众文网1.我是美术学专业国画方向的,过段时间要写毕业论文了,想在近期确
毕业论文：是大学生在大学的最后一个学期，运用所学的基础课和专业课知识，独立地探讨或解决本学科某一问题的论文，它是在撰写学年论文取得初步经验后写作的，它的题目应该比学年论文大一点、深一点。
其基本标准应该是：通过毕业论文，可以大致反映作者能否运用大学三四年间所学得的基础知识来分析和解决本学科内某一基本问题的学术水平和能力。当然，它的选题一般也不宜过大，内容不太复杂，要求有一定的创见性，能够较好地分析和解决学科领域中不太复杂的问题。
本科毕业论文篇幅一般在六干字以上。 回答： 确定题目要跟导师沟通，先拟好一份开题报告和论文大纲给导师看，让老师判断你论文的可行性，好的选题能够决定毕业论文的价值和效用。
选题时要注意规划文章的方向、角度和规模，弥补知识储备的不足 ，合适的选题可以保证写作的顺利进行，提高研究能力。 选题的原则 ：1. 理论联系实际，注重现实意义 （实用价值和理论价值） 2. 勤于思索，刻意求新 （从观点、题目到材料直至论证方法全是新的 、以新的材料论证旧的课题，从而提出新的或部分新的观点、新的看法 、对已有的观点、材料、研究方法提出质疑，虽然没有提出自己新的看法，但能够启发人们重新思考问题 ） 3. 知己知彼，难易适中（要充分估计到自已的知识储备情况和分析问题的能力 、要考虑到是否有资料或资料来源、题目的难易要适中 、题目的大小要适度 ） 你还有半年准备论文，时间还算充沛。
本科的毕业论文要求还不算严格，不知道你们是否要通过知网检测。你4年的国画学习历程，想必也有感兴趣的题目，例如可以写一些关于水墨动画的研究，“湿笔”的研究，意象造型研究，清代人物造型研究等等。
如果对你所选的题目自信不足，本科毕业论文还可以用浅析做题目开头。 积累资料的方法： 累积资料以下几方面的 ：统计材料、典型案例、经验总结等等 、国内外对有关该课题学术研究的最新动态 、边缘学科的材料 、名人的有关论述，有关政策文献等 、搜集论文作 者当时所处的社会、政治、经济等背景材料。
实际一点来你所选的题目自己要有一定的知识储备量，再者可以通过浏览知网、doc88（道客88）、美术类核心期刊、画论中找到适合自己论点的材料。 同时要有资料的辨析的能力，注意累积资料的适用性 、全面性 、真实性、新颖 、典型性。
拟定结构提纲 ： 要有全局观念，从整体出发去检查每一部分在论文中所占的地位和作用 。从中心论点出发，决定材料的取舍，把与主题无关或关系不大的材料毫不可惜地舍弃，尽管这些材料是煞费苦心费了不少劳动搜集来的 ，要考虑各部分之间的逻辑关系。
形成论点和论据： 由于人的认识不可能一次性完成，即使一种新观点出现，当时看来是完善的，但随着时间的推移，人们认识水平的提高总会发现原有观点的不足之处，所以，可以说，绝大部分已有的研究成果都给后世留下了补充性的研究课题。补充性论点是对前人研究成果的肯定与发展，而匡正性论点则是对已有研究成果的否定与纠正。
这种匡正性论点包括两个方面，一方面是对通说（即流行的说法或观点）的纠正，另一方面是对新出现的某种观点不足之处的纠正。 论文的性质：1. 科学性- 内容可靠、数据准确，实验可重复。
2. 创造性-原则上是不能重复别人工作，可以改进，但不能照抄。3. 逻辑性-思路清晰、结构严谨、推导合理和编排规范。
4. 有效性-公开发表或经同行答辩。5. 学术性-对事物进行抽象概括和论证，描述事物本质，表现内容的专业性和系统性。
不同于 科技报道和科普文章，要用书面语言论述精练。 论文的注意事项：1. 注意文笔文风，避免口语化，注意避免平时用惯了的简化词，要用规范书面语；2. 慎用第一人称；仔细检查，使每一句话简洁、准确；3. 注意拼写、打印错误；不要忽略字体、格式、插图排版等小节；4. 标题、序号一定要清晰，层次安排也要避免太繁。
