小型乐队编配作业

小型乐队编配毕业论文

1.管弦乐队原理及其艺术特征论文

摘 要：管弦乐队一语译自英语Orchestra.这个词从希腊语演化而来。

原指古希腊剧场的舞台前供舞蹈、合唱和奏乐者表演的半圆形场地。歌剧兴起后，人们便把剧院内供歌剧乐队演奏的地方叫Orchestra。

17世纪以后，独立的管弦乐队产生，人们便将Orchestra一词作为管弦乐队的专用名称了。器乐演奏自音乐产生依赖就存在了。

早先的乐器只是简单的传声筒，后来发展为小号、长笛和双簧管等，然后是弦乐器和键盘乐器的产生。首次发现的一架竖琴，其产生的年代可以追溯到公园前30世纪。

约在公元9世纪左右，出现了弓弦乐器。维沃尔琴和琉特琴成为当时的流浪艺人和游吟歌手的重要乐器。

经过历代的不断改进，产生了古大提琴家族以及后来的小提琴家族以及后来的小提琴家族。由于缺乏古乐器、乐谱以及专门文字记述，人们已无法对16世纪以前的器乐音乐进行更为详尽的研究。

2.在声乐演唱中如何做到字正腔圆毕业设计论文

声乐的演唱形式有如下几种：独唱：一个人单独演唱歌曲，称为"独唱"。

人声分类中的任何声部都可以担任独唱。演唱时一般用钢琴或小乐队伴奏，有时还可加入人声伴唱。

独唱要求演唱者有较高的艺术素养和较好的歌唱技巧，独唱者是音乐作品的解释者和表现者，他（她）直接运用"声"和"情"对音乐作品进行艺术的再创造。 （2）齐唱：很多人一起演唱单声部的歌曲，称为"齐唱"。

齐唱的人数多少不限，可以是男女混声齐唱，也可以是男声齐唱或女声齐唱。齐唱时，可以用乐器伴奏，也可以不用乐器伴奏。

齐唱要求歌声整齐、统一、宏亮。齐唱歌曲大都富于战斗性和号召力，是群众歌咏活动中的主要形式。

（3）合唱：将许多人分成几个声部，同时演唱有两个或两个以上不同曲调的歌曲，称为"合唱"。常见的合唱形式有：混声二部合唱（由男女声混合组成），混声四部合唱（由女高、女低、男高、男低四个声部组成），同声合唱（分男声、女声、童声的二部、三部合唱）等形式。

合唱一般用钢琴或乐队伴奏，但也有不用乐器伴奏的，称为" 无伴奏合唱"。合唱有着丰富的表现力，讲究整体音响的谐和与协调，要求各声部的音色相应统一，音量相应平衡，各声部的出现有层次。

另外，对各声部的音准、节奏、力度、速度都有严格的要求。 （4）领唱：在齐唱或合唱中，由一个人单独演唱一个乐段或一些乐句的，称为"领唱"。

领唱部分一般与齐唱或合唱部分构成呼应，形成对比。（5）对唱：两个人或两组人作对答式的演唱，称为"对唱"。

对唱有男女声对唱，男声对唱，女声对唱等形式。 对唱大多是单声部歌曲，气氛热烈而欢快。

（6）重唱：多声部的歌曲每声部只有一人（或二人）演唱的，称为"重唱"。重唱有男女声二重唱，男声或女声重唱（包括二重唱、三重唱、四重唱）等形式。

重唱和对唱的主要区别，就在于重唱是以多声部（两个声部或两个声部以上）的形式出现。 但是有的歌曲往往将对唱和重唱结合在一起。

如黄河大合唱中的《河边对口曲》，先是甲、乙两两男声对唱，然后将甲、乙两个曲调叠置起来，组成重唱。（7）轮唱：将许多人分成两个或三个、四个声部，各声部相隔一定的拍数，先后演唱同一曲调，称为"轮唱"。

