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毕业论文摄影

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2.摄影和摄像的毕业论文

探析广告中的人像摄影

摘要

广告人像摄影作为摄影艺术中极其重要的领域之一，被广泛应用于商品包装、海报招贴、时装展览、报纸杂志和网络广告等商业领域。它是一门集摄影技术、平面视觉设计、广告学等于一身的综合学科，具有广阔的知识面和很强的实用性。

从20世纪20年代以来，广告人像摄影随着商业经济的迅猛发展和科学技术的不断进步而逐步发展起来。进入21世纪以后，现代数字技术全面进入广告人像摄影领域，使广告人像摄影艺术进入更加多元化的表现时代。随着广告人像摄影的逐步发展，出现了更多优秀的、新颖的广告人像摄影艺术作品，这不仅丰富了我们的生活，更重要的是使我们深入的体会到一种新的视觉享受。

关键词：现代广告人像摄影广告摄影

资料来源：

摘要.2

Abstract.3

引言6

1 广告人像摄影的分类及发展7

1.1 广告中人像摄影的分类.7

1.1.1 写真肖像7

1.1.2表现肖像.9

1.1.3环境肖像10

1.1.4情景肖像.11

1.1.5自摄肖像.12

1.2广告中人像摄影的发展.13

1.2.1广告人像摄影的发展历程13

1.2.2广告人像摄影的基本现状及发展趋势.15

2广告中人像摄影的艺术特色.16

2.1赏心悦目.17

2.2惟妙惟肖18

2.3个性飞扬19

2.4诠释生命20

3广告人像摄影的适用规则.20

3.1符合大众审美20

3.2张显摄影魅力21

3.3有机互动商品22

4当代广告人像摄影中存在的问题及解决办法.23

4.1当代广告中人像摄影存在的问题23

4.2当代广告中人像摄影存在问题的解决办法23

结论25

致谢26

注释27

参考文献28

3.求助：关于人像摄影的论文

需要用明确的焦距来拍摄的专项摄影并不多，而人像摄影就是其中之一。人像摄影中，不同镜头的选择与搭配所拍摄出的人像效果也是不同的。

对于大多数摄影者来说，都比较喜欢用焦距为85~100mm的中长焦镜头来进行人像拍摄，这类镜头通常被人们称作是人像镜头。使用85~100mm的焦距拍摄，不仅可以让摄影者在一个很恰当的距离范围内进行拍摄（离被摄体3~4m，留给自己和被摄主体一定的空间，但仍能使被摄体充满景框），而且使用这个焦段的镜头拍出来的人像效果比较自然、真实，既不会像广角镜头那样引起面部失真，也不会像较长的长焦镜头那样引起压缩。

尼康24~120mm F/3.5~5.6变焦镜头

在人像摄影镜头的选择过程当中，很多摄影者经常在最理想的镜头焦距是选择85mm还是100mm的问题上犹豫不决。其实，摄影者完全可以选择一款能够包含这两段焦距的变焦镜头，比如尼康的24~120mm变焦镜头，它可以完全满足摄影的不同需要。这样，摄影者就可以在85~100mm的范围内选择任意焦距来拍摄自己想要的照片。

光圈 F5曝光时间 1/250s

焦距 85mm感光度 100

利用85mm定焦镜头拍摄的人像照片

虽然焦距在85~100mm的中长焦镜头比较适合拍摄人像，但在特定的情况下，同样可以利用长焦镜头进行拍摄。当摄影者选用较长的长焦镜头拍摄人像时，可以更好地虚化背景，使画面更加简洁、明了。但要注意的是，长焦镜头对背景的这种虚化，可能会有些过度，略显不自然。

除了长焦镜头，广角镜头也得到了众多摄影者的青睐。使用广角镜头，可以比较好地收取更多的画面元素，从而来反映环境、烘托气氛。并且，对于人像拍摄，广角镜头打破了长焦镜头单一的表现形式，为摄影者提供了更多的创意发挥空间。需注意的是，要尽可能避免广角镜头给被摄体带来的过度透视变形。

