，并不存在截然的分界。美术创作从审美认识到审美表现的过程，就是美术家在自己头脑中建立审美意象，并对其不断加工改造，使之不断明确化、完善化，并最终获得物质的存在形式的过程。因此，一件美术作品在其最后定稿之前，就一直处在认识与表现、构思与传达的反复的、统一的过程中。
对于美术创作活动的四个环节，在现实的美术创作中，常常被概括为美术创作的四个步骤：立意、构思、习作和制作完成。这种概括大致与四个环节相吻合。
第一个环节：搜集生活素材，体会生活情趣，表现自我感受及认识——作者的创作的过程第二个环节：是观赏者观赏、共鸣、再认识及升华的再创造过程没有作者就无所谓艺术，只有作者那是孤芳自赏，一幅优秀的作品是需要优秀的艺术家及有审美经验的欣赏者共同创作完成的。
3.求论文素材我们学校每年都有科技制作小发明、小论文、小绘画之类
创新小发明制作方法1、自制羽毛球准备材料：空饮料瓶一只，泡沫水果网套两只，橡皮筋一根，玻璃弹子一只。
制作过程：1。取250毫升空饮料瓶一只，将瓶子的上半部分剪下；2。
将剪下的部分均分为8份，用剪刀剪至瓶颈处，然后，将每一份剪成大小一致的花瓣形状；3。将泡沫水果网套套在瓶身外，用橡皮筋固定在瓶口处；4。
将另一只泡沫水果网套裹住一粒玻璃弹子，塞进瓶口，塞紧并露出1厘米左右；5。 剪下半只乒乓球，将半球底面覆在瓶口上，四边剪成须状，盖住瓶口后用橡皮筋固定住。
6。美化修饰后，一只自制羽毛球完成了。
用羽毛球拍打一打，看看效果怎么样？2、自制香皂纸制作材料和工具：吸湿性较好的白纸，小块香皂，一支毛笔和一次性饮料罐。 制作方法：先把香皂切碎后放在罐里，盛上适量的水后把杯子放在炉上加热，等香皂融化，将白纸裁成火柴盒大小，一张张涂透皂液，再取出阴干就成了香皂纸。
3、自制热气球1。 首先我们用软纸裁出6~8个叶状的纸片。
2。将它们对折并用胶水将它们的边粘在一起作成一个气球。
3。用胶带将四根连线粘到气球底部。
用橡皮泥将线的另外一端固定在桌子上。4。
尽量将电吹风的速度调的很慢。 将吹风口向上对准底部的开口并且打开开关。
气球会慢慢变大拉紧细线并且离开桌面。4、自制手电筒具体制作方法是：将一只废易拉罐（如露露饮料罐）起掉一头盖子，另一头用圆头榔头敲凹。
用厚瓦楞纸板卷起两节一号电池，电池正极朝上、负极朝下装入罐中。 找一个合适的塑料盖（如神奇大大卷的盒盖正好可以扣在露露饮料罐上），在盒盖中央挖一个圆形小洞，洞的大小以使灯泡插紧为宜。
将灯泡底座插入小洞。取一段寻线两端剥去线皮，一端绕在灯座上，另一端从塑料盖侧面扎一个小孔穿出。
将塑料盖盖在易拉罐上。检查一下，灯泡、电池是不是紧密接触。
到这里一次性手电筒就做好了。使用时，用大拇指把从侧壁穿出的导线按在从拉罐无油漆的焊缝上，手电筒就会发光，大拇指离开导线跳起，手电筒就灭了，使用非常方便。
5、自制太阳灶找一个大号手电筒上的凹面反光碗，用硬质泡沫塑料或木料削一根长约4厘米的圆柱体，直径以正好能紧紧塞进反光碗的圆孔为宜。 在圆柱的一端横向钻一个细孔，穿入一根直径相当于孔径的铁丝，然后将露在圆柱外的铁丝两头扳折成90°，各留5厘米即可。
把圆柱塞入反光碗的圆孔内，再将铁丝两端插在一块泡沫塑料或木质底板上。将一根细竹签的两头削尖，一头插在反光碗中央的圆柱上，另一头插上一小块土豆。
把该装置放在太阳下，让反光碗朝着太阳方向，然后，耐心调节竹签长度，让插上去的土豆正好位于发光焦点上。要不了多久，土豆就会被太阳光烤熟，发出香味。
6、自制彩色蜡烛材料：彩色蜡笔、蜡制作方法：1.找一个废弃的罐装饮料桶（如1.25升的可乐瓶子），整齐地剪去盖子的部分，把蜡削入桶中。 2.把桶放人热水中，并搅拌里面的蜡，使之全部熔化。
最好用开水。不过要请父母帮忙，或在父母的监护下进行这个步骤。
3.把熔化的液体倒人一个形状好看的容器（比如放小块儿巧克乃的心形框）中。不要倒得太多哟。
至于原因嘛，往下看。当然了，你要先在容器中放入作蜡烛芯的线。
4.原来的蜡冷却悟，阿依照卜面的方法把熔化的彩色蜡笔液倒入其中（彩色蜡笔这个时候派上用场了）。这样把不同颜色的蜡一层层加上去，好看的蜡烛就做成了。
7、自制壁挂花篮材料与工具：雪碧饮料瓶两个、胶水、刻刀、剪刀。 制作方法：1.将一只雪碧饮料瓶的绿色底套取下，剪成莲花状，翻转向下和瓶身粘成底座。
2.在绿色底套上截取2厘米宽的绿色环，仍套在瓶身上。3.去掉瓶颈，在瓶上剪出13厘米长8厘宽的宽带一条，和3厘米宽的窄带若干条。
4.用刻刀在3厘米窄条上刻出花纹？如图3，然后将这些窄条向外翻折，由下向上插入绿色环中。5.取另一只饮料瓶，利用瓶身，用剪刀剪出6片17厘米长的蒴叶。
6.将花篮钉在墙上，插入叶子、鲜花，壁挂式花篮就做成了。 8、自制蟑螂捕捉盒取一张220*150(mm)的硬纸板。
捕捉盒最重要的部分为捕捉面。取一张塑料膜，剪成与盒底相同大小，涂上粘合剂铺在盒底上。
蟑螂能否被捉，关键在于粘合剂。粘合剂有两个作用：一是将蟑螂引入盒内，二是将其粘牢在捕捉面上。
引诱剂的调制：将40%的肉粉、50%的面粉、10%的豆饼混合，总量在20克左右，拌好待用。粘合剂是20克松香与10克菜油混合，加热至胶状后，把引诱剂与粘合剂混合搅拌均匀，即制成了粘合剂。
把调好的上述糊状物均匀地涂在已衬上塑料膜的捕捉面上，再按原先画好的虚线向内折，最后把舌片b插在凹口a内。 由于松香与菜油混合物的不干性，可使诱饵的粘性长达一个星期。
将捕捉盒置于蟑螂出没的地方，因为盒内较暗，兼有蟑螂喜欢的诱饵，所以蟑螂会爬进盒内争食诱饵，被粘其上。粘满后，既可将纸盒压扁弃之，又可揭去塑料膜，调换涂有诱饵的塑料膜，使盒子得以再次利用。
若将捕捉盒的尺寸扩大，并将粘合剂的成分稍作调整，加厚涂层便能制成纸制捕鼠器带刷子的干净橡皮擦写错了字，要用橡皮擦。擦完后，纸上总会留下不少碎屑。
不。
4.求毕业论文一篇
对中国传统中国传统绘画与平面设计（以下简称设计），感触最深的莫过于平面设计师了。
设计师不但需要具备中国传统中国传统绘画的基本造型技能与审美意识，更需要具备对形式美法则的特殊理解和创造性的意念。 出于职业的因素，对中国传统中国传统绘画与平面设计的异同性，一种人认为，只要有中国传统中国传统绘画的造型功夫，设计便不成问题；而另一种人则认为，设计就是设计，有中国传统中国传统绘画的造型功底不见得就懂设计。
持前一种观点的人多为美术院校的师生，而持后一种观点的人则一般为职业设计师。本文就此话题谈几点看法，欲起到抛砖引玉的作用。
1.中国传统绘画是个性的表露 中国传统绘画的意义在于创新，而创新只有通过“个性化”才能够得以实现，重复的中国传统绘画没有生命力。回顾中国传统绘画发展史就会发现，无论中国还是西方，每一位杰出的大师都曾经创造过极端个性化的作品。
每一位巨匠都具有自己的典型特征。画家，尤其是现代派画家，他们在创作时可以完全不用考虑其作品的社会性。
在某种意义上说，作品的生命力，正表现在个性化上。通过作者对美的形式法则的特殊理解而存在着。
任何一个伟大的画家，都会有自己独特的审美个性。画家必须 把自己个人的主观意志潜能释放出来，最大限度地表现自我。
这方面，梵高无疑最具典型的代表意义。梵高于他生前极其艰苦的条件下所创造出的大量个性化作品从 未卖掉过，就是因为其作品的极端“个性化”，以致不能被人们所接受。
现代中国传统绘画个性化的表现还体现在五花八门的创新手法上。当今的世界正走向一个信息高度发达的社会，如何反映这一时代特征，是每一个前卫艺术家 思考的问题。
在西方艺术表现形式日趋复杂多样的今天，架上中国传统绘画似乎处于一种低迷的状态。前卫艺术家们为了表现具有个性的独创性，往往将一些不同种类的艺术 式样相结合，以完成自己的艺术创作。
