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钢琴踏板的运用--我的毕业论文 “踏板被人称为钢琴的灵魂。”
从鲁宾斯坦的这一名言我们不难看出钢琴踏板的运用在钢琴演奏中占有非常重要的地位。不论是水平粗浅的初学者，还是蜚声海内的钢琴大家，在演奏中无一不会不使用到踏板，但是关于踏板使用方面的文献却寥若晨星。
在钢琴教学，尤其是初、中级程度的钢琴教学过程中，很少有教师对学生系统的教授钢琴踏板的使用技巧，只是在需要学生使用踏板时才会零碎的作出一些指导。而这样导致的诸如：只顾踩踏板而不及时放、为追求所谓的“气势”“热闹”而胡乱的使用踏板、更有甚者将踏板作为技术缺陷，力度不足的掩饰等毛病。
有鉴于此，我在总结了前人的经验的基础上结合我多年来在钢琴学习上的一些心得对钢琴踏板的运用做一番探讨，有不足和疏漏之处还望予以斧正。 一.踏板的基本功能 钢琴踏板的使用是弹奏方法中一项必不可少的内容。
踏板使用得好坏，直接影响到弹奏的声音、色彩和风格。因此在谈钢琴踏板的使用技巧之前，有必要先简介一下钢琴踏板的最基本的功能。
1、右踏板是延音踏板，一踩下去，钢琴里的制音器全部打开，所有弹到的音就会延长。当脚一抬起来，制音器又压在琴弦上，音的延长就中止。
2、左踏板是弱音踏板（ulna cord） 在一般家用立式钢琴上，踩下左踏板，琴槌整个往前挪一些，离琴弦的距离就缩短了，声音相应就弱了。在演奏用的三角钢琴上，一旦踩下左踏板，则是整个键盘向右稍挪动。
在三角钢琴上原来每个琴槌应击中三根弦，踩了左踏板以后，整套琴锤就会稍向左侧移动，这时琴槌只能击一根弦了。这样声音不但弱多了，而且产生了不同的音色变化。
所以有时乐谱上标明"一根弦"或"三根弦"就是表示用左踏板式是放开左踏板。由于左踏板在演奏琴上能作出这样的力度和音色的变化，它的作用就不仅是帮助演奏者弹得更弱，也是为了增加声音的柔和，并除掉音质中任何敲击的成分。
左踏板往往被比作“旋乐演奏者的弱音器”。 3、中踏板最经常地的被称做延长音踏板（sostenuto）。
在立式钢琴上，它会使击弦机上方一块厚绒降下来，挡在琴槌与琴弦之间，这样弹出来的声音就小得只有自己听得见，屋外的人则听不见，这是为了不影响别人，没有演奏上的意义。而在演奏用三角钢琴中的作用与在立式琴上的作用完全不同。
这个踏板的作用有点象巴罗克时期乐队里的通奏低音。用来支持旋律声部的流动，换句话说，如果钢琴的高音声部极为复杂，但是左手的跨度又很大，必须弹奏低音（控制和声节奏）需要将低音延长，如此一来，钢琴家就不能两头兼顾（因为没有第三之手），这时候，左踏板的优势就极为明显了！它的作用就是在这是发挥了出来。
钢琴家踩住这个踏板，再弹低音，这个低音就会被持续（而不象右踏板那样使整架钢琴当时发出的音都延长）然后，在这个低音的支持下，就能很从容的弹奏较高声部的曲调。所以，这踏板就是解放左手，有目的的减低弹奏难度的踏板。
二.踏板运用的基本技巧 首先有必要补充一下一些踏板技术动作的基本要领 1.脚的位置 脚的位置在使用踏板的时候是非常重要的，因为在演奏当中脚的错误位置会妨碍脚和手之间的敏感的相互作用，尤其是在同一时间用同一只脚使用两个踏板的时候，如有时需要这样用中踏板和左踏板时。正确的方法是脚应放在能使最大的压力点来自脚趾和脚的交界处的位置上。
不要太靠近钢琴，脚尖几乎顶着琴板，用脚心踩踏板，这样不灵便；也不要偏远，只用脚趾踩踏板，这样不塌实。 2.脚的动作 脚跟不要离开地面，以脚踝为主要动作部位，用前脚掌将踏板踩下去、放起来。
放掉时，脚掌可以一直不离踏板，如果为了放得干净也可以稍离一点点。 下面我们开始探讨一下踏板使用的一些基本技巧 由于我们常用的是右踏板，而另外两个踏板的使用比较少见。
因此我在这一部分内容里主要对于右踏板的使用技巧进行分析。（附表 ） 1. 踏板，又称节奏踏板或重音踏板，在这个技巧中踏板与一个和声同时被踩下去，在下一个和声前一刹那被放掉，然后再和下面新的和声发声的同时踩下去。
适用与强调节奏特点的乐曲中，可以产生增强音量，获得浑厚共鸣的效果。在肖邦《前奏曲》OP.28 NO.20中由于整首乐曲都是柱式和声连接，属于一种进行曲风格，如果使用音后踏板就会使得旋律变得过于连贯，而失去乐曲本身的那种类似沉重步伐的效果，因而在踏板法的选用上要使用直踏板，一个和声一换。
（本身乐谱上也有标记要使用直踏板）（谱例 肖邦 《前奏曲》OP.28 NO.20） 舞曲风格的乐曲踏板的使用在于表现舞蹈风格的特点，如《内蒙古民歌主题小曲七首 舞曲》中4个小节构成一个乐句，前3小节踏板踩在节奏重拍上，而第4小节踩在节奏弱拍上这是和蒙古舞蹈的舞步相一致的（《内蒙古民歌主题小曲七首 舞曲》） 2. 音踏板 我们常说的“切分踏板”和“跟随踏板”，两者和“连音踏板”都是一回事，即连奏中的更换踏板。“切分”的意思是，弹奏连奏中的第2个音时，手往下时，脚往上（而后再踩下），类似切分音的节奏。