长焦镜头具有虚化背景和突出人物主体的效果广角镜头的使用，使人像环境元素更加丰富

二. 人像摄影构图

要学好人像摄影，初学者完全可以从构图方面来快速入门，构图相对于其他摄影技法来说，是比较容易掌握的。人像构图主要取决于两方面：一是被摄主体自身的表现力；二是需要摄影者有一定的创意和想法，并能够通过手中的相机，把被摄主体完美地表现出来。

1.画幅的形式

构图的三要素包括：画幅的形式、画面中的主体实像部分和画面中的空白部分。对于初学者来说，准确把握和安排构图的三要素，是快速入门人像摄影构图的最简单的方法。

画幅的形式是指照片是采用横幅面、竖幅面，或者是其他形式来进行构图的。在进行人像构图时，摄影者首先需要考虑，采用何种画幅形式来框取被摄体。如果仅仅考虑使画面适合被摄体的需要，则可以按被摄体的具体形态来确定画幅形式。比如，采用横画幅拍摄躺着、坐着的人物；采用竖画幅拍摄站立着的人物等。如果要使画面更有创意，则可根据表现意图的需要，使用其他形式的画幅。总之，确定画幅同被摄主体之间的关系，是构图的首要步骤。

2.画面中的主体

人像摄影画面中的主体实像部分，即摄影者想要表现的人物主体。其表达方式有两种：一是通过人像构图公式法，即采用特写公式构图、半身公式构图、七分身公式构图和全身公式构图；二是带景艺术构图法，即通过人物和景物的完美搭配来进一步美化和表现主体。不论是采用哪种方式，都需要在构图中确定主体实像的兴趣中心。

画面主体的兴趣中心，是指画面主体最引人注目的部分，它不一定占据很大的面积。比如，在人像特写画面中，眼睛往往就是兴趣中心；在半身人像照片中，脸部就成了兴趣中心。一幅画面一般只有一个兴趣中心，或者只能有一个主要的兴趣中心。否则，就有可能破坏画面的完整性，造成构图上的无序和混乱。

3.画面中的空白部分

在摄影构图中，画面的空白部分并不都是指照片中白色的，没有任何形象的部分，而是指除了主体实像以外的部分。因此，构图上的空白并不一定是白色的。在一个摄影画面中，主体实像与空白部分是互为依存的。空白部分既可以衬托、说明主体，同时还可以对主体形象进行补充、强化。

4.求一篇《视觉传达与设计》的毕业论文,3000字左右

本文在对视觉传达设计师各个创作阶段进行了详细分析的基础上，从视觉传达设计师的非数字化创作时期及数字化创作时期出发，将个人创作的完全独立时期、合作创作时期和主导创作时期进行比较，得出了创作独立性不是一个单纯的线性发展的历史，而是随着时代不断发展变化的事件。

文章最后讲述了关于认识创作独立性对于我们规划未来的现实意义。在上个世纪二十年代，书籍设计者维岑斯创造了“视觉传达设计师”这个名称，形容“使印刷传达有结构和视觉形式的个人活动”①行为。

它的意义在很大程度上预示了视觉传达设计师工作方式的独立性。从传达设计开始的一个人独立工作的创作方式，到现在由自己决定创作概念并同他人合作的创作方式，设计师们的创作状态有了很大的变化。

如何正视这种变化，正确认识到自己的创作独立性所处的状态，从而帮助我们更好的发展，是非常值得我们关注和思考的。一独立创作的视觉传达设计师 1.1 非数字化时代的视觉传达设计师在数字化设计高度发展以前，每一个设计师在设计创作时，基本上从头到尾都是一个人包干。

他们通过一个人去探索主题的计划性，掌握用颜料绘画不容许有失误的技术能力，进行个人创作，直至完成作品。他们这种独立创作状态和现在处于学习阶段的视觉传达者的创作状态极其相似。