温馨提示：论文中最好有你对所研究课题的实际操作的图片，在论文中带出自己的创作时候的借鉴，导师会比较喜欢，答辩起来也比较容易。另外把论文大致格式发编辑给你： 文章结构 学术论文的一般结构（GB7713-87） 题目 作者及单位 摘要 关键词 引言（前言） 正文 结论 参考文献 附录性材料 论文的篇名 用简洁恰当的词组反映文章的特定内容，明确无误 篇名简短，不超过20个字 少用研究和空洞应用之类字 避免用不熟悉的简称、缩写和公式等 关于摘要 文章内容不加注释和评论的简短陈述，具有独立性和完整性用于检索； 一般包括：研究的目的与重要性、内容、解决的问题、获得的主要成果及其意义； 小摘要（200-300字） 麻雀虽小，五脏俱全 大摘要（600字左右） 突出研究成果和创新点的描述 关键词 4-6个反映文章特征内容，通用性比较强的词组 第一个为本文主要工作或内容，或二级学科 第二个为本文主要成果名称或若干成果类别名称 第三个为本文采用的科学研究方法名称，综述或评论性文章应为"综述"或"评论" 第四个为本文采用的研究对象的事或物质名称 ，避免使用分析、特性等普通词组。
引 言 主要回答为什么研究 ，介绍论文背。
2.求国画写意画方面的论文题目要求范围不大,思想明确,最好有诗意感
你想的立意很好（写意），因为现在写工笔技法和史论概念类型的论文太多了，但如何写好就要看你的美术史和国画功底了，说白了写意国画论文不是每个人都能写的，即使是美术类的专业生。
一、写意最直白体现在于文人画（书画文同源），因此可以选择这一类型的题目，不知道你是否关注文人画这个系列以及从宋元明清一只传承下来的关系。 推荐对象：董其昌、郑燮（扬州八怪）、文征明（明四家） 题目：“书正其人，人如其画”——解析XX/XX现象/XX流派 二、大多数写意都是为了抒发胸中逸气，因此“逸”是写意画的一个重要表现，以这个为中心来写还是比较好写的，但是这个很难写出新意，如何寻找对象是关键。
推荐对象：倪瓒、石涛、八大、弘仁（清四僧） 题目：“只可自愉悦，不堪持赠君”——XX解析 个人觉得不要谈技法，因为一谈技法就会庸而且会暴露很多问题，尤其当你不是写意的高手时。
3.中国画论文具体写哪些内容
这类论文要对画作产生的年代熟悉，把当时的历史社会背景搞清楚，比如，受到前人、当时政治背景的影响，更重要的是画家受到的教育与他的生活家庭背景，因此一篇论文大致可分以下几个部分一：把中国画的发展历史大致概括一下二：在每个特殊时期（比如画作的开始时期与鼎盛期）的代表性作品拿来分析，找到他产生的渊源与他对后人的影响，以及在历史上的贡献三：总结这些举例分析的共性（一般国画理论书上都会有的），在把自己对国画的认识，国画的现状与发展做简要论述以上差不多就OK了，这只不过是本人的一点略见，希望能对你有用。
4.求以《国画所带来的思考》为主题的论文一篇
南中国画现状的思考 ──师法自然、逾古出新才能振兴云南中国画 刘怡涛 内容提要：云南独特的自然景观和民族文化是我们云南画家取之不尽，用之不竭的源泉。
绘画艺术中的形物，没有不是来自于自然的印象，反映自然生命的。尤其以画家自己从生活中、从自然中直接感受到的形象可贵。
所以，我们说，创新，必须是源于生活的创新。继承与创新，是相互依存而又相互排斥的一对矛盾，继承，是承古人之心，而不是师古人之迹。
承古人之心，就是研究历代大师的步履，领悟其艺术形成的诸多因素，深究其艺术思想和艺术技巧形成的心路历程，仿其创新精神。 关键词：云南，中国画，创新 绝壑连碧水 王晋元 云之南独特的山川、奇花异鸟、民族风情，正是绘画艺术创作取之不尽的源泉 我们应该庆幸生活在这样一块得天独厚的土地之上，师法自然，对我们来说是近水楼台。
老一辈的画家如袁晓岑先生──以云南特有的孔雀等入手，形成自己的风格；当代著名画家王晋元先生──以云南特有的热带植物景观和滇西北高山植物景观入手，形成了自己的独特绘画风格。他们就是师法自然的成功典范。
然而这似乎并没有引起广大云南中国画家们的重视，看着外省画家源源不断地涌来云南写生，我以为，现在到了该大声疾呼的时候了。 云南的中国画，有得天独厚的一面，那就是我们这块丰富多彩的土地，有先天不足的一面，那就是我们传统文化的底蕴和积淀薄弱。