跟随的意思是，脚跟着第2个音弹下后重新踩下的。——目的都是一个。
2.请问钢琴教学法论文怎么写
考入高等师范院校的钢琴学生，一般都具备较好的文化素养，有着强烈的求知欲，这就为钢琴教师的教学奠定了很好的基础。
虽然学生的钢琴弹奏水平参差不齐，但教师的教法如果得当，每个学生都会受益匪浅。外国的钢琴教学法发展至今日，形成了多种教学观点并存的局面。
作为一名音乐教师，懂得合理借鉴、运用外国的钢琴教学法，洋为中用尤为重要。一、运用培养学生综合性音乐才能的教学法 帮助学生培养几种钢琴学习中必备的能力。
（一）把握作品风格的能力 对于学习钢琴起点较低的学生，要通过讲解和赏析的方法使学生对作品风格有初步的了解。学生在弹奏作品的过程中，教师要不断地介绍与此作品风格有关的内容，如作曲家的个性特征、最为出色的创作领域、作品所处的时代特征等。
首先以生动、贴切的语言使学生对作品、作曲家有初步的了解。对于学习钢琴起点较高的学生，老师可以采用对比的方法，使学生主动发现他们个人对作品风格理解上的偏颇。
这样，学生就能理解作品风格，并能用语言正确地表述出作品的个性特征。但是，由于学生的内心体验不够丰富，在音乐中难以显露出某种个性，所以，要让学生先听自己弹奏的效果，让他们自己发现所听到的和心里想要的效果相去甚远。
然后，再让学生听大师的演奏效果，这样，学生就会不断地在内心听觉方面有新的体验。这样，让学生在对比中学会发现问题，让他们不断在内心积累对音乐风格的体验，他们就会逐步学会在弹奏中体现出作品应有的风格的能力。
（二）理性分析作品的能力 对于学习起点较低的学生，教师要运用启发式教学法，有意识地培养他们简要分析和声、织体、曲式的能力。进行这种分析耗时不宜过多，因为钢琴课毕竟要以培养学生的弹奏能力为主。
但是这种分析能力可以帮助学生从一开始就加强听觉方面的记忆，避免只运用单一、机械的手指记忆。而且，大学生学习钢琴，应以理论带动实践。
这种在教师启发下的分析法，可以使学生养成良好的学习习惯，有助于学生达到终身学习的目的。对于已具备某些分析能力的学生，教师就要多运用讨论的教学法，使学生的表达能力、思考能力得到提高。
教师要鼓励学生阐述自己对乐谱的理解，再针对学生的不同问题，为学生拓展出一个问题的方面。比如表情术语更深层次的含义、节奏韵律感的把握、旋律的走向、和声的色彩、织体发挥的作用、声音的层次感、运用踏板所产生的效果等问题，要先让学生有一个总体的设想，教师再适时地提出改进建议，帮助他们最恰当地理解乐谱。
（三）完善钢琴演奏法的能力 对于大多数学生而言，登台表演是可望而不可及的。在师范院校里表演实践相对机会较少，再加上平时准备的也就不够充分，偶尔勉强上台，效果差强人意。
若想改变这种窘况，就要在平时培养学生对表演抱有平常心的理念。因为如果只有考试而缺少舞台实践，那么学生的学习也就成了走马观花，很难深入把握作品。
相反，教师在教学中能够模拟一些舞台实践活动，学生就会在主动演奏的环境中，逐渐具备舞台表演的心理。喜欢登台演奏的学生，必然是想有一个好的表演效果。
高等师范院校的学生，特别需要得到培养的就是在力所能及的范围内刻画音乐艺术形象的能力。因为钢琴演奏是让作曲家心中的音乐形象和情感通过演奏者自然、准确地表达出来的，以引起听众的共鸣。
那么，这种音乐形象的刻画，对各种情感的体验，是在每节课、每次课下的练习中贯穿始终的。虽然，有些学生的弹奏技术存在一些问题，但是，要让学生树立一种观念——技术与音乐要形成一个紧密结合的整体。
二、运用培养学生弹奏技术和乐感并重的教学法 学生在提高音乐才能的同时，还要进一步完善弹奏技术，丰富产生乐感的表现手法。（一）协调身心，培养学生用心、用耳倾听音乐的能力 高等师范院校的学生有些是在考学前利用业余时间断断续续地学过钢琴，所以在弹奏技术中存在着身体不协调等问题也是相对正常的。
在手指训练方面，常见的问题就是指尖触键时没有触键点，这固然和学生以往练琴的方式密切相关，但是，主要还是因为学生没有掌握正确的触键方法，这就需要教师在课上指导学生找准正确的方法，不断巩固，在一段时间内强化难题，并经过反复正确练习，学生才会掌握基本正确的弹奏法。在手腕训练方面，教师要在强调指尖、手掌关节应有状态的前提下，练习手腕不同方向的运动动作。
手腕不做任何配合手指的动作的毛病在高师学生中是很多见的，因为练习阶段衔接的不妥，所以一些学生仍然死守弹琴只用手指的原则，这时，教师就要运用理论联系实践的方法，让学生体会到运用手腕是否在弹奏中所产生的不同效果，再指导学生读一些钢琴教学理论的书籍，使其在观念上树立正确运用手腕的理念。在手臂训练方面，特别要教会学生找准重量下沉的感觉。
在这方面的教学中，要注意在“手指学派”和“重量学派”间找准平衡点。这两大学派各有所长，各有所短，教师要有意识地引导学生把握精华部分，避免其不合理的成分对学生产生负面的影响。