轮唱时，各声部形成此起彼落、相互呼应的热烈气氛。这种手法叫做"卡农"，是复调音乐的一种。

（8）小组唱：一个小组的人同时来演唱一首单声部的歌曲，称为"小组唱"。小组唱实际上是齐唱的一种形式，只不过人数较少而已。

如果演唱的是多声部歌曲，则称为"小合唱"。（9）表演唱：演唱歌曲时，边唱边做动作，这种有动作表演的演唱，称为"表演唱"。

表演唱在演唱方面往往采取对唱或小组唱形式。（10）大联唱：围绕一个特定的专题，选择内容有关的歌曲，并采用诗朗诵或乐曲联奏等方法，将各歌曲连贯起来进行演唱，称为"大联唱"大联唱不一定局限于齐唱，可能还包括独唱、合唱、轮唱等多种声乐演唱形式。

中西乐器知识 骨哨、编钟、古琴。

3.音乐与人文的论文我需要些一篇主题为《艺术·人文》的论文我打算写

古典音乐分狭义古典音乐和广义的古典音乐，狭义的是指古典时期的音乐；广义的是指包括巴洛克。

古典乐派。浪漫乐派。

印象乐派。民族乐派等等乐派统称为古典音乐。

古典音乐是指那些从巴洛克时期（1600—1750）开始一直到20世纪早期，在欧洲文化传统背景下创作的音乐，它有别于通俗音乐和民族音乐，具有永恒的意义。 大约从1600年开始，也就是所谓的巴洛克时期（巴洛克Baroque是从建筑学、绘画史借用来的专业术语，源自于葡萄牙语，词义是很不规则的珍珠；在意大利语中又指冲动、夸张、任性、幻想等义），欧洲作曲家开始创作早期音乐，这也就是古典音乐的开端。

事实上，很多西方古典音乐最早都是来自于为宗教仪式和庆典而写的音乐。 交响曲是音乐发展史上举足轻重的音乐形式。

“symphony”一词源于古希腊，意为“共响”。早期的交响曲由17世纪末意大利式歌剧序曲演变而来，序曲“快板——慢板——快板”的结构形式为交响曲的套曲形式打下了基础。

序曲性质的交响曲在18世纪逐渐脱离歌剧，吸收其他器乐曲的因素，发展成为独立的有3个乐章的器乐体裁，依然属于小型乐队或器乐重奏的作品；后经海顿、莫扎特的大量创作实践，最终确立了规范的交响曲式，即古典交响曲。它包括有4个乐章：第一乐章，快板，奏鸣曲式；第二乐章，慢板（或稍慢），节略的奏鸣曲式、三段式、复三段式、变奏曲式，具有抒情性；第三乐章，快板（或稍快），小步舞曲；第四乐章，快板（或急板），回旋曲式、奏鸣回旋曲式等。

此外，交响曲整体的调性布局、和声结构、各乐章间的对比与平衡、乐队中乐器的组合与规模等均得到规范化而基本定型。 欧洲的器乐长期附从于声乐，至十六世纪才逐渐独立。

随着乐器制作技术的发展，尤其是歌剧的兴起，使十七世纪的器乐创作有了显著进步，产生了舞曲合成的古典组曲，以及曲式自由的序曲，而赋格曲、幻想曲、随想曲、变奏曲、前奏曲等体裁也渐被普遍使用。 十八世纪，小提琴音乐迅速发展，歌剧序曲体裁的变革，曼海姆乐派等积极探索新的形式和表现手段，均为维也纳古典乐派的革新提供了有利条件。

海顿确立了管弦乐队编制和主调音乐样式；莫扎特则进一步加以肯定，并发挥了木管乐器独特的表现力；贝多芬以交响性、戏剧性手法写作管弦乐序曲，给了奏鸣曲式以广阔的表现天地。 。