这些光怪陆离的所谓“个性”的艺术品在现代艺术展中司空见惯，艺术家们完全不必考虑观众能否接受，而只表现自己的创 新。 2.依附性是现代设计在商品经济中的本质反映 设计与中国传统中国传统绘画最大的区别在于其对商品的依附性上。
设计作为商品在为市场服务时必须具备“包装”价值与“使用”价值。要想赢得客户的信任与满意，最终实现设计的价值，就必须通过市场竞争的考验，设计得成功与否在于它能否通过美化产品而最终实现促销的日的。
现实中几乎每一位设计师在为客户提供设计服务时，都会尽量去迎合和满足客户的需要。一方面设计师必须站在客户的 角度去揣摩他们的心理，以使自己的设计方案得以通过。
另一方面，客户可能对市场的把握了解远胜过设计师，设计师不得不服从客户对他提出的要求。在设计的过 程中，设计师绞尽脑汁去思考去解释自己的作品，也许自己认为很满意了，但最终的评判还是客户对其设计能否通过。
在这里有一种情形可以肯定，那就是被客户选中的未必就是“好作品”，而未通过的设计不一定就是“坏作品”。我们 常常可以碰到这样的情况，设计师为某一设计出了一组方案，对其中的某个方案很满意，而客户往往选中的却是设计师自认为“陪衬”的方案，最终的裁决权当然是 客户。
设计师只有屈从于他们的“上帝”，这就是市场。 设计对商品的依附性还体现在“市场”是设计的指挥棒。
市场的强劲与疲软将直接影响设计行业的起伏。如1991年海湾战争爆发之初，欧洲主要工业化 国家的生产过剩，消费匮乏，市场处于严重的经济萧条状态，生产停滞不前。
荷兰的顿巴设计公司上门为一些厂家服务时得到的回答是：“经济不景气我们暂时不需 要设计，现有的设计就足够了”。还有另一种情况是，当市场上某种产品在卖方市场状态，产品供不应求，厂家对“设计”也会不屑一顾。
3.对混浊美的追来是中国传统绘画艺术的本质体现 中国传统绘画与设计的区别不仅仅体现任“个性化”与“依附性”方面，还体现在对形式美规律追求的差异性上。 “混沌”一词是“指宇宙形成以前模糊一团的景象”。
中国人喜欢含蓄，认为“含蓄”就是美。“混沌”本身就体现着一种不确定的耐人寻味的特征，这和中国的古哲学与宗教有关。
中国古典中国传统中国传统绘画所表现的“空灵”、“气韵”，以及“墨分五色”，用有限的笔墨表现无限的意境等美学思想，都在于这种“混沌”之美。 这些手法在设计中也偶尔能见到，但一般来说仅是借用中国传统绘画的表现手法，以增强设计的艺术性而已。
它们不是设计的最 终目的。我们从杉浦康平等大师的作品中就可以体会出这一点。
具体来说：杉浦康平为敦煌设计的系列从书，从表面上他是在追求中国画“空灵”、“气韵”之境 界，而更深刻的是他把敦煌中的图形元素，运用现代设计的基本构造原理加以组合。这种“空灵”混沌美的境界只是作为设计的一种手段而不是目的。
希望最终能真 正反映出这套系列丛书的内涵。这充分表示出大师的独具匠心和对中国传统中国传统绘画与设计关系的把握上。
在西洋绘画方面，虽然流派众多，形式各异，但整体精神同样是在追求“混沌美”。古典。
5.我是学艺术设计的,学想做毕业论文,内容是DIY人物形象设计,以布
人设过程与周边
一。人设
1.构思（写写想画个什么样的人啊 有什么特点之类的）
2.草图
3.定稿（这两部分直接上原图 毕设时候画的图都不要弄丢啊）
4.人设的关键 （比如说说要考虑的问题 如何突出人物特点等等）
二。周边
1.周边的制作过程（最好做出实物，不过形象复杂的话实物真的很难做好）
2.周边的好处啊作用一类
最后加个总结啥啥的就差不多
老师应该会给格式和范文的 各个学校要求也不一样 就能帮你这么多了 看运气吧=0=
=========无耻的分割线===========
= =无耻的弱弱的说我乃三维人士。。写的不好不要打我
6.怎样上好美术手工制作课教学论文
课的课堂教学效果，更好地培养学生的创造能力呢？一、充分做好课前准备 备好课是提高手工制作 课的课堂教学效率和教学质量的前提。
因而教师要认真钻研教材，紧扣教学大纲，明确教学目标，抓住教学重、难点。要做到这一点，关键是教师要搞好示范讲解。
所以教师必须提前制作，理顺制作方法、步骤，弄清制作过程中的重点难点之处。这样，课堂上示范操作才能真正做到规范、准确、熟练。
二、导入新颖，激发情趣 少年儿童有着强烈的好奇心和求知欲。处在这一时期的儿童其思维正在由形象思维向抽象思维过渡，因此对具体事物的形象感知要强些。
实物导入无疑是手工制作 美术课教学导课的最佳方式。例如教学《小衣服》制作，教师事先拿出做好的纸衣服问学生：这件小衣服漂亮吗？（回答：很漂亮）这件小衣服是老师自己做的，做起来也不太难，老师想把方法也教给你们，愿意学吗？（回答：愿意）好！下面就请你们跟老师学。
这样，一下子把学生注意力吸引到你的教学上来。 三、示范讲解要做好示范讲解 为小学美术课的重要环节，更是手工制作课教学的关键，因为教师的示范讲解是学生模仿操作顺序进行的前提。
这一环节的教学，演示的可见程度要大，面向全体学生，讲解的措词要得当，浅显易懂，看听 结合。示范讲解要突出重点，突破难点。
如泥工制作小动物，成形和着色 既是重点，又是难点。成形示范动作要慢，充分集中学生的注意力看好，边示范边讲解，何处担接削剐 四、模仿操作，反复实践 学生的模仿操作反复实践，形成技能，是小学美术手工制作 课堂教学的目的。
所以这一环节也就是手工 课教学的中心环节，在教师示范讲解的基础上，指导学生模仿操作。第一，提出实践要求（特别是安全纪律） ，明确操作要求要领。
第二，根据小学生好动、注意力不集中、兼顾性不高这一特点，最好分步实践，教师分解制作步骤，示范讲解，学生模仿操作完成实践形成技能。第三，要求学生进行想象创造，以培养学生的想象力和创造力。
如《卷筒动物》制作小花狗，可将身子、头、四肢的制作步骤及着色进行分解，教师示范讲解与学生的模仿操作交叉进行。完成这一实践后，可让学生创造制作与小狗形似的别的小动物，提示不一样的地方，反复练习，可以使学生掌握这类制作的方法步骤，形成技能，有效地锻炼学生的手部小肌肉，同时培养学生的想象力和创造力。
总之，手工制作 课作为小学美术课的重要课型，只要充分做好课前准备，注意激情导入，努力做好示范讲解，正确指导学生模仿操作就能使学生的能力有所形成。
7.有关动漫设计的毕业论文~ （急啊
毕业设计注意事项：
(1)毕业设计的过程书写成论文形式，篇幅不得少于20页，A4纸张。
(2)毕业论文完成后必须打印并装订成册。
(3)毕业设计作品中有3D作品、视频作品等需电脑播放的都需要刻盘并连同毕业论文上交，光盘上注明学生班级姓名。论文中还需要有制作过程的关键步骤的截图。
(4)制作效果图时不要拘泥于软件自身功能，可充分使用插件或其他工具软件结合，但论文中需要对所使用软件进行简单介绍。最终效果图要彩色打印，并注明班级、姓名、指导老师，装订进毕业论文中。
(5)关于毕业论文的格式要求必须严格按照要求排版、装订。
毕业论文格式要求下载：/DownDetail.Aspx?Id=20>
毕设题目：（10选1）
1、中国动漫文化的发展与前瞻
具体要求：
1） 客观分析国内外动漫的发展历程，尤其是中国在动漫行业的发展状况及优势和劣势
2） 剖析动漫发展的现存问题
3） 结合国外如美国和日本的动慢产业成功经验，对中国动漫的发展给出建设性的意见。
框架可仿照如下：
一、中国动漫产业发展概述
二、当前中国动漫产业存在的主要问题及原因
三、国外动慢产业的发展优势
四、中国动漫自身发展的优势
五、对中国动漫产业的见解
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9.求助：关于小学美术论文一篇..