此外，在完善技术的过程中，培养学生用心、 用耳倾听弹奏效果是至关重要的。
3.如何激发学生学琴的兴趣论文
音乐教育中对钢琴的学习不仅可以培育儿童良好的道德情操、提高美感促进其心理品质的发展，而且有助于儿童思维的发展。
然而现实中的钢琴教育，并不一定像我们所想象的那样。因此，如何激发幼儿学习钢琴的兴趣，成为每一个钢琴教育者最为关心的问题。
美国著名教育家奥苏贝尔认为：“动机与学习之间的关系是典型的相辅相成的关系，绝非一种单向性的关系。具体地说，动机是学习的先决条件。
成就动机主要由三方面的驱力组成：认知内驱力，自我——增强驱力，附属内驱力。”这一思想对我们研究、指导钢琴教学，引导学生积极主动地学习钢琴有一定的借鉴意义。
一、认知内驱力在钢琴教学中的作用 所谓认知内驱力，就是指学生渴望认知、理解和掌握知识，以及陈述和解决问题的倾向。简言之，就是一种求知的需要，它主要发自学生好奇的倾向，以及探究、操作、理解和应付环境的心理倾向。
学生的这些倾向或心理需要开始时只是潜在的，这种潜在的动机只有在不断取得成功时才能表现出来。 幼儿期指的是年龄在三岁到六七岁的孩子。
这个年龄阶段的特征体现为认知内驱力较强，对任何事物都充满了好奇与渴望，具有好学的态度。在钢琴教学中，教师可以充分利用幼儿对钢琴的好奇心来教授知识。
儿童在接触、学习钢琴之前，可以先让他聆听一些优美的钢琴曲，当他观察到弹奏钢琴的美妙之处，产生强烈的弹奏欲望时，再让他接触、学习钢琴。 二、自我——增强内驱力在钢琴教学中的作用 成就动机的第二个组成部分是自我——增强内驱力。
自我——增强内驱力反映了一个要求凭自己的才能和成就获得相应的社会地位的愿望。随着学生年龄的增长，这种需求日益加剧，这与社会文化的影响是密不可分的，这是一种外部动机。
它与认知内驱力的不同在于，并不是直接指向学习任务本身，而是把成就看作赢得地位及自尊心的根源。 尽管这种内驱力具有随着年龄的增长而增长的特征，但并不是说在幼儿时期没有这种自我——增强内驱力。
在同孩子进行交流的过程中，孩子有时会问老师一些问题，如“我现在学习钢琴，等长大后我也可以像老师一样教学生吗？”或“长大后，我也能像郎朗（国际著名的钢琴家）那样弹得那么好吗？”这恰恰说明在孩子的心中也是具有这种自我——增强内驱力的。尽管这种内驱力会带有一定的功利性，但如果能够适当地加以利用，可以取得很好的学习效果。
三、附属内驱力在钢琴教学中的作用 附属内驱力指的是学生为了保持师长们对他的赞许或认可，而表现出来的把工作做好的一种需要。一般说来，这种附属内驱力在成就动机中的比重成分，是随着年龄的增长而逐渐减少的。
但不是说随着年龄的增长，它的作用会越来越小。 在教师与学生交流的过程中，教师一个关爱的眼神或一句鼓励的话都会给学生很大的影响。
尤其对初学钢琴的幼儿来说，不论是音乐知识还是弹奏方法对他们来说都是较难理解的，因此在幼儿的学习过程中，教师和家长的态度要以鼓励或赞扬为主。但是，学生的情况千差万别，教师应掌握批评与表扬的分寸。
上钢琴课时，如果学生弹奏得质量不够好，但听得出是努力练习过的，这种情况下，就不要轻易地批评，最好先予以肯定，之后再指出缺点，并帮助学生改正。如果学生弹奏的质量还不错，但没用功，只是依赖个人音乐素质，这种情况就不能盲目表扬，而应当指出其缺点，加以改正。
四、有效引导学生积极主动地学习钢琴 1.教师的教育观念 一个学习钢琴的孩子，他将来有可能在艺术的道路上发展下去，成为一名钢琴家，也可能成为一名数学家，但不管怎样都不能偏离钢琴教育修身养性、陶冶情操的目的。教师的教育观念首先要认真地尽心尽力地去教育孩子；其次，不能把钢琴教育当作无休止的对技能、技巧的学习。
当然技术是要为演奏准备的，但最终目的还是要去弹奏曲子。要让孩子多接触优秀的乐曲，真正让他们体会到弹琴的乐趣，而不要给他们一种弹钢琴就是“痛苦的练习技巧”这样的认识。
“人是情感的动物”，情感是我们与生俱来的。心理学研究也表明：情感是影响教学质量的一个重要因素。
积极丰富的情感能促进认识过程，使学生个性品质得到全面发展，对于学生的学习，尤其是钢琴的学习具有极其重要的作用。德国教育家第斯多惠说：“谁要是自己还没有发展培养自己的情感，他就不能发展和培养好别人的情感。”
因此，教师应当真正去爱、去关心每一个学生的成长、学习，给学生以亲切感、信任感。因此，教师要用自己的人格魅力来吸引学生，在潜移默化中影响学生。
2.教学方法要灵活贴切 教师的教学方法不要枯燥、单一，要让学生在娱乐中学习，在学习中娱乐。例如，儿童具有爱玩的天性，我们要尊重儿童这种爱玩的天性。
在上课的过程中可适当地与他们做些游戏，但做游戏也不是漫无目的。我们可以在钢琴上弹出不同的音，然后让孩子来猜出音高的音名，目的是锻炼孩子听音的准确性，让他们记住音高，或者，在琴键的上方用张纸挡住孩子的视线不让他看到琴键，然后让他在钢琴上找出do、re、mi的位置，目的是让他们能够熟悉钢琴键盘及每个音的位置，为以后。