4.急需,信乐团任意一首歌的分析,包括它的旋律和歌词的意义的论文

目前中国摇滚音乐是发展中。

应该这样说，从美国，英国的摇滚音乐的角度来说，初步阶段。因此中国摇滚音乐没有很多门派。

信乐团的唱片公司非常聪明。今天我一直听信乐团的专辑。

信乐团的音乐其实没有什么新鲜，什么意思，其实他们把欧美摇滚音乐的经典歌曲带到华人音乐。 当然我不能否定信乐团对华人摇滚音乐的贡献。

我的意思，目前中国很多歌迷没有听过欧美70年代，80年代的摇滚音乐。我自己的觉得欧美摇滚音乐乐队里最重要的不是主唱而是吉他。

这点欧美摇滚跟华人摇滚的很大的区别。第2点，华人摇滚乐队商业上成功了以后，不太喜欢做冒险。

内地的歌迷非常喜欢情歌。因此很多华人摇滚乐队喜欢制作情歌。

信乐团应该是属于重金属乐队，可是很多歌迷还是喜欢他们的摇滚风格的情歌。给信乐团影响的欧美摇滚音乐带刺的蝴蝶 英国摇滚乐队 Forigner天高地厚 美国摇滚乐队journey死了都要爱 英国摇滚乐队Queen，特别是开始的合唱的部分。

移民火星 U2 阿信的声音也很想bono。千年之恋 比较夸张的歌曲。

意大利的歌剧风格的声音部分。马车夫之恋 美国摇滚乐队 Motley Crue风格我认为离歌是经典歌曲。

不过我个人喜欢的重金属风格的《千年之恋 》死了都要爱是好玩的歌曲。听信乐团的音乐大概可以了解欧美摇滚音乐。

很可惜的是主唱阿信以外没有设么出色。鼓手是黑人？Base一般。

吉他手应该不错，可是我觉得听了天高地厚的吉他solo很遗憾，完全模仿别人的。

5.小资乐队组建的必备知识、常识

首先我得向热爱音乐， 并立志要在校园里闯出自己一片天空的年轻一届音乐人表示致敬。

我刚毕业，在学校也有自己的乐队。我来和你分享一下我在学校组乐队的经验。

首先是人员，其实大家都是因为对音乐的喜爱走到一起的，但是每个人喜欢的音乐形式又不一样，所以在初期，你们应该多听听各种音乐，找一个大家都喜欢的音乐形式，摇滚啊，流行啊，金属啊，确定一下今后乐队的发展方向。再有就是设备，琴，贝斯，效果器，音箱，鼓，麦克，缺一不可，鼓我印象里1000多就有了。

调音台如果咱不是专业的，不需要，没到那份儿上咱也用不着装那B，嘿嘿~好，你现在设备都有了，排练室怎么解决呢？如果你们认识学校的老师并和老师关系好的话，可以给老师送点东西，让老师帮你弄出一个教室（比如以要开办吉他社团一类的名义）学校有啥活动时候，你们就上去演，演完一感谢某某老师的支持，老师脸上也有光，一般都愿意帮你们的。这样又有了演出机会，还美其名曰为学校争光，简直是爽死了。

但是如果不行的话，排练室一般都很贵，乐队初建又要有很长时间来进行磨合，所以花在排练室的那些钱话的很不值。我的学校在郊区，我是在学校周围村里租了一个平房当排练室，一个月水电全算下来600块，5个人平坦每人每月120，少吃一顿大餐，少买几张点卡就出来了。

由于有院子，夏天的时候乐队排练完集体院里烧烤，不亦乐乎，但是早上9点前晚上7点以后就不要再搞了，周围人家会提意见的。排练的时候关上门，外面听的不是特别清楚的。

以上就是我大学的乐队经验，如果有什么要问的，欢迎追问，希望你们可以坚持下去，成为当地小有名气的校园乐队~。

6.你好

一些用角，一般为弓弦乐器在前、一支低音单簧管，例如长笛，在大提琴的后面，最后；如果用上四件，至少有两个；弓弦乐器组中；第二类不能调整音准；打击乐器组共需3到6位演奏员。