好在我们已经进入到了信息时代，要借鉴古人的东西，要看到当今大师作品的风貌都已不是难事，制约我们发展和创新的仍然是观念问题。绘画艺术的创新在于观念的更新。
学中国画当从传统入手，这是大多数人的共识，然而许多人学传统便被传统俘虏而不能自拔；一些人不从传统入手，而从抽象或形式入手，却感觉无论怎么画，都显得底蕴不足。 故国秋 王晋元 画家绘画，总要有一形象原型，或是从继承而来，或是自己去寻找。
我们提倡自己去找，从生活中，从大自然中。有人说他是闭上眼睛，什么也不看、不想，靠下意识来画画，我认为，这是不成立的。
绘画艺术中的形物，没有不是来自于自然的印象，反映自然生命的。只要他是一个建全的人，那么，他的下意识所反映的东西，或多或少总是带有他过去视觉的经验、经历和映象，没有真正意义的无意识、下意识。
相对的下意识，是受到人的主观意识的潜在操纵的。只有那些先天的盲人，在没有触摸任何物品情况下的下意识，才是真正的下意识。
因为他们没有视觉的经历，也没有触摸物品的经历。世界上无绝对的离象之外象，离有之无，离实之虚，就是说没有完全与直接感触之象绝缘的“无形之象”的存在，没有完全离开感觉而独立自生的超感觉，这是不可能，也是不存在的。
象之再远，终是其之余；味之再不尽，亦不过其之尾，犹如血肉相连。虚实、有无、象内象外、画尽意不尽，它们之间若即若离，似有似无，既虚又实，在离即之间、有无之中、虚实之际。
是为相渗、相融、相补。无形之象，是相对有形之象而言，是有形之象的象外之象，是由情感、心境而生的意象。
从有形之象到无形之象的认识，是意境发展的一个重要里程碑。然而没有有形之象就没有无形之象，无形之象是情感的升华，是天人合一的再现。
玉羽金翎，庚申之秋九月，袁晓岑任作于首都之藻鉴堂 只有绘画观念的更新，才会带来绘画技法的变革。 从古到今，凡艺术变革者，如只是技法上的变革，反映在绘画中则仅仅是画面形式的小变，而当审美观念亦随之改变，则从形式到技法皆须服从于新观念产生变革，于是大的流派、新的艺术形式亦随之产生。
只有绘画观念的更新，才会带来绘画艺术形式的创新。 创新，必须是源于生活的创新。
艺术来源于生活，而生活带给画家原始的直觉感，这种直觉感正是艺术创作丰富的源泉。不断地在生活中寻求新的美的东西，才能激发起最强烈的情感和审美感受，启发并感受到生活与我胸中原有的艺术形象的不同，从中度出新意。
同时也将激发你冲破原有的技法、程式，开拓出与之相适应的新的富有艺术个性的形式、技法。然画新的题材，新的内容，亦是促发观念变革的契机，一种全新的事物，会给人予不同一般的感受，迫使你在表现它时极尽所能，甚而摒弃传统技法，而创新法以应新的命题，触发艺术观之突变或渐变，从而达到创新之目的。
当然，观念之变革，还需有学识的支撑，没有渊博的学识，艺术观的转变往往也是浅薄的。 袁晓岑 版纳林泉处处幽 立轴 创新，有两种途径。
一是摒弃本国的文化渊源，引进全新的舶来艺术观念、技法、形式。只仅仅保留作画的工具，以为只要是用毛笔在宣纸上作画，就应该算是中国画。
二是继承民族传统不但包括绘画的精髓，还包括民族的气质、审美情趣和中国画的特点，如：重意境、求神似、泛时空等审美观及笔墨与心态同时构筑形成作品。重意境，在某种意义上说，就是重虚实。
虚实结合是气之形，气是虚实之魂。虚与实结合而生气，气韵生动者为尚。
孟子说“……充实之谓美，充实而有光辉之谓大，大而化之之谓圣，圣而不可知之之谓神。” 即是说：虚实之中，虚。
5.国画毕业创作论文怎么写
1、论文题目：要求准确、简练、醒目、新颖。
2、目录：目录是论文中主要段落的简表。（短篇论文不必列目录）
3、提要：是文章主要内容的摘录，要求短、精、完整。字数少可几十字，多不超过三百字为宜。
4、关键词或主题词：关键词是从论文的题名、提要和正文中选取出来的，是对表述论文的中心内容有实质意义的词汇。关键词是用作机系统标引论文内容特征的词语，便于信息系统汇集，以供读者检索。 每篇论文一般选取3-8个词汇作为关键词，另起一行，排在“提要”的左下方。