4.要准备毕业论文了,钢琴专业的,写个什么题目呢
二、解读《船歌》的艺术魅力 《六月——船歌》是典型的复三部曲式，也正因为典型，才常常被人们选中作为结构解剖的实例。
曲式结构是：引子+A(a+b+a')+B(c+d)A'+(al+bl+al')+尾声。音乐在从容和带有动感的节奏中响起，展示《船歌》碧波荡漾的宁静和悠闲的氛围，摇浆之声缓缓从静静的湖面传来，引出优美如歌的第一部分音乐。
第一部分A(a+b+a')为如歌、抒情的呈示段，g小调的曲调使音乐带了一些俄罗斯小调的哀伤，它一路直上，有一种微风拂面的淡雅，又如静静的湖水连绵地流淌，舒缓地抒发着作曲家对大自然美好的感叹。钢琴的音色分出i个层次——高、中、低声部，高声部的旋律唱到最高点的时候一降再降，伴随着渐弱的琴声，一抹淡淡的哀伤和怅惘悄然而至，音色从明亮逐渐过渡到柔和，一种细腻的柔情顺着旋律流人心底。
低音线条则似一个低音乐器在演奏，始终保持着一个较长的歌唱线条，延续着淡淡的忧伤。中声部运用了优美的和声填充，还时时出现短小的伴唱（补充）旋律与高声部互相呼应，使音乐听起来非常亲切、舒适。
中段的音乐移至大调将主题旋律展开，音乐的情绪变得略为明朗、肯定，旋律在降B大调和g小调中穿梭，更为抒展、宽阔，有一种俄罗斯小调引吭高歌时的舒畅感。最后引出再现段的主题，回到了音乐开始时的淡淡忧伤和静谧之中。
在弹奏时，手指尽量贴键，弹奏出饱满且柔和的音色，双手的衔接亲切、自如。这一部分为全曲奠定了主要的基调和音乐氛围，我们可以立刻感觉到《六月——船歌》，没有其他作曲家《船歌》里的烂漫轻盈，反而透露着另一种特有的诗意。
仿佛身临其境来到了俄罗斯某个清凉的别墅区的湖边，在湖光涟漪之间听着美妙乐音，音乐和时空交错在一起，让人分不出音乐内外的区别。正如柴科夫斯基自己所说：“你怎样能够表现当你在写一部器乐曲时掠过脑际的一些漠然的感觉呢？这纯粹是一种抒情的过程，是灵魂在音乐上的一种自白，而且充满了生活中所有的经验，通过乐音倾泻出来，恰如抒情诗人用诗句把它倾泻出来似的。”
这种诗意表现着柴科夫斯基音乐另一种抒情、细腻的语言，同他其他大型作品中反映出的时代悲剧性相比，《船歌》的忧伤是淡淡的，在宁静与柔和中，柴科夫斯基展现着另一番感悟。 中部音乐B(c+d)转到了明朗开阔的G大调上，音乐纯朴、明快，与前段的音乐情绪形成一种鲜明的对比，将人们从宁静悠闲中带到了欢快的舞蹈气氛里，描绘出人们兴致勃勃、谈笑风生的欢快场面，仿佛桨叶拍打水面，泛起层层浪花。
持续的切分和弦伴奏，将旋律陪衬得灵巧而欢快，随着旋律宽广、高亢的发展，气氛逐渐热烈开来，通过乐谱的分析与听觉的感观体验，我们不难判断出，音乐发展到了全曲的高潮乐段。在弹奏时，旋律需要表现得轻快且连贯，兴奋中又带有很强的歌唱性，犹如一支欢快的舞曲。
表现出人们踏着轻盈的垫步随之摇曳的厕面。柴科夫斯基在这一段运用了平行三度、八度和弦、减七和弦琶音等音型构成旋律，使得音乐在不稳定中发展；而切分节奏的出现更加剧了音乐的急促，同时增加了力度渲染，制造出“山鸣谷应，风起水涌”热闹欢腾的动态景象，直观的让人感觉到了高潮乐段的来临。
演奏这部分音乐时，要抓住节奏的拍点，结合踏板的使用，让音乐在轻松、自如中，音色要丰满而且坚定，但又不能弹得太粗鲁、沉重，通过对音响的控制，逐渐推动出一种震撼的力量。如约，霍夫曼所说：“通过真正正确的研究，演奏者就能决定哪些地方应弹得恬静，哪些地方是乐曲的高潮，从而创造了运用自己的想象力的基础。”
音乐发展到此，我们可以体会到，音乐已经有了鲜明的对比，高潮的热烈欢腾使人们暂时忘却了之前的宁静思绪，用动态的形象冲击静态的安宁，创造两种艺术形象的手法，经常被柴科夫斯基所使用，是“柴科夫斯基特色”之一。通过音乐语言调动起人的各种感知器官，在美感交集中给人以通透的愉悦，构成了《船歌》独具艺术魅力的主要原因。
通过欢快的高潮乐段，我们可以看出，柴科夫斯基音乐的基调几乎都是建立在民歌、民间舞蹈的基础上，乐曲里呈现出的浓烈生活气息和俄罗斯民间舞蹈特色，贯穿着这一段的创作基调。他主张音乐的美，是建立在真实的生活和深刻的思想基础上的，因此他的作品以旋律优美，通俗易懂而著称，又不乏深刻性，他的音乐是社会的真实写照。
乐段的最后，利用琶音和弦的延长音和声音的自然延长衰减，从容地将宁静的音乐再次引出，回到之前诗一般的意境中。 最后是全曲的再现部分（A'），响应乐曲开始那静谧、诗意的氛围。
“之前抒情、平静的初始状态，作为一种基本的心理基调保留在记忆中，而中段部分的新材料，使我们的心理可能产生了更多的运动和动荡——发生心理上的不平衡感，如今又再现了初始的音乐形象，立刻让人产生一种‘回归’感。”。
