摄影毕业论文

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摄影毕业论文

1.急求摄影艺术论文一篇 2000字左右

摄影，是一种精确复制客观对象的技术手段和逼真再现客观对象的技术形式，既是一种传递知识的手段，也是一种交流感情的媒介。

摄影在历史实践中逐渐两极分化。注重外部形态，以记实再现的方式反映现实世界成为记实摄影；以记实表现的方式反映现实世界发展成为艺术摄影，且注重对情感内涵的表现。

摄影艺术是一种特殊的社会意识形态，是建立在一定的经济基础之上，受经济基础制约的，政治与摄影艺术是上层建筑之间的、相互影响的关系。道德是社会生活的组成部分，摄影艺术作为社会生活在摄影家头脑中的反映形式，必然受到道德观念的影响。

摄影艺术是一种对世界的能动认识形式，是认识世界的一种感性形式。摄影艺术形象是主客观的统一，是感性和理性的统一，是个性与共性的统一。

我的摄影照片第一张是在游乐园拍摄的，那时侯正是端午节，游乐园中挂着许许多多的灯笼，花草树木也是那么的有生机，蓬勃盎然，大多数的游客都是带着小孩子，一家人非常开心，也有情侣一起来的，很有浪漫气息和节日气氛。第二、三张照片是在中央大街拍摄的。

中央大街的人一向很多，但也许最突出的只有这样的人。那里有着和我们一样学习美术的长者，有着熟练的技法和独特的感觉，他们用自己内心的想法和简练的手法绘画出一个一个美丽的面孔，画中的人们真实、舒适、有着情感的流露和对生活的向往，是画中人内心的写照，很让我钦佩，是我们学习的榜样。

在那里还有一个是小孩子，他在妈妈的陪同下在中央大街玩耍，他看起来天真、活泼，无比的可爱，让我不得不停下了脚步，给他拍照，也给我自己留个纪念，他是那样的充满着童真与活力，孩子的内心也是那么的洁白，让我也不禁的回忆起自己的童年。童年无论怎样都是神圣的，是我们经历的最难忘的过程，无法用任何语言来描述它的可贵，也只有让我们把这可贵默默的保存在我们的内心深处，好好的珍藏。

第四张是一张风景，有着人工制作的海豚和鄂鱼，它们在用自己的方式在仅有的空间中逾越，水是那么的清澈，树是那么的飘逸，与海豚和鄂鱼是那样的和谐，体现出它们在大自然中的自由不可取代，也让我们知道了要爱护动物，与动物和谐相处，要遵循自然规律，不得侵犯大自然的领土。摄影让我知道了它不单单的是张照片，它是摄影人对生活的理解和看法，是摄影人真心的流露，是用心去表达去感受的，也许只有真实体验之后才能知道其中的微妙。

我们这次的摄影课程也要求我们自己冲洗照片，当我们在暗房冲洗胶卷的时候，我们每个人都是非常的认真，不敢有一丝的马虎，显影、定影，一刻也没有离开自己的照片，我们期待着自己作品的到来，我们那时的心情已经超越了“课程”这个名词，而是我们自己内心情感的发表，它让我们融入了其中。 “体验生活”、“再现生活”、“情感交流”这三点就是我在亲身经历过摄影过程之后所总结的，它使人和生活紧密联系在一起，它就是我思维中的摄影。

真的真的很留恋……麻烦采纳，谢谢。

2.求一篇摄影摄像专业的毕业论文和毕业设计

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3.摄影和摄像的毕业论文

探析广告中的人像摄影

摘要

广告人像摄影作为摄影艺术中极其重要的领域之一，被广泛应用于商品包装、海报招贴、时装展览、报纸杂志和网络广告等商业领域。它是一门集摄影技术、平面视觉设计、广告学等于一身的综合学科，具有广阔的知识面和很强的实用性。

从20世纪20年代以来，广告人像摄影随着商业经济的迅猛发展和科学技术的不断进步而逐步发展起来。进入21世纪以后，现代数字技术全面进入广告人像摄影领域，使广告人像摄影艺术进入更加多元化的表现时代。随着广告人像摄影的逐步发展，出现了更多优秀的、新颖的广告人像摄影艺术作品，这不仅丰富了我们的生活，更重要的是使我们深入的体会到一种新的视觉享受。