主题词是经过规范化的词，在确定主题词时，要对论文进行主题，依照标引和组配规则转换成主题词表中的规范词语。
5、论文正文：
(1)引言：引言又称前言、序言和导言，用在论文的开头。 引言一般要概括地写出作者意图，说明选题的目的和意义， 并指出论文写作的范围。引言要短小精悍、紧扣主题。
〈2）论文正文：正文是论文的主体，正文应包括论点、论据、论证过程和结论。主体部分包括以下内容：
a.提出-论点；
b.分析问题-论据和论证；
c.解决问题-论证与步骤；
d.结论。
6、一篇论文的参考文献是将论文在和写作中可参考或引证的主要文献资料，列于论文的末尾。参考文献应另起一页，标注方式按《GB7714-87文后参考文献著录规则》进行。
中文：标题--作者--出版物信息（版地、版者、版期）：作者--标题--出版物信息所列参考文献的要求是：
(1)所列参考文献应是正式出版物，以便读者考证。
(2)所列举的参考文献要标明序号、著作或文章的标题、作者、出版物信息。
6.论中国画人物艺术特征大学毕业论文：要求5000字以上论中国画 爱问
朋友：您好！（希望猫猫能为您解除烦恼！） 论《中国画人物艺术特征》 论述内容：（注：您的毕业论文格式的写作顺序：标题、作者班级、作者姓名、指导教师姓名、中文摘要及关键词、英文摘要及英文关键词、正文、参考文献根据您自生情况修改，猫只能找论述的内容） 中国人物艺术观与“以形写神”造型原则，在绘画中的最初落实与实践，即是通过人物画完成的，并在漫长的艺术实践中得以完善，使人物画的造型很早即脱离了以形写形的束缚，既不拘泥于形物，又不特别看重视视觉对象的真实。
因此，主客合一的形态即成为人物画造型的典型特征。 中国人物画的造型，虽然工整严谨，但人物的形态却是既尊重客观的相对真实性，又强调主观意志。
它利用线作为人物造型的基本骨架，不仅巧妙地解决了艺术创造与客观物象形态的对立关系，而且利用线的变化使工笔人物画的造型具有了很强的艺术可赏性，并在此基础上使工笔人物画的造型具有了两种基本形态。 其一：为人物造型的外在形态与客观对象相对接近，强调形成在相对写实的基础上传情达意，力求塑造出的人物形态与客观对象、画家心境达到情感合一。
利用严谨工整的造型，相对客观地表现人物形貌，于平和典雅中自然地表达出精神意蕴，使客观与主观、外在美与内在美融而为一，成为不可分割的艺术整体。 如造型相对写实的人物画即属此类。
其二：为强调主观体悟，以独抒灵性为主旨，对人物造型进行大胆夸张、概括、提炼，形随意至，以神写形。形的外在表象虽然与客观对象的外型相去较远，但却于稚拙、天真中表达出一种造型的特有韵致。
如造型夸张变形的工笔人物画即属此类。 虽然从艺术审美的角度，有见仁见智的不同，但外型单纯、内涵丰富却是中国人物画造型的艺术特征。
中国画的造型是主观与客观的统一体，而单纯化的人物造型，由于舍弃了繁复的变化使作者的主观意向更加宜于与造型目的有机衔接，也更易于表现作者的艺术追求。 因此，造型的内涵也就更加丰富。
这是着意于光影变化与色彩表现的人物造型所无法比拟的。 人物造型的单纯化主要是指外型与以线概括后的内在艺术表现而言，并不排除细节的刻画，而且也正是由于细节刻画所产生的丰富而微妙的变化，才使人物画的造型于简中寓丰富，既概括简练又十分耐看，造型特征也愈加典型。
中国人物画的形式特征：首先体现在线与色的结合上。线在色取胜的人物画中具有骨架的作用。
线在人物画中，不仅体现了主观与客观合而为一的意象性，明确肯定地概括表现了人物的形态结构特征和形体质感，并且具有强化内在神态特征的功能。同时，线的使用又寄托了画家的情愫，展现了画家的个性与艺术修养，使意与形汇，情与物融，当线所体现出的这种独立审美价值与色彩而为一时，则不仅极大地丰富了人物画的表现功能，而且构成了人物画独特的形式特征。
白描法不仅在中国画技法体系中具有独立性，也是人物画赋彩画法的基础。自北宋江大画家李公麟使白描法由人物画的“粉本”中脱颖而出之后，白描在发展过程中一直是中国画技法序列中的一个重要组成部分。