而这种对称平衡的形式美，带给了人们一种非常舒适的审美体验。回归之后，柴科夫斯基利用中声部呼应句的变化，对旋律作了进一步的补充、伸展，将原来的“独唱”，变成了有对应的“二重唱”，犹如两人倾心对话般地相互呼应，音乐内容更。
5.浅谈钢琴学习与幼儿良好个性的养成 论文 谁来帮我写下呀 谢谢啊
音乐能使人变得愉快、健康，它始终是人类最好的朋友和不可缺少的精神食粮，它在社会发展的进程里占据着不可低估的位置。
音乐作为少儿早期教育的一项重要内容，它是一种特殊的语言教育。人在幼儿时期是听力思维敏感佳期，在这个求知欲和接受力的高峰阶段，如果能有条件学习点音乐，学习一门乐器，那么，将会对孩子的智力启蒙、身心健康、性格发展产生相当大的效益。
为了能使孩子得到全面的发展，众多的家长开始让自己的孩子学习钢琴，并且很多的孩子在幼年时便开始学习钢琴。那么，为什么要让孩子在幼年就开始学习钢琴呢？ 在这里必须着重指出的是，学习钢琴这门技艺性很强的乐器，这绝非是一件轻而易举的事情。
孩子们必须持之以恒地接受严格的训练，在训练过程中，不断培养孩子的意志力，增强他们的自我控制能力，激发他们的进取心，逐渐培养与建立孩子们学习知识的自信心、自强心，培养他们独立学习知识的自觉性和踏踏实实的精神。 据美国著名的人类能力发展研究博士杜曼提出：“幼儿具有强烈的学习欲望与魔术般的吸收能力，越接近零岁这种欲望与能力就越强。”
这些从实践中总结出来的精辟论述，向我们揭示了儿童早期教育的重要性，使我们认识到，必须把握好儿童的早期教育的施教佳期，这会使他们不仅学习到很好的钢琴演奏技能，还会使他们更有想象力和创造力，使他们变得更加灵敏和聪慧。 通过钢琴弹奏的训练，能锻炼孩子克服困难的毅力，并且能培养他们良好的学习习惯。
同时，可以提高和锻炼孩子的观察力、注意力、听辨力、记忆力和理解能力，因此，我们可以看出练习钢琴不仅对孩子的智力开发有很大好处，而且对孩子整体素质的提高也有很大的帮助。 我们说，音乐是一扇通向人们创造思维和形象思维的窗口，孩子们通过对音乐的学习，对钢琴的学习，不仅可以使他们开发智力，还能对他们的文化素养方面，性格方面都有着潜移默化的影响，总而言之，从小学习钢琴，可以说对少儿是有百益而无一害的。
一、家长如何给孩子创造良好的音乐环境及练琴环境 一个好的音乐环境对孩子来讲是很重要的，如果没有好的环境的熏陶和影响，那么再有音乐天赋的孩子恐怕也难成才。 家庭所给孩子创造的音乐环境对孩子是有一定的影响的，这一点是不可忽视的，但是家长们一定要注意，要让孩子多听一些适合与他们年龄的音乐，这些音乐能让孩子将音乐和生活联系在一起，若是家长只注意给孩子创造音乐环境而不进行音乐的选择，那么将会是适得其反。
练琴环境的好坏也会对孩子产生直接影响，整洁、明亮、安静、气氛愉快和谐的练琴环境，会使孩子精神振作，注意力集中，有利于激发孩子练琴兴趣，从而提高练琴的效率。 二、钢琴教师如何提高孩子的学习兴趣 孩子总是能较快地接受新事物，容易对新事物产生好奇心，所以他们在刚开始学习钢琴时都会兴趣十足，然后一段时间后，情形就不一样了。
前一阶段每天会自觉地去练琴，再过一个阶段会勉强练琴，再往后就会渐渐对钢琴失去兴趣，这样勉强学习钢琴不但没有进步，反而会让他们对钢琴开始厌烦。所以，学习钢琴的小朋友一定要保持对钢琴有持久的兴趣，这样才能带给他们的学习上高度自觉性和自信心，这种持久的兴趣才能成为学习的强大动力。
教师一定要注意培养孩子的学习兴趣，教师应用幼儿形象思维的方式来启发和教育孩子，还可以用一些形象的语言来让孩子理解，这对孩子进行启发是十分有效的。比如，孩子在弹奏一首与动物有关的曲子时，让音乐变成故事，这样孩子不仅理解得快，更重要的是他们会对音乐更感兴趣，这样一段时间后，他们会用自己的方式去理解音乐，表现音乐。
时间长了，他们会越来越觉得音乐很有趣味性，会更加努力和认真地去练习钢琴的。 鼓励对孩子来讲是学习进步的最大动力，正确的鼓励是对孩子学习进步的一种肯定，哪怕是微小的一点进步也应给予鼓励。
实践证明，这个教育方法会唤起孩子的兴趣，激发学习情趣会产生立竿见影的效果。当孩子看到自己所做的努力得到了老师的肯定和赞赏时，内心不仅会兴奋，还会很自然地产生更大的学习愿望，从而会对自己提出更高的要求。
三、如何使孩子养成良好的练琴习惯 练琴习惯是在练琴中逐步形成的，练琴习惯的好坏对练琴效率有直接的影响。我们必须注意，要在孩子初学钢琴阶段不失时机地培养好习惯，否则坏习惯逐渐形成，再想改时就很困难了。
因此，家长要时刻注意从细小环节做起，注重培养孩子自觉、集中、严格、独立的练琴习惯，这些好的练琴习惯一旦养成，孩子就会把练琴作为一种自觉的内心需要，勤学苦练，发挥他们最大的智慧潜力。 让孩子练琴时间固定下来这很重要，这些时间应由家长给孩子规定，并且提醒孩子练琴，让孩子头脑里逐步形成每天必须练琴的概念，久而久之，孩子会形成一种练琴就跟他每天必须上课，写作业一样，是他的一项学习任务，是必须完成的。