关键词：现代广告人像摄影广告摄影

资料来源：

摘要.2

Abstract.3

引言6

1 广告人像摄影的分类及发展7

1.1 广告中人像摄影的分类.7

1.1.1 写真肖像7

1.1.2表现肖像.9

1.1.3环境肖像10

1.1.4情景肖像.11

1.1.5自摄肖像.12

1.2广告中人像摄影的发展.13

1.2.1广告人像摄影的发展历程13

1.2.2广告人像摄影的基本现状及发展趋势.15

2广告中人像摄影的艺术特色.16

2.1赏心悦目.17

2.2惟妙惟肖18

2.3个性飞扬19

2.4诠释生命20

3广告人像摄影的适用规则.20

3.1符合大众审美20

3.2张显摄影魅力21

3.3有机互动商品22

4当代广告人像摄影中存在的问题及解决办法.23

4.1当代广告中人像摄影存在的问题23

4.2当代广告中人像摄影存在问题的解决办法23

结论25

致谢26

注释27

参考文献28

4.跪求一篇摄影论文要求要介绍2名大师介绍光线的应用 3000字左右

使用经验三大数码照片格式数码相机三大存储格式就是RAW、TIFF和JPEG，了解这三种格式的特点您才能够在拍摄时正确地选择存储格式。

首先是高级数码相机支持的RAW图像格式，这是一种将数码相机感光元件成像后的图像数据直接存储的格式，不经过压缩也不会损伤数码照片的质量，而且由于存储的是感光元件的原始图像数据，以后您还可以对图像的正负两级的曝光调整、色阶曲线、白平衡、锐利度等参数进行调整；缺点是RAW需要特殊的软件来处理，同时在拍摄时，数码相机的液晶屏幕上只能看到RAW文件的专门为预览提供的JPEG副本，而且为了避免浪费存储空间，这个副本的压缩比大，图像质量比较差。这也是部分数码相机用户误以为RAW格式的效果比JPEG还差的原因。

如果拍摄的数码照片是用于印刷出版，那么只有RAW和采用无损压缩格式的TIFF格式的照片的效果会比较理想。TIFF格式是目前大部分数码相机都支持的格式，其优点是质量好而且兼容性比RAW高，不会受到处理软件的限制，但TIFF格式的缺点也非常明显，那就是图像的文件大而且在存储时也需要更多的时间。

JPEG是三种格式中“体积”最小的，如果您追求更快的存储速度和更高的软件兼容性，那么JPEG是最好的选择。但需要注意，JPEG是一种有损压缩格式，也就是它在压缩的过程中丢掉了原始图像的部分数据，而且这些数据是无法恢复的。

使用了数码变焦拍摄并存储为JPEG格式的照片，数码变焦的效果优于后期电脑软件的插值放大效果，而对于无损的TIFF或RAW格式图像而言，后期软件处理比数码变焦的效果要好一些。使用经验正确使用RAW格式高级数码相机支持使用RAW图像格式，但是不少用户都不太明白应该怎么去使用它。

这种原始图像数据存储格式类似传统相机的数字底片，是专业摄影师的首选格式。如果您也想使用单反数码相机代替专业传统胶片相机，那么您也会需要这种能够最大限度地保留了成像时的各项细节和数据的图像格式。

但要使用这种图像格式，需要专门的图像处理工具软件，RAW文件是CCD或CMOS感光部件在拍摄时所记录下的原始数据文件，是以一组8位或10位的二进制数据记录的数据，只反映照射到感光单元上光线的强度，本身并不包含色彩等直观的图像信息，而且它是和硬件密切相关的，不知道CCD或CMOS的感光单元行列排布、滤色镜排列等物理参数就无法将它转换成图像，所以处理RAW文件的图像处理工具还需要支持您的数码相机。一般情况下，推荐您首选数码相机厂商附送的软件，例如，如果您使用佳能公司的EOS 10D数码相机，可以选择该公司附送的RAW文件浏览器“File Viewer Utility”，这样就可以在电脑上浏览拍摄的照片，查看所有相关的相机设置。