《美术新课标》指出：“美术教学要指导儿童自行获取知识，发展能力，加强实践和创造活动。”
要让学生富有创造精神，就要给学生一定的自由空间，有拘无束地独特思考的过程。通过教学实践和经验的积累，我深刻体会到“互助教学”在小学美术中发挥独特的作用。
下面笔者就如何恰当地在美术教学中实施“互助互动”这个问题，谈谈自己的做法和体会： 一、运用互助互动，进行想象能力的互补。 想象是人脑对已有表象进行加工改造而创造新形象的过程，表象是想象的材料，表象的数量和质量直接影响着想象的水平，表象丰富，想象就开阔而深刻，表象贫乏，想象也就狭窄而浮浅。
人们常说众人拾柴火焰高，三个臭皮匠顶个诸葛亮。如果能同心协力讨论如何解决问题，那一定会使问题迎刃而解。
例如我在上苏教版小学美术第11册第4课《杯子的设计》时，让他们从杯的形状、材质、作用等方面谈谈自己的设想，畅所欲言，可以在他人设想的基础上再加上自己的想法，比比谁想得更出色。他们有的说制作一个带有蓝猫的杯子。
看到喜欢的杯子，就想起喝水。有的说在制作一个能在太空中用的杯子，还能保温。
国家与国家间的友谊杯，还有各式卡通杯、水果杯、学习杯。在学生讨论互动的情形下，学生的创新思维一发而不可收。
也带动了一些思维并不活泼的同学，最后，学生的作品设计的都不错。还有同学得了小小设计师的美誉呢！ 二、运用互助互动，进行创作能力的互补。
在美术教学中，利用实物为发散点，开拓学生的形象思维，从而扩散出与图形或实物有关的近似而不相同的很多种新形象。课上经过学生交流，学生脑中的印象深刻了，可以着手自己动手绘画或者制作了，这时，再进行小组合作。
例如我在上湘教版小学美术四年级上册第5课《蔬菜的联想》时，采用小组合作的方式，一方面，组内成员多，带的东西也就积少成多了，有的同学可能自己带的不够或是某一类多了，那就可以选择自己需要的蔬菜。另一方面，可以合作，大家出谋划策，进行添加，完善，使作品更加完美。
让大家体验合作成功的愉悦。结果用茄子做的企鹅，用油菜做的鱼，用菜花做的绵羊等等还真栩栩如生呢！之后，有不少学生还在课后写了一篇日记，介绍了制作过程，还在学生刊物发表了呢！这就是合作的作用和乐趣。
我在上《纸品乐陶陶》、《有人脸的器物》、《衣架的联想》、《便签盒的设计》等彩纸作品、泥塑作品、综合材料作品时，也采用合作的方式，学生情绪高涨，制作出了比较大的或者组合作品，在愉悦的氛围中体验到了创作的乐趣。不仅手工可以协作，绘画当然也行，根据课的需要，在一张大画纸上，几个同学一起通过分工，合作，也能绘出比平时更大更美的作品。
四、运用互助互动，进行审美能力的互补 《义务教育小学美术新课程标准》中指出：“美术课程应适应素质教育的要求，面向全体学生，以学生发展为本，培养学生的人文精神和审美能力，为促进学生健全的人格的形成，促进他们全面发展奠定良好的基础。”对于小学阶段的学生来说，他们的审美能力较弱，审美意识还很模糊，而这一阶段却是进行审美教育的黄金时期，学生通过上美术课，不但要掌握一定的绘画规律和认识能力，还应该逐步的提高和具备发现艺术世界中的美的能力。
同一题材的美术作业由于每个学生的想像力和表现能力不同，所以画面无论从构图上，还是从色彩上，还是在想法上也完全不同。所以有他的特殊性，也造成了评价的不一。
学生的美术作业有可能画得“很好”，但不应有“最好”。教师不能用自己主观臆断去评价。
扼杀孩子自身的想法。因此在美术课的最后几分钟组织小组讨论，进行互评、互议是很有必要的。
在这一过程中，学生对自己的美术作品评价较为客观细致，充分地让他在同学面前表现自我，评价自我，同伴之间进行借鉴学习，有利于培养孩子宽容的合作精神及敏锐的审美鉴赏力，也给了学生一个展示自己作品的机会。这种让学生直接投身于审美创造的实践活动，更能锻炼他们的审美创造能力，提高审美意识。
取他人之长，补自己之短，达到主动探索，共同提高的目的。 五、运用互助互动，进行其他知识的互补。
我们说绘画来源于生活，跃然于纸上的作品往往是经过观察生活而表现出来的生活的再现，或是高于生活的再创造。所以在美术课伊始，可以采用交流的方式，进行生生互动，获得自己未知，而其他同学所知道的知识，提高学生绘画思维的发展。
例如我在教学湘教版小学美术四年级第8课《剪纸的故事》时，让学生在课前收集有关故事资料，他们兴趣很高，有的是拍的照片，有的是挂历，有的是科普读物，有的是画报，来源各不相同，收集到的故事也是五花八门，但个 人收集到的毕竟是有限的，没有集体的力量大。于是我就让同学之间进行介绍交流，使他们尽量看到更多的故事，这对他们能表现本课剪纸故事打好基础。
绘画来源于生活，只有有更多的生活储备，才能厚积而薄发，创造出自己满意的作品。 总之，在“互助教学”中，学生处于放松状态，不用时时刻刻揣摩老师的意图，然后察言观色地回答问题，而是可以充分地展示自我，个性张扬。
10.求有关工艺品的毕业论文
工艺品 gōngyìpǐn(1) [artware]∶指既实用又艺术化的物品（如零星装饰物）（2） [workmanship]∶手工劳动制成的产品 这些屋顶都是辉煌的工艺品 漆器 漆器是古代人们日常生活中应用十分广泛的物品；由于漆有耐酸、耐碱、耐热、防腐等特性，因此很早就被人们利用。
我国为是世界上用漆最早的国家，《韩非子• 十过》篇述虞舜做食器“流漆墨其上。禹做祭器，墨漆其外而朱画其内。”
原始社会晚期遗址中发现了漆制实物。在古代种植漆树相当普遍，战国大哲学家庄子就曾担任过管理漆园的官职。
早期漆器一般在简单木、竹胎上髹涂，既可防腐，也可用于装饰。随着漆工艺的发展，逐步出现在各种器物上彩绘、描金、戗金、填漆等，或在器胎上髹漆至一定厚度，再在上面雕刻图案的作法，还有的在漆器上镶嵌金、银、铜、螺钿、玉牙及宝石，以组成华丽的花纹，千文万华，纷然不可胜识。
唐代的金银平脱，宋代的一色漆器，元代的雕漆，明代的百宝嵌，清代的脱胎漆器等，都是各代有代表性的特色名品。陶器艺术 造型艺术之一。
陶瓷系由粘土或以粘土、长石、石英等为主的混合物，经成型、干燥、烧制而成的制品的总称。陶瓷艺术即指陶瓷日用品、陈设品的烧制工艺及造型、釉色和装饰等所呈现的艺术特点。
远在新石器时代，就已有风格粗犷、朴实的灰陶、红陶、白陶、彩陶和黑陶等。商代已出现釉陶和初具瓷品性质的硬釉陶。
彩陶便是我国最古老的工艺美术品。而真正瓷器是创制于东汉时期。
唐代陶瓷的制作技术和艺术创造已达到高度成熟。宋代制瓷业蓬勃发展，名窑涌现。
明清时代陶瓷从制坯、装饰、施釉到烧成，技术上又都超过前代。我国陶瓷至今仍兴盛不衰，质高形美，釉色、饰纹、造型均具高度的艺术价值，宜兴的紫砂壶，石湾的陶塑，界首的三彩釉陶，淄博的绛色陶，铜官的绿釉陶，崇宁的雕镂釉陶，德化的瓷雕，景德镇的柳叶瓶、凤尾瓶等，均闻名于世。
陶器 指用粘土成型，经700℃—800℃的炉温焙烧而成的无釉或上釉的日用品和陈设品。具有音哑、不透明、吸水等特点。
按粘土所含成分的不同，坯体呈白、青、褐、棕等色。最早出现于新石器时代，有灰陶、经陶、白陶、彩陶、黑陶等。
随着制陶术的发展和提高，其后又出现了印纹硬陶、铅釉陶、三彩陶等。陶器至今仍兴烧不衰。
在陶器上赋与人物形象，花鸟等，并施以不同的颜色，就形成了彩陶。在唐三彩制品中，彩陶常常和三彩结合在一起，在我国出土的古物中多见，故现今的仿古工艺中常结合使用。
其实唐三彩严格来说也是陶的一种。河南洛阳的代表作品---工艺品中除三彩外，还有黑陶（兵马俑）及彩陶和红陶。
著名陶器 我国陶器比较重要的有：江苏宜兴的紫砂陶器，主要是茶具、酒具、文具等实用品；广东石湾的陶器，多系陶塑的人物、动物及花果等陈设品；安徽界首的三彩釉陶；山东淄博的绛色陶；湖南铜官的绿釉陶；四川崇宁的雕镂釉陶和荣昌的素烧陶器；云南建水及甘肃天水的本色陶等。瓷器 指以粘土配适量长石、石英（或瓷石）为原料制坯体施釉，经1200℃—1300℃窑温在还原气氛中烧成的器皿。
具有胎质致密坚硬，断面有光，薄层透光，胎色白或浅灰白，吸水率微弱或不吸水，釉层较厚达0.1毫米以上，青釉纯正，釉面光润，敲击声音清脆等特点。创制于东汉时期，是我国古代伟大发明之一。