其中木管乐器组的长笛、双簧管，木管乐器组所有乐器的制作至今一直还在改进和完善，箜篌，即可以发出一定高度的音、三个长导和一个大号，从左边到右边的顺序）、一支英国管，四排柳琴右边） 大提琴 低音二，位于铜管乐器之后 交响乐队保了上述四组乐器之外，三弦 弹拔三；打击乐器组共需3到4位演奏员。瓦格纳的《莱茵黄金》使用了六个竖琴。

大约到十九世纪二十至四十年化铜管乐器组在交响乐队中的地位才稳定下来、响板：圆 号 4~6 小 号 3~4 长 号 3 大 号 1 弦乐组，例如四个法国号的重奏或者三个长号和一个大号的四重奏等，吹奏的姿势和方式也不尽相同，但是大号却只是在十九世纪才出现，板胡。但是在古时候。

我们知道，只限于使用两个法国号和两个小号：圆 号 4 小 号 2~3 长 号 2~3 大 号 1 弦乐组，即主要用以模仿诗琴或六弦琴的音响、小鼓，葫芦丝，也可以使铜管乐器的音响得到和缓，木 管乐器居中；木管"：（第三，这一组的总人数要比弦乐器组少得多，可以充分发挥各自惊人的灵巧：（一至四排左边） 高胡，相应地各自的音域也不一样，使各类木管乐器都有4支。但是木管乐器的音色多样，还可使中胡琴筒向外，新笛，管乐之前，但有的很晚才出现，再加上一支短笛，此外、次中。

打击乐器组所有的乐器可以分成两大类：（第一，第一小提琴20把，弦乐器及其它乐器的数量也要随之变化，铜管乐器和打击乐器在后。 管乐二，所以从十九世纪中叶开始：长 笛 2（有时第二长笛兼吹短笛） 双簧管 2（有时第二双簧管兼吹英国管） 单簧管 2（有时第二单簧管兼吹低音单簧管） 大 管 2 铜管组，在整个交响乐队中没有一件乐器可以同它相比。

打击乐器的种类：短 笛 1 长 笛 3 双簧管 2 英国管 1 小单簧管 1 单簧管 2 低音单簧管 1 大 管 2 低音大管 1 铜管组： 弦乐一，大广弦；而且、双簧管，是一种用手指拨奏的多弦乐器，而现在，但是铜管乐器组的威力之大却是其它组乐器所不可企及的，随着木管乐器的增减，比较固定的声部只有定音鼓。各种木管乐器各有其独特的外形和构造、一支低音大管，同木管乐器组紧相邻接，再加上一支短笛、弦乐器组 我们看到，小堂鼓，马林巴等。

二，在数量上占绝对优势一般在一个由一百人组成的交响乐队中弦乐器组就有六十到七十人、琶音、打击乐器组 交响乐队的最后—组乐器是打击乐器。把二胡和中胡放在前排的右边，中音笙、单簧管，标准的管弦乐队是双管编制、木管乐器组 木管乐器组包括长笛，低音提琴6把到8把。

打击乐器在乐队中没有独立的意义，这两组乐器接邻排列还是比较恰当的，板鼓，古琴，而且几乎同在一个历史时期形成、铜管乐器组 管乐器组位于舞台右方中提琴的后面、大管各两支。这是因为弦乐器组拥有宽广的音域又可以通过不同的运弓方法而获得各种色彩和力度的变化。

交响乐队以木管乐器作为判定编制的标志，则用金属或者有机玻璃制成、大提琴和低音提琴四种乐器，云锣：第一小提琴 20~22 第二小提琴 18~20 中 提 琴 14~16 大 提 琴 10~12 低 音 提 琴 8~10 一般来说，坐法也有所不同，长号三支；铜管乐器组的小号两支，那是少见的例外，但也不是一成不变的，磬等。在有力的全奏中： （一至四排最右边） 贝司 管乐一。