更为重要的是，它可以让您调整RAW格式的图像，包括正负两级的曝光调整、色阶曲线、白平衡、锐度等参数。另外，您也可以考虑使用Photoshop的数码相机RAW插件，该插件支持佳能、富士等多家数码相机厂商的数码相机。

使用经验恢复误删的数码照片使用数码相机时，我们将数码照片存储在存储媒介上，常见的存储媒介有CF、SM、SD卡和记忆棒等。另外，我们还会将数码照片拷贝到电脑上，有时因为主观或者客观的种种原因，会出现误操作而将有用的照片或者其他数据文件误删除。

此时，您大可不必捶胸顿足，无论是存储在存储卡上的还是拷贝到硬盘上的数码照片，误删除后大部分情况下都是可以恢复的。对于电脑上被误删除的数据可以恢复这一点，相信大多数比较熟悉电脑的用户都没有异议，但大部分用户都误以为存储卡上的数据是不一样的。

实际上，数码相机都是遵循DCIM标准的，存储卡上的数据存储格式和操作方式都和电脑操作磁盘数据时一样。所以，基于磁盘等磁介质的数据恢复原理，从理论上讲，存储卡上的数码照片和已经拷贝到电脑上的数码照片一样，不但是可以恢复的，而且是很容易实现的。

使用电脑上常用的数据恢复软件，例如Easy Recovery、Get Data Back、Final Data、R-Studio等，都可以轻易地恢复存储卡上的数码照片。使用经验拍摄时分辨率的影响分辨率越大，图像的精度越高，尽量使用高分辨率进行拍摄是许多数码相机用户的一种错误的认识。

理论上讲，高分辨率可以获得高精度的图像，但数码照片要以图像文件的形式记录，随着分辨率的提高，图像文件也将增大，数码相机处理图像的时间随之增多。所以使用的分辨率越高，拍摄时需要的处理时间越多，拍摄时需要占用的存储空间也越大。

使用数码相机拍摄时存储器件的容量是有限的，使用的分辨率越高所能拍摄的张数自然也就越少。另外，由于处理的时间长，在抓拍时使用过高的分辨率将有可能错过精彩的镜头。

即使您不在意存储空间的浪费和处理时间的增加，分辨率的选择也应当以够用为限，否则当您做后期处理时，您会发现，用较高分辨率拍摄的图像利用软件缩小成低分辨率，与用较低分辨率直接拍摄的图像视觉效果几乎相同，而且后者的图像锐度似乎还会更好一些。使用经验拍摄时分辨率的选择目前，大多数数码相机都有几级分辨率可供选择，如。

5.求一篇《视觉传达与设计》的毕业论文,3000字左右

本文在对视觉传达设计师各个创作阶段进行了详细分析的基础上，从视觉传达设计师的非数字化创作时期及数字化创作时期出发，将个人创作的完全独立时期、合作创作时期和主导创作时期进行比较，得出了创作独立性不是一个单纯的线性发展的历史，而是随着时代不断发展变化的事件。

文章最后讲述了关于认识创作独立性对于我们规划未来的现实意义。在上个世纪二十年代，书籍设计者维岑斯创造了“视觉传达设计师”这个名称，形容“使印刷传达有结构和视觉形式的个人活动”①行为。

它的意义在很大程度上预示了视觉传达设计师工作方式的独立性。从传达设计开始的一个人独立工作的创作方式，到现在由自己决定创作概念并同他人合作的创作方式，设计师们的创作状态有了很大的变化。

如何正视这种变化，正确认识到自己的创作独立性所处的状态，从而帮助我们更好的发展，是非常值得我们关注和思考的。一独立创作的视觉传达设计师 1.1 非数字化时代的视觉传达设计师在数字化设计高度发展以前，每一个设计师在设计创作时，基本上从头到尾都是一个人包干。

他们通过一个人去探索主题的计划性，掌握用颜料绘画不容许有失误的技术能力，进行个人创作，直至完成作品。他们这种独立创作状态和现在处于学习阶段的视觉传达者的创作状态极其相似。

正如我们所知，视觉传达设计的历史并不长，很多的设计师现在依然从事着设计工作。例如：日本的田中一光、福田繁雄、户田正寿、南部俊安，波兰的Wieslaw Walkuski等。