当然，如果孩子在一段时间内练琴比较自觉，家长应给予鼓励，这样会使孩子对自己更有信心，对钢琴更有兴趣，在今后练琴过程中会更加认真，更加努力。 在钢琴学习中，独立练。
6.求一篇大学音乐欣赏选修课的论文 1500字左右
音乐是一种很神奇的东西.无论高低贵贱，我们都有欣赏音乐的自由.无论你是高兴或悲伤.当你真正用心去聆听音乐的时候.你就会忘记生活中的种种得失.尽情沉静在美妙的音符之中.音乐是一种心灵的产物.音乐是内心感情的一种宣泄.因此音乐往往会引起共鸣.会勾起你的喜怒哀乐.贝多芬的第九交响曲，就是在他失聪的情况下写出来的.试想失去听觉对一个音乐家来说意味着什么.可是贝多芬的伟大正是在于他用心去聆听这个世界，聆听自己的命运.所以他才能写出那么震撼的交响曲.贝多芬正向一个音乐精灵，在他身上我们看到音乐的两个属性-灵性和神奇.我是个感情很丰富的男孩子.我认为通常这样的人对音乐的热情会比较高.因为音乐本身是种很感性的东西.出于对音乐的喜爱我选择了音乐欣赏课.这对我来说对音乐的理解和感悟有了种突破.也纠正我对音乐的一些狭隘的理解.对于我们年轻人来说通俗流行音乐充满了吸引力和号召力.这是因为符合了年轻人的口味.但盲目追求流行的同时我们也丢失了一些东西.流行中的确有很多好的东西.但也有很快餐的音乐.现在终于知道老鼠爱大米有多可笑了.第一次那么近距离和静下心来聆听高雅艺术还是在音乐欣赏课.那么的震撼.感觉心灵受到洗礼.忘不了美妙的钢琴曲的声音. 我真的喜欢钢琴的声音.同时我也觉得自己的欣赏水平的提高.在感受音乐的同时，我们更了解了许多的音乐家.其中有天才莫扎特.和音乐之父贝多芬.上面提过.不过他是让人感受最深，心灵震撼最大的一个人.我觉得他太伟大了.贝多芬的一生是充满了艰辛与痛苦，但他同样是幸福与永恒的.因为有音乐伴随他的一生.更影响他的后代. 当然我是无法用音乐评论家的角度去分析他的音乐，我只能用心去感受，试图能与贝多芬音乐的灵魂接触，对于一位伟大的音乐家来说，音乐是生命，贝多芬同样如此，音乐是让人欣赏的，但贝多芬耳失聪后，仍对音乐那种至死不悔的精神让我感动。
他仍不断的创作，为后人留下了不朽的音乐篇章。此时此刻，音乐是有灵魂的，它飘忽于世界上的任何一个角落。
人们热爱音乐，更爱音乐给他们带来的那份感情。音乐的力量是伟大的，它甚至能拯救人的生命。
当然伟大的音乐只能由伟大的音乐家来创造，或许这话过于绝对了，但有一点，音乐是值得我们去付出的，也只有我们去付出了，才会让更多的人来了解音乐，才会让音乐家的生命永恒，让音乐的天使留在我们的身边。每个音乐人都希望有贝多芬那样的成绩，但音乐又是自私的，而是在于每个人对音乐的理解。
贝多芬的创作过程也是令人惊讶的，他善于捕捉每个音乐细胞。我想音乐与贝多芬已经合为一体了。
贝多芬是音乐，音乐亦是贝多芬。音乐的升华就是生命，或许有一天当我们去拨弄那把无玄琴时，才发觉音乐就在我们身上。
其实音乐无所不在.关键我们缺乏发现的眼光.就是因为音乐的灵性和神奇吧.所以不是没个人都能成为音乐家.我看过西区故事，了解了黑人音乐.我们这一代人大都或多或少地受到过西方古典音乐的熏陶，或者曾经喜爱过已广泛采用西方音乐体系的所谓中国民歌。我们接受那些起源于白人传统的美国流行音乐来一般不成问题。
但摇滚乐的基础有一大半来自黑人音乐，其旋律特点，节奏方式，乃至音调高低等都与西方古典音乐有所不同。黑人乐手十分注重Showmanship。
这个词可以译为职业道德。比如，早期的黑人民歌手即使再穷，上台也要穿西装，因为他觉得这是职业歌手起码的装束。
后来的黑人摇滚乐手在表演时一个比一个疯，演出服一个赛一个地夸张。这个词还可以译为表演技巧。
表现在音乐上，就是对即兴演奏的重视。其实早期的西方古典音乐很重视即兴演奏，据说莫扎特就是一个天才的即兴演奏大师。
但后来由于种种原因，西方人把这个美好传统给丢掉了。早期美国黑人乐手的唯一舞台就是酒吧。
在那种嘈杂的环境下，面对喝得醉醺醺的听众们，没有什么比一大段出色的即兴演奏更能吸引人们的注意力的了。美国摇滚乐吸收了黑人音乐这一特长，极为重视器乐独奏，在主副歌之间总要来上一大段Solo，极为出彩。
这在中国流行音乐中是少见的，这和中国乐手缺乏演出机会有着密切的关系。这些人可以说是后来风靡美国的所谓“另类文化”的开山鼻祖。
他们对世界文化的一大贡献就是扩展了人们的视野，鼓励人类第一次越过贫富、阶级和肤色这些表面的差异，挑战已经经历了几千年的许多基本价值观念。不管这种挑战是否有意义，有一点是肯定的：即美国的文化艺术（尤其是摇滚乐）的发展受了他们很大的影响。
其中一个最显著的后果就是：人们比过去更能容忍另类的思想和艺术了，甚至从某种程度上说是鼓励个性发展，崇尚标新立意。没有这种态度，没法想象美国摇滚乐在这四十多年里会出现那么多独特的歌手，那么多富有个性的作品，那么多不同的流派。