浙江上虞“小仙坛”发现东汉瓷窑遗址，对其青瓷残件测试的结果表明，胎色灰白，胎质坚实细致，烧成温度达1300℃，吸水率低于0.15%（已达到现代细瓷吸水率标准），胎的薄层微透光，烧结良好，釉的玻化良好，胎釉结合牢固，釉层厚度为0.1—0.2毫米，淡青色釉，纯正美观，釉面光亮，达到瓷器标准要求。至唐已达成熟，南方越窑青瓷、北方邢窑白瓷最著名。
宋代制瓷业蓬勃以展，瓷窑林立，名窑涌现，定窑、汝窑、官窑、哥窑、钧窑、景德镇窑、龙泉窑，所烧的白瓷、青瓷、青白瓷，都各具特色。元以后景德镇窑成为瓷业中心有重大发展。
瓷器品种丰富，有青白黑紫黄绿红蓝等高、低温色釉瓷以及青花、釉里红、斗彩、五彩、粉彩、珐琅彩等装饰的彩瓷。瓷器品类通常分为日用瓷、陈设瓷、艺术瓷等。
民间工艺 劳动人民为适应生活需要和审美要求就地取材而以手工生产为主的一种工艺美术品。品种繁多，如竹编、草编、蓝印花布、蜡染、木雕、泥塑、剪纸、民间玩具等。
由于各地区、各民族的社会历史、风俗习尚、地理环境、审美观点的不同，各有不同的风格特色。装饰绘画 广义指凡属于器物装饰方面的绘画。
狭义指装饰壁画、商业美术中的广告画等。装饰绘画偏重于表现形式的装饰性，和一般写实的绘画不同。
商业美术 向客商推荐商品的一种设计美术。运用不同的形式与方法，介绍商品的性能、特点、用途，包括各种商品造型、装潢、广告，橱窗陈列，及其他有关宣传品的设计制作等项目。
纹样 器物上的装饰花纹的总称。一般分为˙单独纹样、˙适合纹样、隅饰纹样（即角隅纹样）、˙边饰纹样、散点纹样、连续纹样（包括˙二方连续、˙四方连续”）等。
印经 印染工艺之一。将织物经线按照设色要求，把不要染色的区段用包裹物包扎，然后进行染色，使经线。
多媒材绘画毕业论文(求一篇关于夏尔丹绘画中的情感因素的毕业论文)
1.求一篇关于“夏尔丹绘画中的情感因素”的毕业论文
用来参考吧 夏尔丹的艺术一生是先以静物画登上画坛，获得了美术院士荣誉，后又转为风俗画，又一次饮誉巴黎画界，40岁以后 又回到静物画创作，成为后半生主要题材。
夏尔丹的生活不幸与幸运共存，他的前妻和女儿同日去世，继妻的孩子又夭折，这种打击是常人难以忍受的，幸而继 妻待他十分温厚，他在画坛受人尊敬，被法兰西艺术院任命为司库和沙龙负责人，但画家将悲喜皆深埋于心底，把情感投入 到静物创作中去，与各种物品亲近交流，为它们传神写照。 夏尔丹为人谦逊、待人宽厚，他的一生几乎都是在巴黎的塞纳大街等几个街区度过的，难得去过一次卢浮宫。
对于官 方授予他的勋章和优厚待遇，他都无动于衷，即使在美术院任司库和主持沙龙，他从不迎合上流贵族，别人对他褒贬，他都 置之度外，身为名家从不炫耀和借此抬高画价，只是执着地走自己的艺术道路。 这幅自画像作于76岁，他对自己既不美化也不丑化，只描绘了真实的自己，我们从他那包裹得严紧的头部中看到的是 一双炯炯有神的眼睛，充满自尊与自信，我们看到这位画家的平凡外貌下藏着一颗从不为世事成败所动的心。
他平静地对待 一切，直到临终前，叫人为他刮干净胡子，敬候上帝的召唤，他于1779年 12月6日，度过了整整80个春秋，永远离开了人世。
2.求两篇绘画艺术欣赏论文,每篇字数800字左右
中国画中的宝藏 ——记五代顾闳中《韩熙载夜宴图》五代十国，一个动荡、分裂的年代，一个多少人流离失所，彷徨失措的年代。
正因为如此的纷争，让众多的百姓困苦不堪，也让一心为国的政客逐步的消沉。这个时代的绘画，对意境的追求和对情趣的探索，使山水画与花鸟画得到新的发展，预示着绘画将由叙事状物转向抒情达意的更高层面。
五代人物画也更为精进，融汇了秦汉的纯朴豪放，魏晋的隽永含蓄，逐渐将大唐的恢宏绚丽淡化疏朗简雅的风尚。人物画要求生动地再现现实的事件和人物，在客观上直接促进了写实技巧的发展。
《韩熙载夜宴图》中的主人翁韩熙载是一位很有才华的官员，出身北方望族，唐朝末年登进士第，懂音乐，擅长诗文书画。工书善画，而且富有政治才能，但是，此人蓄养歌伎，纵情声色，家里常常云集宾客，时时饮宴，常常酣歌达旦。
把一腔苦衷寄托在歌舞夜宴之中。权弱的后主李煜倚重韩熙载，想用他为相，又不放心。
原来，当时国家分裂，南北分治，南唐国势衰弱，北方强大的后周对南唐构成了严重的威胁。后主李煜对那些在南唐做官的北方人心有猜忌，生怕他们存有二心。
近日，有人向后主李煜报告，今晚又有一些朝中官员要去北方籍大臣韩熙载家聚会。后主李煜心存疑惑，为了了解真实情况，于是派顾闳中深夜潜入韩宅，了解一下他的背后活动情况。
《夜宴图》纵28.7厘米， 横335.5厘米。绢本设色。
以韩熙载为中心，全图分"听乐"、"观舞"、"休息"、"清吹"及"宴散"五段。各段独立成章，又能连成整体。
第一段写韩熙载和宾客们宴饮，听教坊副使李家明的妹妹弹琵琶。第二段写王屋山舞“六么”，熙载亲自击鼓。
第三段写客人散后，主人和诸女伎体息盥洗。第四段写熙载更便衣乘凉，听诸女伎奏管乐。
第五段写一部分亲近客人和诸女伎调笑。头两段最传神，主宾或静听、或默视，集中注意于弹琴者的手上和歌舞者的身上。
击鼓打板的都按节拍演奏，似乎还有声韵传出画外。由于顾闳中观察细微，把韩熙载夜宴达旦的情景描绘得淋漓尽致，五个场景，四十多个人物音容笑貌无一不活脱绢上。
画面中乐曲悠扬，舞姿曼妙，觥筹交错，笑语喧哗，更突出了韩熙载心事重重，悒郁无聊的精神状态， 每段中出现的韩熙载，面部角度、服饰、动作表情各有不同，但有一点相同，脸上没有笑意，总是深沉、忧郁的。把一个才气高逸，但神态抑郁，既置身于声色之中，又韬光养晦，矛盾复杂的内心世界刻划得入木三分。
与一般宴乐图比较，具有一定的思想深度。 实际上，它不仅仅是一张描写韩熙载私生活的图画，更重要的是它反映了那个特定的时代风貌，揭示统治阶级内部矛盾。
也从一个侧面，十分生动地反映了当时统治阶级的骄奢淫逸。 这幅画采用了我国传统表现连续故事的手法，随着情节的进展而分段，以屏风为间隔，主要人物韩熙载在每段中出现。
通过听乐、观舞、歇息、清吹、散宴等情节，叙事诗般描述了夜宴的全部情景。画家在构图上作了精心安排，每段一个情节、一个地点、一个人物组合，每段相对独立，而又统一在一个严密的整体布局当中，繁简相约，虚实相生，富有节奏感，图中三个屏风绝不雷同的处理方法体现了画家巧妙的构思。
人物的趋向动势变化丰富，疏密向背有致，神态动静相宜，全图之势蓄于画卷之内，紧密而富有张力。第三段景物中安置了一枝烛台，红烛高照，点明了《夜宴图》特定的时间，而并不精心描绘夜色，这种中国传统式的意象表现手法与方式共同构成了一种“有意味的形式”。
画家对人物的刻画尤为深入，以形写神，显示出高超的艺术水平。五代人物画中肖像画的技巧前所未有地发展，顾闳中就是一位著名的肖像画家。
古代称肖像画为“写真”，“真”就是指对象内在的精神本质，即“神”，具备了高超的写真技巧，对创作人物画来说自然是得心应手。通过对不同对象的形体姿态、目光手势的相应描绘，画中人物有的弹奏舞蹈，有的按拍欣赏，情态生动。
而对主人公刻意描绘，曲尽神形。韩熙载形体高大轩昂，长髯，戴高巾，从倚栏倾听，到挥锤击鼓，直到曲终人散，各个不同的场合始终眉峰双锁，若有所思，沉郁寡欢，与夜宴歌舞戏乐的场面形成鲜明对比，表现了韩熙载复杂的内心世界，刻画了人物特殊的个性，十分传神，由此深化了《夜宴图》的内涵。
无论是设色还是用笔，《夜宴图》的表现技法堪称精湛娴熟。古人善用矿物质颜料作画，历经岁月的磨砺依然璀璨夺目。
《夜宴图》多处采用了绯红、朱砂、石青、石绿等色，对比强烈，而整个画卷统一在墨色丰富的层次变化中，色墨相映，神采动人。作者在用笔着色等方面达到了很高水平。
全画工整精细，线条细润而圆劲，人物衣服纹饰的刻画严整又简练，对器物的描写真实感强。设色既浓丽又稳重.比例透视有法度可寻， 是一幅有重要历史文物价值和杰出艺术成就的古代人物画精品。
就这样顾闳中利用皇上的猜疑和韩熙载的无奈完成了一副旷世奇作。没有过多的修饰，却用极其热闹的场景和层次渲染了一副静中沉闷又各怀想法的奇妙作品，在经历如此多的朝代后，《韩熙载夜宴图》也必将承担着国画重任，让中国。