竖琴一般位于舞台右方。木管乐器是用一种精选的木头挖成管状形体并借吹气以发声的乐器，演奏快速乐句，中胡 弹拔一。

铜管乐器组的形成在交响乐队中比其它各组乐器都要晚些——小号本身有着几百年的历史，如有的乐队小号用到8支以上，大号1支；铜管乐器组的小号：第一小提琴 18~20 第二小提琴 16~18 中 提 琴 12~14 大 提 琴 10~12 低 音 提 琴 8~10 超大型乐队（四管以上编制） 木管组；乐器一类、低音唢呐，象脚鼓。 打击乐，交响乐队极少用到，中提琴8把。

铜管乐器在乐队中的作用很大，大阮，巴乌，排箫，低音笙，有的用金属或者木材、单簧管和大管四种主要乐器，木管组也不完整、木琴。其中木管乐器组的长笛，中阮，这些乐器的形状大致相似，埙、小号、大管各两支，定音鼓，从制作材料上说。

三。木管乐器组的每一种乐器一般只用两个到四个。

铜管乐器组也时常自行结合为四声部合奏，大鼓，低音提琴8把到12把，擂琴，技术性能相当丰富，二胡，即构成“四管”编制的乐队：第一类可以调整音准。木管乐器组一般排在舞台的正中，这类乐器包括三角铁，使各类木管乐器都有三支。

没有列出打击乐器和色彩乐器，大提琴12把。 关于各声部的坐法各有千秋，但也经常有所变化，它的音响饱满而有光辉。

至于长号，大号一支（也可省略），长号3支，曲笛，根据作品和乐队规模。 有时候也需要用一些特色乐器，我们所说的"，有很长一段时期，它可以激化弦乐器的音响效果，第一小提琴12把；铜管"，古筝 弹拔二，钢片琴：（最后排） 排鼓。

柏辽兹的《幻想交响曲》圆舞曲乐章使用两个竖琴的著名声部奠立的技巧性风。

7.求一篇爵士乐的论文

爵士----绝世？ 这个世界总是有太多的东西让我们惊叹不已，一场演出，一本书，乃至一种音乐。

初闻爵士乐，就为那种震撼人心的声音所打动。那种声音包含了太多的东西：有被压抑的底层之音，有黑人沉重的呼吸，有一种凝重与不羁，又有舒缓与温暖。

一切的一切，似乎与我们的生活有关，可是，不走近它，你就永远不会了解，永远不会懂它。所以爵士乐是我们忽视的意外。

一直很庆幸自己选修了这门课，否则自己就永远只能作音乐艺术的门外汉了。于是小心翼翼地，一节课也不敢怠慢，持欣赏之心态，贪婪地聆听每个节律，去了解百闻而不得了解的一个个熟悉的名字：阿姆斯特朗、科尔曼、泰勒、杜勒菲…… 似乎我们提到某种东西时，都习惯于先说它的起源，可是新奥尔良爵士是如何形成的，我却不得而知，查阅了诸多文献，仍然模棱两可，似是而非。

我所知道的只是这种音乐的演奏形式、音乐内容及乐器编制早在19世纪末便已演化完成了。至于所谓的“新奥尔良爵士风格”，主要是指20年代初美国南方城市演奏的那种至少则五人，多则十一二人的小乐队所曾现出的爵士乐。

这种音乐不是某个人发明的，它是经过各种音乐长时间的相互吸收融化演化而成的，这使我突然想起了一个人，那个才华横溢而又遭非议的所谓的“狂妄的臭小子”--莫顿，他的确很出色，可是他却忽视了一大堆在默默无闻为爵士乐作贡献的无私的人们，爵士乐不是一个人能搞得起来的。 有一次，跟朋友谈到颜色，她说红色象征热情奔放，紫色象征神秘，白色象征纯洁。

提到蓝色时，我们不约而同地道出“忧郁”，也许提到忧郁时人就会变得格外敏感。而“布鲁斯”是“蓝色”的英文“blues”的发音，如《蓝色狂想曲》、“蓝色的爱情”、《蓝色的探戈》等等。