虽然我们聆听好音乐的时间不多.但我真的感觉到了音乐给我们带来的一切.不敢想象没有音乐世界是什么样子.虽然没有每次都去，可是我去的每次都用心听了.感谢老师，感谢音乐欣赏课。我知道以后的时光中能有这样的时间听音乐的时候不多.可是我很珍惜这样的机会.我在人生的道路上，她将永远伴我向前。
7.幼儿钢琴教育的论文
浅谈幼儿钢琴启蒙教育现在随着人们生活水平的日益提高，学习钢琴的儿童越来越多。其实家长让孩子学习钢琴更多的是为了让孩子开发智力，有一技之长所以孩子学习钢琴的目的更多的是可以使孩子的记忆、协调和集中注意的能力得到发展，为今后的学习和工作打下一个良好的素质基础。
我们都知道学习钢琴是越早越有利，因为手的幅度，手指间的伸张力以及手指关节的弹性对今后学习者的发展是具有决定性因素的。而这些，趁年幼，手指的关节和键膜都还柔软时，就加以有效的训练，这对手指机能是有极大的好处的。然而因为幼儿时期有其特殊的心理表现，所以对于幼儿来说，兴趣的培养则显得更为重要。因为幼儿时期心理发育尚不完全，缺乏意志力与责任感。虽然他们的好奇心很强，但如果不能及时将好奇心转化为对音乐的浓厚兴趣，久而久之必然对枯燥的指法练习产生厌烦情绪，随后对音乐也就会变得麻木不仁，只是手指的机械运动而已。所以幼儿钢琴教师必须熟悉儿童心理学与教育学。
许多家长想让孩子学习钢琴，但是不知道让孩子几岁学最好，医学家发现，音乐家的大脑比普通人要发达得多，特别是大脑左半球容量比普通人多。左右脑之间的纤维也比普通人粗。而这些脑生理特征在7岁前就开始学音乐的人脑中表现得更为突出。具有关专家调查，人的一生有两个重要的音乐才能发育期：一是学前的2~6 岁，二是学生期的12~15岁。就学习钢琴而言4~5岁的儿童已经有了一定的综合和自治力，是开始学习钢琴及其他乐器的最佳时期。但是幼儿心理学又告诉我们：三四岁幼儿的有意注意只有五至十分钟，五、六岁也不过最多二十分钟左右。所以在对儿童的钢琴教学中，不但要求钢琴教师掌握正确而娴熟的钢琴演奏技能，更要重视儿童的心理、生理特点。使儿童在学习这门课的过程中产生持久的兴趣，从而自发地产生对学习的要求，并从中得到激励和鼓舞。
那么怎样才能更好的对幼儿进行钢琴启蒙教育呢？
首先，要培养幼儿正确的弹奏姿势。常言道：苗栽地正，树大才长得直。从小就用科学的弹奏姿势弹琴，日后才能渐渐体会到正确地运用身体的重量和力量来触键和发声，提高弹奏的准确性。
那么，什么样的弹奏姿势是正确的呢？
其一，身体要与键盘的中央对正，坐得端正而不僵硬，上身略向前倾，前倾的目的是为了弹奏时把全身的力量都能转移到两只手的指尖上。但脊椎骨不可弯曲，背部和肩部要松而不懈。
其二，双手放在键盘上时要使肘部和前臂的高度与键盘一致。
其三，坐的距离以上身略向前倾、双臂自然下垂、左右肘部自然放松并稍向身体外侧展开；下身则注意大腿根到膝盖应略呈坡状倾斜，膝盖的位置在琴边下，双脚略向前伸。
其四，手型应放松，手指自然弯曲，用指端肉垫部分触键。掌关节自然拱起，像是虚握着一个圆球，手腕大约与键盘平行。大指第一关节仅以指侧端触及琴键靠边缘的位置，四指和小指要注意端正。
以上的正确的弹奏知识我们一看就会明白，但是对于初学的幼儿该如何启发他们呢？经过近期的实习我总结出了一些经验，我认为教孩子用正确的姿势弹奏主要是用示范法，让幼儿模仿，并用一些简单的比喻来启发。例如学弹奏前要先学会把手臂、手腕全部放松，不要紧张，不能僵硬，就好像手里攥着一支笔，一放它就掉下去了，如果没有桌子阻隔，它就掉到地上了，没有掉在半空的，那么手臂放松也一样，就好像东西掉在地上，手臂要自然下垂，切不可拿着劲在半空悬着，如果悬在半空中就不是完全的放松了。紧接的就是怎样让孩子学会正确的手型，我让他们想象手中握着一个鸡蛋，让他仔细地观察手腕和手臂是否一样高，把凸起来的手背比作屋顶，把手指比作支撑屋顶的柱子，如果没有把柱子站正站稳的话，房子就会倒塌了，所以手指的第一关节不能凹下去，掌关节也不能塌，手腕不能上浮和下压要和手臂保持一致，整只手形形成半圆形，双手合起来就像是抱着个大苹果一样。这样就便于孩子进行理解记忆。
8.谁能提供几个音乐专业方向毕业论文题目
1. 试论莫扎特《g 小调弦乐五重奏》第一乐章中对中提琴地位与作用的提升 2. 优雅的男高音——论大提琴在乐队中的作用 3. 大提琴演奏中国民族音乐的几点探索 4. 大提琴演奏发音问题探讨 5. 论二胡演奏的内心感觉与艺术修养的提高 6. 古筝演奏与心理音色 7. 浅谈想像力与心理调控力在小提琴演奏中的作用 8. 长笛演奏的基本技巧分析与实践 9. 关于借鉴西方作品分析法分析传统古琴曲的几点思考 10. 小议视唱练耳在乐器演奏中的重要性 11. 谈儿童学习乐器演奏的意义 12. 探析铜管乐器演奏的音准问题 13. 浅谈中小学铜管乐队的训练 14. 如何组织开展中小学小乐队的活动 15. （某器乐）演奏中的准确读谱与正确理解 16. 