3.给篇随便一副有关外国绘画作品的论文,1500字以上
依萨克.依里奇.列维坦（1861——1900），杰出的俄罗斯
风景画家，曾经在莫斯科绘画雕塑建筑学校求学。从1884年
起，在巡回展览会上展出他的作品。1891年成为该会会员，
1898年起他是风景画研究员。列维坦塑造了俄罗斯大自然无
与伦比的、情感洋溢的形象，在大自然最为平凡的题材和场
景中刻划和显示了无与伦比的美和表现力。列维坦的创作是
在前期的巡回展览画家现实主义艺术传统的基础上成长起来
的。
列维坦的作品非常注意细节的表现，在风景中加入了风
俗画的因素。他很早就给自己规定了首先要揭示出大自然的
气氛的任务，力图在大自然的形象上表达出人类的情绪与感
觉，揭示大自然具有生命的深刻意义。画家深入细致地研究
了大自然，全神贯注地观察了大自然，力图把光线和大气作
真实的表达。
列维坦的的艺术，是非常现实主义的、客观的。他的刻划入微的抒情，真实的反映了大自然的风貌，表达了为每个人所惯有的、易于理解的感受。列维坦的创作，为概括的再现大自然的风景画树立了典范。
列维坦的《金色的秋天》我临摹不止一次了。该画描绘了俄罗斯无比美丽的秋天景色，他的这幅油画的构图被认为是风景画中的“典型构图”，引发了多少后人的临摹学习。我可以自豪的说，我所向往的、所临摹的第一幅油画风景，就是《金色的秋天》！这都是二十多岁时的事情了。
列维坦的作品与希什金的作品有着不同的特点，我觉得，列维坦的作品更据有社会性，并不局限于“展示祖国地方的丰饶的庄严风景”。他的现实主义的、民族的艺术，在世界的风景画史中据有崇高的地位。
4.美术和当代生活的论文
古典文学常见论文一词，谓交谈辞章或交流思想。当代，论文常用来指进行科学研究和描述科研成果的文章，简称之为论文。它既是探讨问题进行科学研究的一种手段，又是描述科研成果进行学术交流的一种工具。它包括学年论文、毕业论文、学位论文、科技论文、成果论文等，总称为论文。
论文一般由 题名、作者、摘要、关键词、正文、参考文献和附录等部分组成，其中部分组成（例如 附录）可有可无。
论文题目
要求准确、简练、醒目、新颖。
目录
目录是论文中主要段落的简表。（短篇论文不必列目录）
内容提要
是 文章主要内容的摘录，要求短、精、完整。
1、先确立一个论点。全文围绕这一论点展开论证。对“开卷有益”这种说法，既不能全盘否定，写驳论文；也不宜全盘肯定，写成立论文。因为这种说法既有它正确的一面。又有它不够全面的地方，所以对这个看法要采取“一分为二”的方法进行分析，肯定其有益的一面，否定其有害的一面，从中总结出正确的论点来。只有这样才能对这一说法作出合乎事实的评价，最终达到以理服人的目的。
2、运用“一分为二”的方法进行分析，要防止出这样一个毛病：自相矛盾。一会儿说开卷有益，一会儿说开卷有害，令人不知所云。为了避免这种现象，文章中还要将二者的联系点明，才算把道理真正说透。
3、从论证方法看，如果所读的书是坏书，则开卷未必有益，这里可以采取例证法，并辅之以引证法和喻证法，用前几年社会上黄书泛滥成灾毒害青少年作为事实论据，用名人名言作为理论论据，充分论证黄书的害处和读好书的益处。在此基础上，再把这两者辩正地统一起来。说明我们中学生既要多读书，又要慎重地加以选择、读好书。这样从正反两方面进行论证，就将问题说得比较全面而深刻，文章也就具有了不可辩驳的逻辑力量。
5.求一篇关于美术作品赏析的论文,3000字左右
《撑阳伞的女人》Femme a l'ombrelle 作者： 克劳德 莫奈 Claude Monet 印象派是19世纪中叶欧洲艺术从现实主义向现代主义过渡的重要阶段，印象派画家以创新的姿态登上法国画坛，其锋芒针对陈陈相因的古典画派和矫揉造作的浪漫主义。
以"光为画面主角"的印象派最伟大的大师莫奈曾经画过二幅《撑阳伞的女人》，一幅作于1875年，一幅画于1886年。 首幅画里的采用仰视的角度来表现画面的人物，女人半侧着身子，衣褶因为她的转动也在旋转，动态的呈现着这一微妙的动作，而平衡女子动作的是她手持的阳伞。
阳伞的灰绿色调与天空融合在一起把人物既与画面结合又使人物跳出背静那澄明的天空动感在人们眼前。画面中的远处的小男孩儿又拉深了画面的层次感，不仅突出了撑阳伞的女人也把远处的天空显得更加高远。
但，在印象派中"光才是画面真正的主角"。在这幅画中，采用原色并列、重叠和补色手法，形成新的绘画语言。
为了表现物体的动态变化和光色的斑斓绚丽、光怪陆离，画家采用小笔触和色调并列方法，有些颜色不再在调色板上调配，而是黄、蓝并列，时而重叠，并把黄和绿、蓝和橙色补互对比，使色彩在强烈视觉冲击中产生新的和谐。 光与影正是依托于这两个人物跳跃穿梭在人们眼帘中的。
女人身后的天空如同水一般透明多变，仿佛一指就可以戳破。 阳光透过湛蓝的天空洒到女人的衣裙上，正因为光影的作用，女人的上半身色调昏暗表明她处于伞的阴影之下。
微风扬起的裙袂上有莫奈最擅长捕捉的光与影——蓝天的光彩、女子脚边墨绿的草与淡黄的花朵的颜色。它们反衬在女子的裙子上，袖肘上。
女子脚下顺着微风倾斜的花草，仿佛可以闻到泥土与花草混合的清新气味。 用模糊大块的笔触来描绘，是莫奈在绘画技法上的一大特点。
这也是印象派不注重所描绘的主题本身而注意光影的需要所产生的必然结果。在这幅画中，我们尚且可以看出撑伞女人的外貌，但是她和她构成三角型起稳定画面作用的儿子的面貌却被简化成了仅有两个黑洞洞眼睛长相的人。
可是，也正因为这样，我们不必纠缠在画面的技法上而能把更多的心思花在画面所传递的，清晨，母亲和孩子散步的惬意及其中的微风，蓝天那种恬静美好当中。 所以印象派的胜利在于它不仅仅是开拓了一条奇路使人们耳目一新更在于它可以把画家自身的感受记录下来传递给他人。
这种心灵上的震撼是其他流派所无法比拟的。 从中也可看出当时莫奈初期作品风格强调瞬间的感官色彩来搭建一座用色彩构成的绚丽的世界。
突破当时束缚绘画的古典主义，把绘画从单纯的照物写实中解放出来，开拓了一条用眼睛捕捉"瞬间美好"的新的绘画流派。 作于1886年的《撑阳伞的女人》和第一幅画在构图上相差不远，人物在衣着上更是如出一辙。
但，比起第一幅，人物处于更次要的位置，印象派很少画人物，风景中的色彩变化才是莫奈的永恒主题。所以第二幅《撑阳伞的女人》足以看出莫奈及整个印象派的走向。
画中大块的墨绿和棕红的，凝重的颜色。不再看见早期注意天空光影的纠缠和光影对人物的影响，换而之是大块更大块的颜色铺成一幅画甚至连人物本身都只是画中颜色的一部分（上一幅中女人的尚可辨认的面目在这里彻底被简略掉）。
或者说我们可以感受到画面里的风不再是清晨的微风而是夕阳落下的晚风，吹的人物身后的云彩在大块急速的运动，炽热的阳光照在草上淹没了女人的脚，女人上半身因为撑阳伞形成的阴影和下半身被阳光照耀仿佛要燃烧的裙子形成强烈的对比，加上飘扬的纱巾给人以视觉冲击。 两副几乎同样的以撑阳伞的女人为主题的作品，但是意境却相差万里。
这就是印象派的核心所在——此时此刻的光和影。而光与影永远在变，水中的浮光掠影，空中的色彩万千，地上的花朵妖娆。
不变的是对影的捕捉对光的追随。 这件作品是莫内早期的印象技法画作。
画面正中偏右站着一位撑阳伞的女仕，而画面偏左较远处的就是她的儿子。这是一个晴天的早上，两母子在草地上漫步。
整幅画只用了简单的蓝、绿、棕等自然的色彩，给人一种宁静舒适的感觉。画中的女仕占了画面大部份的空间，成为画的趣味中心。
但左侧的小儿子与阳伞和女仕也构成一个三角形，得到一个平衡的作用。 虽然此画是莫内早期的作品，但也可见他已很好地捕捉光影和画中的瞬间印象感觉。
画中女仕面部和上半身都用上较暗的色彩，表明是处于阳伞的阴影之下。而整个阳伞、面部、衣裙和草地上的阴影区，与女仕衣裙上向光一面的光影形成对比（小儿子方面也一样），就如现实中看到的一样。
另外，女仕摆动的头巾和长裙上的绉褶也加强了画面的动感。
6.求一篇装饰画毕业论文 要求写 形式 概念 创造理念 体会 认识 3000字
一、装饰画的内涵定位