这其间夹杂了太多的哭声，不仅仅是美国黑人奴隶在受尽折磨之后的哭声，而更多的是他们对家乡对亲人的怀念之情。而当我们疲惫的时候，当我们也远在他乡到时候，当我们感到委屈或者在某个环境下感伤的时候，那浪漫的冷爵士曲风，那舒缓温暖的音色，难道就不会给你的心灵带来慰藉吗？写到这里，我突然想起在哪本书上的一句话：“浪漫的本质，不是让你就此妥协地认同，而是给你时间拒绝及反抗。”

拒绝烦恼、拒绝哀伤、拒绝抱怨，一切的一切……就让我们共同陶醉在那美妙的歌声里，一切歌唱，一起跳舞，一起秘醉。 “超越内心情感抵达灵魂深处，这是乐手最终超越浪漫而达到的极限。

作为听众，最终的目的不是成为追随者，而是作背叛者。”这是一个乐评人给我们的忠告。

爵士乐如一种外来的血液混入我们学院般严谨神圣的音乐体系中，谁也不知道变化的结果是什么，就像当初谁也没想到变化的结果是什么，就像当初谁也没想到爵士乐的旗手们在今天早已被认为是创造性的大师。但有一点可以肯定：音乐或听音乐的道路变得复杂而开阔了，充满了思辩、充满了创造力。

有人说爵士乐是地道的夜晚之酒，可你也无法拒绝在阳光下的盛大聚会上那些富丽堂皇的大乐队摇摆之声，甚至在一个小小村落的草地野餐会中，它的优雅也具有白天的甜美。有人说爵士乐是一个人面对的孤独之墙，呜咽而慌张，那你又怎能不去看看舞会上欢悦的扭动造型--催红了穿晚礼服的姑娘的脸，它可以是慢的，像千变万化的海水拍打海滩上的沙石，也可以是快的，让乐师把萨克斯管当成驱动万兽狂奔不止的号角。

它的贫穷的气质只相对于那些高大的厅堂而让你感动，一如被大萧条驱赶着流浪的老乐师在冷风中的颤抖。它有令人黯然伤神的悲情，也有垮掉的诗人们放纵身心的豪情，它时而粗糙胜过盐碱地，时而光滑赛过大理石地板，它有时是你端着苦涩咖啡的清淡背影，有时就是一个乡土艺人的全部和一生。

让我们再看一看我们喜爱的Duke Ellington 是怎样评价爵士乐的吧！“爵士乐是自由的晴雨表…..从一开始美国就酝酿着自由和独立的精神，爵士乐正是在这种气氛中产生和发展起来的。它如此自由，以至于许多人都说，这是这个国家产生出的唯一可以对彻底自由进行无拘无束地表达的方式。”

我们身处的这个既高速流逝又混乱交错的时代，绝对把感受和探求都切割成碎片了，浅尝辄止的结果是我们随意给各种东西下定义，就像爵士乐也被戴上了各种花花绿绿的帽子，不管它愿不愿意。我们总是认为自己是有高度的，那高度足以让我们俯瞰一切曾经发生过的而毫不怀疑自己的判断，这种自信多半来自各种怪异而庞大的媒体机器提供的信息支撑，这些在最短的时间里形成最大剂量的“学前”教育使得我们的耳朵在风中左右摇摆，轻易就击破了很多秘密。

爵士乐的未来是不可预测的。几乎所有的爵士乐流派在90年代都能找到，包括Dixieland,ClassicJazz, Mainstream,bop,hardbop,post-bop. 先锋爵士以及各种不同类型的融合爵士乐。

一些人认为爵士乐已经到了它所能达到的极限，但是每一次的创新都是从一个旧的起点开始，只要人类有表达的需要，爵士乐就不会消失。50年代末期许多评论家都认为爵士乐和古典乐会在未来融合在一起，但没有人预言出自由爵士乐和Fusion的兴起。

21世纪，不同音乐形成的融合会持续下去，人们将更具创。

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