论（某器乐）作品的音乐风格与演奏 17. （某器乐）演奏右手技术问题之我见 18. 如何处理好（某器乐）教学中音乐表现与弹奏技术的关系 19. 浅谈（某器乐）考试、比赛前的心理的准备 20. 《二泉映月》的创作分析与演奏实践 21. 中国民族器乐的历史与现状之研究 22. 论杨琴演奏的思维 23. 浅析关于（某器乐）演奏的发音问题 24. 如何演奏好《莫扎特C大调长笛与竖琴协奏曲》K299 25. 小提琴的左手技巧 26. 浅析现代杨琴的演奏技巧及表现力 27. 简述萨克斯的气息 28. 浅谈琵琶演奏与教学心得 29. 论扬琴演奏中手臂运动与力度控制 30. 少年儿童古筝考级教学浅谈 31. 长笛演奏中的呼吸气息运用 32. 浅析二胡曲《洪湖人民的心愿》 33. 女子十二乐坊现象分析 钢琴 1. 怎样提高钢琴伴奏的演奏水平 2. 论钢琴演奏情和理的统一 3. 临场演奏中的心理因素 4. 浅谈钢琴教学中如何培养学生的演奏能力 5. 论钢琴演奏艺术中的想像力 6. 浅谈钢琴演奏的基本技巧 7. 浅谈中国风格钢琴作品的演奏 8. 试论钢琴表演艺术中的共性与个性关系 9. 试论钢琴表演艺术中的二度创作与实践 10. 论钢琴教育的教学原则与方法 11. 论钢琴教师的职业素养 12. 即兴伴奏与音乐表现 13. 论钢琴演奏中音乐表现与弹奏技术的关系 14. 论钢琴踏板的重要性及运用 15. 试论儿童钢琴教学的特殊性 16. 论钢琴教学中弱指的训练 17. 论钢琴演奏中的放松问题 18. 论巴赫钢琴作品的演奏风格 19. 论钢琴的指法艺术 20. 对钢琴演奏心理问题的研究 声乐 1. 当前适应中小学音乐新课程的高师声乐教学改革刍论 2. 民族声乐演唱中字正腔圆探究 3. 舒伯特艺术歌曲的演唱风格 4. 透过声乐套曲《冬之旅》浅谈舒伯特艺术歌曲的演唱 5. 演唱中国作品的发声与吐字 6. 歌唱心理素质在演唱中的影响 7. 花腔技巧在古典歌剧演唱中的运用与表现 8. 论赵元任声乐作品的民族性与演唱表达 9. 浅析黄自艺术歌曲的音乐特征与演唱表达 10. 试论多媒体在声乐教学中的运用 11. 释析巴罗克（古典/浪漫）时期声乐作品的风格特征 12. 试论声乐教育的评价体系 13. 怎样运用歌声传达情感 14. 如何运用科学的方法演唱通俗歌曲 15. 歌唱艺术中的情感体验与表现 16. 论学校声乐人才培养方案如何适应社会要求 17. 中国古代声乐美学发展初探 18. 童声训练的原则与方法 19. 高师音乐专业声乐课改革之我见 20. 声乐教学中应注意民族问题 21. 歌唱心理调控在人声训练中的作用 22. 民族声乐歌唱方法探析 23. 通俗演唱方法探析 舞蹈 1. 浅谈舞蹈教学中表演意识的培养和训练 2. 论舞蹈的教育功能 3. 浅谈音乐与舞蹈的关系 4. 文化对舞者的重要性——浅谈舞蹈理论对舞蹈实践的指导作用 5. 儿童舞蹈教学中的寓教于乐原则 6. 舞蹈对幼儿成长的作用 7. 论舞蹈教育与素质教育 8. 中小学音乐舞蹈教育的现状及创新发展探讨 9. 论普及性舞蹈教育在中小学教育中的重要性 10. 论节奏在民间舞课堂教学中的重要性 11. 加强高师民间舞教学中“民俗”的渗透 12. 论中小学舞蹈教育 13. 浅谈中小学舞蹈课程设置 14. 浅谈幼儿师范学校的舞蹈教学 15. 谈儿童舞蹈教学的制作 16. 浅谈中国民间舞的表演 17. “鼓”在民间舞中的运用和发展 18. “道具”在中国民间舞教学与创作中的运用和发展 19. 论舞蹈作品与社会生活 20. 浅谈舞蹈表演形式的创新 21. 浅析现代舞动作的发展 22. 浅谈中国古典舞对戏曲舞蹈的借鉴 23. 新时期大学生校园舞蹈教育的思考 24. 浅谈中等师范学校的民间舞教学 25. 浅谈地域文化对中国民间舞蹈文化的影响 音乐教育 1. 基础教育新课程改革形势下的高师音乐教育 2. 从普通高校学生音乐素质教育现状所引发的思考 3. 浅议对高师音乐教育专业基础课程教学改革的思考 4. 音乐素质的培养对幼儿身心发展的作用 5. 二十世纪中国学校音乐教育发展研究 6. 音乐新课程标准下的高师音乐教育专业学生的职业素质培养 7. 合唱在中小学素质教育中的作用 8. 论音乐教师钢琴即兴伴奏能力的培养 9. 论中学音乐课堂教学方法的多样性 10. 美育与音乐教育 11. 试论童声合唱的训练方法 12. 音乐新课标下的课堂教学方法研究 13. 中小学音乐教育与合唱活动 14. 高师音乐教育专业如何体现师范性的要求 作品分析 1. 析理查·施特劳斯交响诗《唐·吉诃德》中的引子的主题内涵 2. 浅析普罗科菲耶夫《第二钢琴奏鸣曲——Scherzo》的写作特征 3. 浅析莫扎特钢琴作品的和声曲式结构特征 4. 现代音乐作品中的情感因素 5. 对某某作曲技法的分析 6. 简述车尔尼练习曲 7. 论肖邦夜曲 8. 肖邦第一叙事。