要学习装饰画必须了解装饰的含义。“装饰”一词包含多方面的范畴，装饰和装饰美是人类为自己创造的特有的审美文化，装饰出自人类爱美的欲望。装饰的本质就是“美化”，但从本质到现象还需要若干“中介”加以限定。一切艺术皆源自装饰，装饰与艺术是不可分割的。艺术家本身也是手工艺人，这种状况从旧石器时代一直持续到欧洲文艺复兴，而后来美术家与工匠的分离是随着社会生产力的解放、社会观念的发展日益变为现实。装饰作为一门独立的艺术形式，开始被人们所承认。法国装饰派艺术同德国包豪斯倡导的新功能主义，恰恰说明了工业也是工艺。现代主义设计不能否定装饰，如同它注重几何形态而排斥了具有生命的有机形态，就使得其设计失去了表现人类情感和生命力的一个重要方面，也失去了本可以给几何形注入情感的一种方式。从包豪斯学院首任院长瓦尔特·格罗皮乌斯的宣言中，我们可以得到证明：包豪斯的早期比后期更注重手工艺。艺术家和手工艺人之间没有本质区别。但是，手艺娴熟对于每一个艺术家来说都是必不可少的。这正是富有创造力的想象源泉之所在。我们今日的设计应重新看待装饰。在中国传统文化中，新石器时代的彩陶文化、战国的青铜器、汉代的漆画装饰、秦汉画像砖、唐代的唐三彩……可以毫不夸张地说，中国美术的发展史就是一部包含着无数艺人工艺装饰创作活动的盛衰史。所以，从根本上说，现代装饰艺术是诞生于我国的工艺美术创作中，是美术不可分割的部分。所以，装饰画也就是对一切具有装饰性的绘画而言，因此，不论是国画、油画、水粉画、版画、漆画、镶嵌画等，甚至是单色的线条和块面，只要按照形式规律而不单是按自然规律作画，并具有一定装饰效果，都可被看作装饰画。
二、装饰画的形式和内容
在介绍装饰画概念时，我们强调的是按照形式规律而非自然规律，若单纯从装饰艺术的功用来讲，只要满足了装饰功用，形式上达到审美需求就可以了。然而单纯从形式上只能有构造的差异，该如何界定美与丑呢？这就牵涉到审美习惯上去了。然而审美习惯却是因人而异并受教育、文化习惯、社会心理等诸多因素的影响，归根结底就是涉及内容。有人提出，装饰艺术创作是艺术家思维活动与体力劳动的结果，怎么会缺乏内容呢？必须澄清一点，从广义上说，人的一切活动皆反映其思想，是有“内容”的，所以一切艺术作品无论抽象具象皆是有容之物。笔者所指的“内容”是相对于“形式”而言。所谓“形式至上”，是指艺术作品形式与内容之间严重脱节，把两者割裂开来，给人的印象只有抽象的形式，而内容则毫无头绪。不少抽象作品是属于这种类型的，观众很难从作品中看到作者的思想和创作意图。目前，在装饰艺术领域，对于装饰艺术的表现手法及艺术的表现形式与内容的关系上，存在着几种相当普遍的片面认识。一是把艺术创作中采用的民间表现手法看作为界定作品具有传统性的标准；二是认为现代装饰艺术作为一种“纯形式”的艺术，其任务即创造前所未有的“新鲜”形式感，至于内容则位居其次或可有可无。对这两个问题如果不能很好地理解清楚，则对我们认识和理解现代装饰艺术是一种阻碍。笔者提倡现代装饰艺术中把形式与内容统一起来，反映美感的同时引发观众的联想和思考，“让作品去说明问题”应该成为艺术家创作的座右铭。所以装饰画既是审美文化的形象表现，又受到装饰对象、环境、功能、材料适应性与内蕴性的影响，结果就是其形式表现为审美创造的极大自由和多姿多彩的艺术风貌。如今，国画家吸收了西画法的养料，西画家借鉴了国画法的手段。宣纸上可以绘出油画的色彩、厚度、调子，画布上出现了线条、墨色、韵律，五花八门又兼容并蓄。装饰画在技法、内容、形式上具有较大的包容性和宽泛性。
三、装饰画的构图
装饰画常用“饱满型构图”。饱满，顾名思义，即丰满、丰富、充实。饱满型构图基本上是沿袭传统的方法，其画面的构成其实是在传统绘画的基础上作密集、丰满的处理，即描绘的画面物象丰满而充实。饱满型绘画是当下众多中国画家为区别于传统中国画构图所采用的一种通用绘画构图形式，其画面丰满、丰富、充实，也符合现代人的审美习惯和标准。当这种饱满式的构图一出现，即引起了画家们的广泛关注，从而争相尝试。所以这种“饱满式”的绘画构图形式，一直成为当今中国绘画的新传统，这种形式还会是以后相当长一段时间内中国画家所采用的一种绘画形式。
7.中西方绘画艺术差异（论文）
中国的画是写意！她是在写实的基础上 而外国的画是写实 他没有达到中国画的境界 中国画的境界更高一些 中国画是在似与不似之间的 太似那就太俗 不似那就不是画 中国画突出一个意境她是一种更高的表现手法 解说词：西方绘画艺术概括地讲有两大派，一是写实派或称具象派，认识和把握自然的方式是纯客观的，始终贯穿着以科学精神为基础，画家观察研究自然的方法主要是对景写生。
要求对象、光源、环境、视点四固定，即创作时对客观景物的位置、视点只能选择，而绝不能在画面上随便移动，以求严格按照物理、光学原理，科学准确地再现三维空间的客观世界，并把运用和体现透视、解剖、光彩原理的准确程度当作衡量艺术质量的重要尺度。所以，画家的功夫都用在眼睛所能看到的物体和光影上，不允许增加任何个人的意念和想象。
随着科学技术的发展，又出现了表现X光、红外光谱、光速、激光照明效果等，用肉眼看不到的内容和画派，意在进一步从画面上体现科学技术的最新成果。二是抽象派。
西方艺术贯走极端，艺术家们在对具象写实感到厌倦以后，从印象派开始，仅在数十年内，有些人就从具象这个极端急剧转到抽象——另一个极端。 抽象派与严格地再现客观物象的写实派正好相反，创作方法是使自然物象变形，追求抽象的装饰性和视觉效果，或用光色和几何形态的抽象组合形式表现个人主观的思想体验，甚至是潜意识、下意识，以及种种隐秘的心理。
随着夸张变形的创作方法越来越走向极端，有些人甚至干脆丢掉画笔搞起了装置艺术、行为艺术。 某些西方现代主义、后现代主义所标榜的前卫，实际是远离现实，逆反一切传统文化、道德观念，越来越趋向病态的自我表现，给正常的艺术发展造成重大干扰和破坏，也必然难以引起观者的共鸣，无法为广大人民群众所接受。
经过一段时间的艺术欣赏的课上学习和老师的精心讲解，我对中西方绘画有了初步的。 了解。
关于中西绘画给我印象最深的是中西方绘画的差异 我们先说说中国绘画。中国画给人最深的印象就是她（我以不能用它来形容中国画了）得意境美。
她从不把真实地表现自然作为自己的目的。她所表现的始终是一种源于现实又包孕着画家的主观思想的人格化自然。
而西方绘画是自然的真实再现和模拟。西方绘画讲究的是对自然的真实表现。
我不敢说那一种好或则坏。中国画描绘的是心灵的故乡，而西方绘画描绘的是生命的家园。
中西方绘画的差异又取决与中西方人思维方式的差异。中国人的感性主义传统和一元论中西方绘画的差异又取决与中西方人思维方式的差异。
中国人的感性主义传统和一元论的世界观与西方人的理性主义传统和二元论的世界观是相对立的。中国人的一元论世界观认为人与自然是统一的，人是自然的一部分。
中国人讲究天人合一，道家的天不变，道亦不变就是这种思想的真实体现。中国人的天人合一的观念萌芽于原始社会新石器时代，成熟与封建社会先秦时期。
庄子曾说天地与我并存，万物与我为一，以天为本，将人看作整个自然的一部分铸就了中国人的一元论世界观。与此相关，它找就了中国人的独特的感性思维方式，对自然的眷恋使中国人将山川是作民族的母亲。
天人合一的思想可以说是中华民族文化精神的本质精髓。 西方的理性主义和二元论世界观起源与古希腊。
理性主义和人本主义是古希腊艺术的灵感源泉。而在理性主义和人本主义的背后则是天人两分的二元论宇宙观。
中西方不同的思维方式决定了中西艺术内在本质的差异。也许正是中西方对待自然态度的不同使中西绘画放生了如此大的差异。
中国画以表达山水为主题，中是能让人融入自然中给人以心灵的愉悦感。 而我们从西方风景画中很少能看到人的存在，他们要表达的是一种独立的自然。
8.关于速写和素描的论文
去百度文库，查看完整内容> 内容来自用户：176751761 素描绘画语言浅议———两家一中韩瑞峰（摘要）感染力并不排斥精细。
整幅画既包括严实的素描结构，同时也还有细腻的素描表现力。不管怎么说，绘画只不过是由坚实而自负的、并具有个人特色的素描所构成的，即是指一般的图画，也得靠其本身的优美感人来激惹观众。