在欣赏他们的作品时不难发现，虽然不是在同样的时间、地点进行创作，但他们都具有相同的特征，即扎实的手绘功底，以及从他们独特的个人视角诠释的设计作品。正如户田正寿所说：“多少年前，在设计创作时，我基本上从头到尾都是一个人包干的。”

②他们所处的正是非数字化时代的视觉传达设计师的一种普遍状态，即在创作概念、制作过程上拥有主控性的独立创作状态。相对与他们，数字化时代的创作者的独立性就有了些限制，但仍有这样的一部分人群拥有创作独立性，视觉传达学习者、独立创作的设计师占拥有创意独立性人群的绝大部分。

1.2 数字化时代的视觉传达学习者社会的不断发展，使越来越多的人通过学习关于视觉传达的知识，掌握了如：Photoshop、FreeHand、Illustrator、Coreldraw这样的数字处理软件，期望能就此走入视觉传达的设计世界。他们大多通过进行假的设计课题，或参与非商业性质设计比赛的方式来学习。

在这种脱离了市场运作的状态下，他们也同样拥有对创作概念上的主控性。最普遍的例子就是在学校学习的平面设计专业的学生，当然还包括喜欢视觉传达这个活动的人。

在中国平面设计在线设计长廊的竞赛传真③中的16个展示中，设计者不仅是设计师们，还有更多处于学习阶段的人们。对于同一个比赛命题，正是因为有了创作者在创作概念上的主控性，才有了这缤彩纷呈的设计。

想在结束学习后继续保持其创作独立性，就需要定准自己的目标，是与人合作还是进行个人创作。最好能多观察数字化时代的独立创作者的创作与运营方式，结合自身的实力求发展。

1.3数字化时代的独立创作者同视觉传达学习者有所区别的是，数字化时代的独立创作者大多是应运市场要求和个人愿望而诞生的个人工作室的创立者，或大型设计公司的设计总监、艺术指导类的设计师。在市场的双向选择下，这些创作者依照客户的要求进行着设计创作，他们同样拥有对设计创作概念上的主控性，有时还不仅如此。

户田正寿认为“作为艺术指导，首先要做的工作是决定创作概念，定了概念之后，就要挑选合适的创作人员。挑选创作人员时最重要也是最关键的事，是一定要合适那个创作概念的。

否则，即使那人再优秀，也还是不用为好。②”从他的观点中不难发现这类人的创作独立性已经发生了改变，更多的是对关键事宜的独立思考，且其垄断和主控性在此得到了一定的体现。

不过这并不是说他们不需要合作，脱离社会的设计是不存在的。以上三类视觉传达设计师虽在创作方式上有所不同，但数字化时期和非数字化时期的设计师有一个本质上的相同点，就是他们都是独立的创作者。

但正如历史的发展不是一成不变的一样，设计师的独立性也是不能用是否数字化来区分的，它始终是个发展的事件，独立性的变化和发展趋势就是对这种螺旋形运动的事件的分析。二视觉传达设计师创作独立性的变化成为一个视觉传达设计师就如同其他专业的人一样，都有一个学习的过程，因此从历史的普遍性上讲，他们大多都有过如下的几个时期：技术上学习，思想上独立的创作状态→技术上合作，思想上也合作→技术上合作，思想上独立的创作状态。

我们不难发现这其中有个循环的变化。但设计师的这种循环和一般时间的那种线性链接的循环是迥然相异的，不光是设计师个人上的不同，更大的不同在于现代社会融合的趋势使得设计师们的独立创作状态，在不断的复杂互渗之中有别与最初的独立状态。

2.1个人创作——即完全独立状态这是一种完全按照个人的意念、愿望来进行创作的状态。学生的创作和部分设计师的意念创作，还有。

6.求助：关于人像摄影的论文

需要用明确的焦距来拍摄的专项摄影并不多，而人像摄影就是其中之一。人像摄影中，不同镜头的选择与搭配所拍摄出的人像效果也是不同的。

对于大多数摄影者来说，都比较喜欢用焦距为85~100mm的中长焦镜头来进行人像拍摄，这类镜头通常被人们称作是人像镜头。使用85~100mm的焦距拍摄，不仅可以让摄影者在一个很恰当的距离范围内进行拍摄（离被摄体3~4m，留给自己和被摄主体一定的空间，但仍能使被摄体充满景框），而且使用这个焦段的镜头拍出来的人像效果比较自然、真实，既不会像广角镜头那样引起面部失真，也不会像较长的长焦镜头那样引起压缩。