正如我们所知，视觉传达设计的历史并不长，很多的设计师现在依然从事着设计工作。例如：日本的田中一光、福田繁雄、户田正寿、南部俊安，波兰的Wieslaw Walkuski等。

在欣赏他们的作品时不难发现，虽然不是在同样的时间、地点进行创作，但他们都具有相同的特征，即扎实的手绘功底，以及从他们独特的个人视角诠释的设计作品。正如户田正寿所说：“多少年前，在设计创作时，我基本上从头到尾都是一个人包干的。”

②他们所处的正是非数字化时代的视觉传达设计师的一种普遍状态，即在创作概念、制作过程上拥有主控性的独立创作状态。相对与他们，数字化时代的创作者的独立性就有了些限制，但仍有这样的一部分人群拥有创作独立性，视觉传达学习者、独立创作的设计师占拥有创意独立性人群的绝大部分。

1.2 数字化时代的视觉传达学习者社会的不断发展，使越来越多的人通过学习关于视觉传达的知识，掌握了如：Photoshop、FreeHand、Illustrator、Coreldraw这样的数字处理软件，期望能就此走入视觉传达的设计世界。他们大多通过进行假的设计课题，或参与非商业性质设计比赛的方式来学习。

在这种脱离了市场运作的状态下，他们也同样拥有对创作概念上的主控性。最普遍的例子就是在学校学习的平面设计专业的学生，当然还包括喜欢视觉传达这个活动的人。

在中国平面设计在线设计长廊的竞赛传真③中的16个展示中，设计者不仅是设计师们，还有更多处于学习阶段的人们。对于同一个比赛命题，正是因为有了创作者在创作概念上的主控性，才有了这缤彩纷呈的设计。

想在结束学习后继续保持其创作独立性，就需要定准自己的目标，是与人合作还是进行个人创作。最好能多观察数字化时代的独立创作者的创作与运营方式，结合自身的实力求发展。

1.3数字化时代的独立创作者同视觉传达学习者有所区别的是，数字化时代的独立创作者大多是应运市场要求和个人愿望而诞生的个人工作室的创立者，或大型设计公司的设计总监、艺术指导类的设计师。在市场的双向选择下，这些创作者依照客户的要求进行着设计创作，他们同样拥有对设计创作概念上的主控性，有时还不仅如此。

户田正寿认为“作为艺术指导，首先要做的工作是决定创作概念，定了概念之后，就要挑选合适的创作人员。挑选创作人员时最重要也是最关键的事，是一定要合适那个创作概念的。

否则，即使那人再优秀，也还是不用为好。②”从他的观点中不难发现这类人的创作独立性已经发生了改变，更多的是对关键事宜的独立思考，且其垄断和主控性在此得到了一定的体现。

不过这并不是说他们不需要合作，脱离社会的设计是不存在的。以上三类视觉传达设计师虽在创作方式上有所不同，但数字化时期和非数字化时期的设计师有一个本质上的相同点，就是他们都是独立的创作者。

但正如历史的发展不是一成不变的一样，设计师的独立性也是不能用是否数字化来区分的，它始终是个发展的事件，独立性的变化和发展趋势就是对这种螺旋形运动的事件的分析。二视觉传达设计师创作独立性的变化成为一个视觉传达设计师就如同其他专业的人一样，都有一个学习的过程，因此从历史的普遍性上讲，他们大多都有过如下的几个时期：技术上学习，思想上独立的创作状态→技术上合作，思想上也合作→技术上合作，思想上独立的创作状态。

我们不难发现这其中有个循环的变化。但设计师的这种循环和一般时间的那种线性链接的循环是迥然相异的，不光是设计师个人上的不同，更大的不同在于现代社会融合的趋势使得设计师们的独立创作状态，在不断的复杂互渗之中有别与最初的独立状态。

2.1个人创作——即完全独立状态这是一种完全按照个人的意念、愿望来进行创作的状态。学生的创作和部分设计师的意念创作，还有。