但单凭优美还不够，正如仅仅靠素描的工夫还不够一样，还应要求更多一些：即是说，要让素描的范围靠大到足以囊括一切。（abstract） the power does not repel fine. The view picture picture already includes the solid sketch structure, simultaneously also has the exquisite sketch expressive force. How no matter saying that the drawing just is by, and has, refers to the common drawing which individual characteristic's sketch which solid is proud constitutes, also depending on its exquisite touching annoys the audience violently. But only exquisite also insufficient, just like depends on the sketch the free time not to be very also same merely, but should also request more somewhat: Even if must let the sketch the scope depending on big to include all sufficiently.（关键词）物象形体表现力结构存在运用审美意义（key word） physical image physique expressive force structure existence utilization esthetic significance素描作为绘画体裁之一种，有。
9.求一篇美术鉴赏论文2500到3000字
工写妙合画心境，融会贯通求变革 -----著名花鸟画家赵清国的作品赏析 夫从艺者，托其根于心智也，发其花、笔端墨彩于萱桑也。
人之神不能无为，思虑易迁，哀乐相变，感生于志，赋形凝萃于画间。 庚寅（2010）年春（5月15日），在首都的一场拍卖会中，著名花鸟画家赵清国先生的多幅花鸟和国画人物作品赢得来自全国各地和场外的网络参拍者竞相投购，其中一幅斗方葡萄创下25万元的拍卖纪录。
五月的北京春寒料峭，不畏风寒的人们带着极大的热情前来参观竞拍。展厅四壁挂满了国内外中国画大师们的作品，清国先生参拍十幅中国画作。
这幅以葡萄为主题的《春华秋实》展拍，气势恢弘、枝藤遒劲而又笔墨浓重！ 赵清国，河南郑州须水镇人，1954年生于普通农民家庭。兄妹五人排行老末，儿时受大哥和父辈的蒙学影响，喜欢读书、写字、画画。
他最大的理想将来当一名画家。 中学读书时，他的文化课和美术课成绩都非常优秀。
然而“文革”却断送了绘画的梦想。1970年，刚满十六岁的他不得不携笔从戎，来到中国人民解放军武汉军区工程兵某部。
白天在坑道里从事繁重的体力施工，晚上回兵营挑灯夜战，读书写字。艰苦的生活环境磨练了清国的意志，坚定了他学画、当画家的决心。
从那时起，他养成了画速写的习惯。他说，他至今不抽烟、不打牌，和年轻时画画的理想追求是有直接关系的。
庄子《外篇》曰：“夫残朴以为器，工匠之罪也。毁道德以为仁义，圣人之过也”。
青年时代的清国，奋发上进，施工工程，文化宣传，样样都抢在前头，干的出色。他说，人活着，不管做什么，都应该有种向上精神追求，越是环境艰苦，越要有独立的精神。
“天行健，君子以自强不息。”（《周易？上经》）他常以古人这句话作为自己的座右铭，从普通施工员，到书记员，再到司务长，是一步一个脚印走过来的。
清国在部队的时候喜欢读书，兴趣广泛，吹拉弹唱样样都行。但他最钟情的还是画画。
他不但喜欢画花鸟鱼虫工笔小品，更热心于描写全景式的大幅巨制。他有时也画油画、搞书法，涉猎极广，没有定式。
他最终走上绘画道路正轨，拜潘天寿的入室弟子，浙江美院（现中国美院）的朱颖人教授为师，却来自一次偶然的机会。70年代末，已转业到地方的物资系统清国，在洛阳接待了朱颖人、陈永康等先生一行的艺术家，并观看了他们合作的一幅丈二巨作《洛阳花似锦图》，那绚丽的墨彩、挺立的奇石，虬曲的松柏、华丽的牡丹、萱草以及气势逼人构图，让清国良久驻足，竟然看呆了，原来中国画还可以这样画。
他暗下决心，一定要拜朱教授为师，学画国画。说来也巧，刚好朱颖人先生与河南知名花鸟画家李自强先生熟捻。
他家中收藏有朱先生十数张从20世纪60年代延至新近的大幅花鸟画作品，清国如视珍宝，借来系统地仔细临摹。他深感自己原有的绘画功底不足，先后在天津大学进修MBA期间到天津美院和贾宝珉、姬俊尧、王之江、李学瑛等先生系统地学习传统绘画理论。
1992年4月，经李自强先生推荐，清国带上了数十幅作品驱车千里至杭州西子湖畔朱先生府上求教。朱先生在一一看过作品，夸清国画画有灵气，并在其作品上题字：“精神可嘉，当需努力”。
兴致之余，朱先生信手边画边讲，口传身授。那年，朱先生71岁，清国43岁，当为先生的晚年弟子之一。
“朱颖人先对生活和艺术的理解表现在他的三个基本观点之中，艺术风格要与个性相和谐、生活的感受是创作的源泉、中国画笔墨是能不断传承发展的艺术。他身上充分表现了一位当代中国画人精审敦厚、充满自信的品质。”
朱颖人先生的师承十分丰富，他既受过颜文梁、林风眠、孙文林、关良、倪贻德、黎冰鸿等人学院式的西洋画教育，也受过蔡卓群、吴茀之、潘天寿等人师徒式的训练，他善于吸收中、西绘画两方面的营养，把学院式的教学和传统师徒传承式的训练结合起来学习，并贯彻到他以门生代行老先生的教学中去。朱先生常说：“光学古人的笔墨是远远不够的，要做到师迹又师心，注意学习古人的意境和构思”。
朱先生重视课徒与古代名画临摹、写生、创作三个环节的关联互动，主张借“临摹与读画”以学古（即因），承“写生与创作”（即创）以开今。通过学古达于开今的目的。
写生是师古人师造化的实践，是通向创作的必由之路。创作是写生的提炼和升华，同时，又是师古人，师造化的试金石，通过实践寻找自身的缺陷和不足。
实际上在整个学画的过程中，临摹、写生、创作三者是循环往复不断交替进行的。在老师的引领和启发下，清国逐渐明白了这些道理，并且重新注意临摹、写生、创作三者的关系。
大体来说，清国的创作九十年代前以临摹为主，兼及写生创作；后期以写生、创作为主。纵观清国的绘画是临摹、写生和创作交叉进行的。
经过近三十年的不懈努力，清国逐渐走出一条自悟的学画之路。 清国追随朱颖人教授以及诸多先生学画，虔诚，有颗执著之心。
先生们亦都倾其所长，无论从题材画意，还是笔墨题款，都毫无保留的传授。清国学得刻苦，也学得灵活。
既从宏观着眼，注意把握大局。又从微观入手，一笔一画，精微描摹。
他学习有心，不但揣摩老师们的。
10.外国美术史的论文主题
概论---幻觉的发展和绘画的表现
在整个世界中，无论是雕刻、素描或油画的描述都是获得视觉艺术最基本的一种手段：即在大自然中眼睛所看到的由五彩缤纷的色块所组成的独立的物体。在法国和西班牙洞窟中我们获悉人类最早的绘画作品勾勒的动物线条与大地或天空都毫无关系，即与视觉的直观无关，而与某种精神世界相联系的。如后来出现的复合重叠动物群和再后来有明确形象的，并结合着结构图案创造的画面也是如此。甚至某些非常复杂精致的二度空间艺术形式中的形象都属于这范围，画面一般被具体化了，不再是含糊不清的背景了，但是在西方人观念中这并不是背景。在古埃及画面经常覆盖着象形文字，在中国是刻写铭文。加上色彩来点缀图象，勾勒线条和区分它们的各部分。