尼康24~120mm F/3.5~5.6变焦镜头

在人像摄影镜头的选择过程当中，很多摄影者经常在最理想的镜头焦距是选择85mm还是100mm的问题上犹豫不决。其实，摄影者完全可以选择一款能够包含这两段焦距的变焦镜头，比如尼康的24~120mm变焦镜头，它可以完全满足摄影的不同需要。这样，摄影者就可以在85~100mm的范围内选择任意焦距来拍摄自己想要的照片。

光圈 F5曝光时间 1/250s

焦距 85mm感光度 100

利用85mm定焦镜头拍摄的人像照片

虽然焦距在85~100mm的中长焦镜头比较适合拍摄人像，但在特定的情况下，同样可以利用长焦镜头进行拍摄。当摄影者选用较长的长焦镜头拍摄人像时，可以更好地虚化背景，使画面更加简洁、明了。但要注意的是，长焦镜头对背景的这种虚化，可能会有些过度，略显不自然。

除了长焦镜头，广角镜头也得到了众多摄影者的青睐。使用广角镜头，可以比较好地收取更多的画面元素，从而来反映环境、烘托气氛。并且，对于人像拍摄，广角镜头打破了长焦镜头单一的表现形式，为摄影者提供了更多的创意发挥空间。需注意的是，要尽可能避免广角镜头给被摄体带来的过度透视变形。

长焦镜头具有虚化背景和突出人物主体的效果广角镜头的使用，使人像环境元素更加丰富

二. 人像摄影构图

要学好人像摄影，初学者完全可以从构图方面来快速入门，构图相对于其他摄影技法来说，是比较容易掌握的。人像构图主要取决于两方面：一是被摄主体自身的表现力；二是需要摄影者有一定的创意和想法，并能够通过手中的相机，把被摄主体完美地表现出来。

1.画幅的形式

构图的三要素包括：画幅的形式、画面中的主体实像部分和画面中的空白部分。对于初学者来说，准确把握和安排构图的三要素，是快速入门人像摄影构图的最简单的方法。

画幅的形式是指照片是采用横幅面、竖幅面，或者是其他形式来进行构图的。在进行人像构图时，摄影者首先需要考虑，采用何种画幅形式来框取被摄体。如果仅仅考虑使画面适合被摄体的需要，则可以按被摄体的具体形态来确定画幅形式。比如，采用横画幅拍摄躺着、坐着的人物；采用竖画幅拍摄站立着的人物等。如果要使画面更有创意，则可根据表现意图的需要，使用其他形式的画幅。总之，确定画幅同被摄主体之间的关系，是构图的首要步骤。

2.画面中的主体

人像摄影画面中的主体实像部分，即摄影者想要表现的人物主体。其表达方式有两种：一是通过人像构图公式法，即采用特写公式构图、半身公式构图、七分身公式构图和全身公式构图；二是带景艺术构图法，即通过人物和景物的完美搭配来进一步美化和表现主体。不论是采用哪种方式，都需要在构图中确定主体实像的兴趣中心。

画面主体的兴趣中心，是指画面主体最引人注目的部分，它不一定占据很大的面积。比如，在人像特写画面中，眼睛往往就是兴趣中心；在半身人像照片中，脸部就成了兴趣中心。一幅画面一般只有一个兴趣中心，或者只能有一个主要的兴趣中心。否则，就有可能破坏画面的完整性，造成构图上的无序和混乱。

3.画面中的空白部分

在摄影构图中，画面的空白部分并不都是指照片中白色的，没有任何形象的部分，而是指除了主体实像以外的部分。因此，构图上的空白并不一定是白色的。在一个摄影画面中，主体实像与空白部分是互为依存的。空白部分既可以衬托、说明主体，同时还可以对主体形象进行补充、强化。

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