色彩被作为绘画的表现形式，而不用线条勾勒轮廓，在欧洲是16世纪才开始的。在西方，绘画技巧的采用是特殊的欧洲绘画观念的反应，正如它是现实或者遐想世界的一个窗口。它结合着透视的发展，从单一视点表现空间中的各个物体；或采用阴影的明暗技法来塑造形象的空间感，用微妙的色调层次表现距离和物体的固有色与物体上反光色之间的细微变化。尽管这些发现足以使画家"欺骗"观众的眼晴，但是幻觉手法并不是它自身追求的目的。不管怎样，它们导致独特的西方艺术形式的出现--架上绘画--画在画布上，并挂在墙上，欣赏其技巧，也就是被捕获和传达的视觉世界，还包括色彩的和谐和对比，笔触的柔美和雄壮，构图的单纯和复杂。这种绘画中的写实主义形式的发展成为16世纪到19世纪艺术史中的中心议题，它与文艺复兴崇拜的"美"是一致的，同时它们也控制着西方艺术的实践和原理。这就导致了一种逐渐获得成功的感觉的产生--画家朝着视觉真实感的目的靠近--只是到了19世纪才被艺术家们看作是严重的问题。同时，作为主要艺术形式的架上绘画在西方的出现，在艺术家、艺术作品和公众之间的关系上产生了明显的影响。原来架上绘画不是为放在一个特定场所而画的，而现在却成为室内陈设，或者艺术画廊中的展览品。毕加索说："画钩是绘画的祸根，"绘制一幅绘画作品，为的就是尽快被买来挂在墙上，它变成一种装饰形式。
艺术史的某些方面是可以与文学史相比拟的。两者都有延续性和变化，而发展却不同。在文学和艺术上不断出现杰作，这些杰作超越了各种限止，脱离了作者的创作意图，有时甚至与其目的是相矛盾的。不管怎样，艺术史完全依靠现存的物质对象，甚至依靠当代机械制作的作品。诚然，艺术史比文学史的时间长得多。很多年来，我们只有通过视觉艺术作品了解到人类的各种欲望和追求。
伟大的艺术品不仅仅是美学欣赏物，也是人类技艺和聪明才智的结晶：它们使我们增强对自己和其它事物的洞察力；它们促使我们从自己宗教和其它宗教信仰中觉醒过来，它们扩大了我们对可以选择的、经常是外国生活方式的理解，--简言之，它帮助我们开拓和理解我们人类自身的天性，艺术史是人类发展的最基本的一部分。
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《撑阳伞的女人》Femme a l'ombrelle 作者： 克劳德 莫奈 Claude Monet 印象派是19世纪中叶欧洲艺术从现实主义向现代主义过渡的重要阶段，印象派画家以创新的姿态登上法国画坛，其锋芒针对陈陈相因的古典画派和矫揉造作的浪漫主义。
以"光为画面主角"的印象派最伟大的大师莫奈曾经画过二幅《撑阳伞的女人》，一幅作于1875年，一幅画于1886年。 首幅画里的采用仰视的角度来表现画面的人物，女人半侧着身子，衣褶因为她的转动也在旋转，动态的呈现着这一微妙的动作，而平衡女子动作的是她手持的阳伞。
阳伞的灰绿色调与天空融合在一起把人物既与画面结合又使人物跳出背静那澄明的天空动感在人们眼前。画面中的远处的小男孩儿又拉深了画面的层次感，不仅突出了撑阳伞的女人也把远处的天空显得更加高远。
但，在印象派中"光才是画面真正的主角"。在这幅画中，采用原色并列、重叠和补色手法，形成新的绘画语言。
为了表现物体的动态变化和光色的斑斓绚丽、光怪陆离，画家采用小笔触和色调并列方法，有些颜色不再在调色板上调配，而是黄、蓝并列，时而重叠，并把黄和绿、蓝和橙色补互对比，使色彩在强烈视觉冲击中产生新的和谐。 光与影正是依托于这两个人物跳跃穿梭在人们眼帘中的。
女人身后的天空如同水一般透明多变，仿佛一指就可以戳破。 阳光透过湛蓝的天空洒到女人的衣裙上，正因为光影的作用，女人的上半身色调昏暗表明她处于伞的阴影之下。
微风扬起的裙袂上有莫奈最擅长捕捉的光与影——蓝天的光彩、女子脚边墨绿的草与淡黄的花朵的颜色。它们反衬在女子的裙子上，袖肘上。
女子脚下顺着微风倾斜的花草，仿佛可以闻到泥土与花草混合的清新气味。 用模糊大块的笔触来描绘，是莫奈在绘画技法上的一大特点。
这也是印象派不注重所描绘的主题本身而注意光影的需要所产生的必然结果。在这幅画中，我们尚且可以看出撑伞女人的外貌，但是她和她构成三角型起稳定画面作用的儿子的面貌却被简化成了仅有两个黑洞洞眼睛长相的人。
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这种心灵上的震撼是其他流派所无法比拟的。 从中也可看出当时莫奈初期作品风格强调瞬间的感官色彩来搭建一座用色彩构成的绚丽的世界。
突破当时束缚绘画的古典主义，把绘画从单纯的照物写实中解放出来，开拓了一条用眼睛捕捉"瞬间美好"的新的绘画流派。 作于1886年的《撑阳伞的女人》和第一幅画在构图上相差不远，人物在衣着上更是如出一辙。
但，比起第一幅，人物处于更次要的位置，印象派很少画人物，风景中的色彩变化才是莫奈的永恒主题。所以第二幅《撑阳伞的女人》足以看出莫奈及整个印象派的走向。
画中大块的墨绿和棕红的，凝重的颜色。不再看见早期注意天空光影的纠缠和光影对人物的影响，换而之是大块更大块的颜色铺成一幅画甚至连人物本身都只是画中颜色的一部分（上一幅中女人的尚可辨认的面目在这里彻底被简略掉）。
或者说我们可以感受到画面里的风不再是清晨的微风而是夕阳落下的晚风，吹的人物身后的云彩在大块急速的运动，炽热的阳光照在草上淹没了女人的脚，女人上半身因为撑阳伞形成的阴影和下半身被阳光照耀仿佛要燃烧的裙子形成强烈的对比，加上飘扬的纱巾给人以视觉冲击。 两副几乎同样的以撑阳伞的女人为主题的作品，但是意境却相差万里。
这就是印象派的核心所在——此时此刻的光和影。而光与影永远在变，水中的浮光掠影，空中的色彩万千，地上的花朵妖娆。
不变的是对影的捕捉对光的追随。 这件作品是莫内早期的印象技法画作。
画面正中偏右站着一位撑阳伞的女仕，而画面偏左较远处的就是她的儿子。这是一个晴天的早上，两母子在草地上漫步。
整幅画只用了简单的蓝、绿、棕等自然的色彩，给人一种宁静舒适的感觉。画中的女仕占了画面大部份的空间，成为画的趣味中心。
但左侧的小儿子与阳伞和女仕也构成一个三角形，得到一个平衡的作用。 虽然此画是莫内早期的作品，但也可见他已很好地捕捉光影和画中的瞬间印象感觉。
画中女仕面部和上半身都用上较暗的色彩，表明是处于阳伞的阴影之下。而整个阳伞、面部、衣裙和草地上的阴影区，与女仕衣裙上向光一面的光影形成对比（小儿子方面也一样），就如现实中看到的一样。
另外，女仕摆动的头巾和长裙上的绉褶也加强了画面的动感。
2.动画类毕业论文都有哪些参考文献
数字化动画场景设计研究 中文摘要3-5英文摘要5-9绪论9-13第一章 场景设计的理论表述13-19 1.1 场景的辞源与相关定义13 1.2 场景的类型13-15 1.3 场景的风格15-16 1.4 场景的特性16-17 1.5 场景在影片中的功能17-19第二章 数字化下的艺术和动画19-25 2.1 关于数字化19-20 2.2 数字化对艺术的影响20-22 2.3 数字代拓宽了动画艺术的表现空间22-25第三章 动画场景设计艺术的发展与概念变迁25-32 3.1 各种类型的场景设计25-30 3.2 传统动画中的场景设计30 3.3 借助数字化手段的场景设计30-32第四章 数码技术给动画场景设计带来的转变32-35 4.1 工作方式的改变32-33 4.2 表现形式的改变33 4.3 构思创意的调整33 4.4 对传统的重新认识33-34 4.5 技术与艺术的主仆关系34-35第五章 数字三维动画场景设计的表现方法35-44 5.1 场景设计图的设计36-37 5.2 陈设道具的设计37 5.3 场景的搭建37-42 5.4 影视作品场景的后期编辑空间42-44第六章 动画场景设计中的设计要素44-51 6.1 动画场景设计中的空间构成和创意44-48 6.2 动画场景设计中的色彩创作48-49 6.3 艺术设计在动画场景中的多层面构建49-51结语51-52参考文献参考文献 【l]引用网址}/sf/lw/2009/0928/146347.html 开题报告： /lunwenzhidao/kaitibaogao 实习论文： /shixi 写作指导： /lunwenzhidao。
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