而时至今，白描法对于中国画的学习，更具有了使学习者掌握正确的观察方法、树立正确的造型观念、提高造型能力、理解和掌握中国画用线的组织和运用规律的重要意义。 就中国人物画白描法的技法而言，掌握线的运用和组织方法则是其最基本的程式规律。
线，作为人物白描法惟一的表现语言，从结构出发，以线造型是其最基本的表现原则。但由于中国线描艺术特有的东方绘画审美情趣，线的运用既表现了对象，又表现了自身。
表现了对象是指利用线各种方式的组合排列，相对准确生动地塑造了形象；表现自身则是指线的组合排列在近千年的发展过程中，不仅形成了中国线描艺术特有的表现程式，使线具有了东方意蕴的特有美感，强化了线的形式趣味，而且使线的运用方式带有了个性化的特质。 程式，是艺术规律，也是对线条的组合排列艺术化的制约，它蕴含着深厚的中国文化积淀。
当程式规律的运用与生活物象的特质融汇为一体时，线的运用不仅可以达到表现生活对象的目的，而且体现出了民族性的审美品格，这同时也是东西方绘画用线方式上的明显区别。 中国人物艺术白描法的表现程式主要体现在线条的组织方法，可分为头部、衣纹、手脚3个部分。
笔墨、色彩与新技法运用的基本原则 笔墨、色彩与新技法的运用不可脱离生活 “墨非蒙养不灵，笔非生活不神”，石涛在画语录中已十分透彻地说明了笔墨与生活的关系，色彩与新技法的运用亦然。 但同时他又认为：“能受蒙之灵而不解生活之神，是有墨无笔；能受生活之神而不变蒙养之灵，是有笔无墨也。”
画家的笔墨功力发展不平衡，其根本原因在于蒙养（技巧与修养）与生活（生活体验）的不平衡。所以，笔墨与色彩及以及新技法的出神入化，生活与蒙养是至关重要的条件。
生活是笔墨、色彩与新技法产生的基础，学养是提炼与发掘其美感的前提。中国绘画的传统遗产是十分丰富的，但当初的创造邓是来源于生活。
师古人之迹，固然是为未来的创造所作的必要准备，但重在师古人之心。传统。
7.关于国画的论文
国画的审美 一：国画独特的审美 中国画从工具材料、艺术追求、审美理想等方面与西方有着明显的不同，具有鲜明而独特的艺术形式。
1：工具材料 中国画的工具材料是笔、墨、纸、绢。与西方绘画所使用的画笔颜料相比，存在着显著的不同。
中国画用笔即毛笔。毛笔的特点是柔软而富有弹性，笔端尖而有锋，有利于线描勾勒，并可以发挥多种笔法，以绘制流畅婉转、富于动感的线条见长。
中国画的一大特色为用线条来塑造形象、表达感情。 墨，传统的中国画用墨，以纯细的桐油烟或松烟精制而成。
根据与水的调和比例的大小，可以有微妙的浓淡变化。中国画家一定程度上摆脱了自然界玄目光色的困扰，专注于画面笔情墨韵的营造和对象精神气质的捕捉，成就一个清淡幽雅的艺术境界。
中国画用的纸绢，有较好的韵墨性能，使墨汁在上面渗化开来自然形成浓淡不同的层次。 可以说中国画的笔墨与纸绢相辅相成、相得益彰，共同构筑了一个浓淡相宜、笔歌墨舞的艺术世界。
2：描绘手段 中国绘画描绘形象的目的，不象西方写实绘画那样欲创造一个视觉幻想的世界，而是从一定程度上把绘画当成一种"示意"行为，即通过笔下的形体表示创造者的情意。明暗光影、色彩斑斓都引退到创造者的关注视野之外，而借助灵活飞动的线条，挥洒自如的笔墨，造就一个饱含创作主体情感和意志的独特的艺术世界，这才是中国画画家描绘形象时的真正目的。
3：整体效果 与西方绘画相比，中国绘画在整体效果上有一个值得注意的特点就是"空白"。中国画家在描绘出主体之外，大多不画背景，在画面上留有较多的空白。
中国画形状各异的空白本身，既形成一种节奏变化，有给人留有想象的余地，具有不可替代的艺术效果。画面的空白时画家简约笔墨的结果。
中国画素有崇尚简练的传统。 二：国画的美学特点 绘画是一门运用线条、色彩和形体，在二维空间的范围内，反映现实美、表达人的审美感受的艺术。
绘画艺术的一般审美特征主要表现在：线条美、色彩美和构图美上。中国传统绘画有其独特的美学体系，美学观点，美学范畴。
1：意境 意境是中国古典美学的重要范畴，也是中国传统绘画最富民族特色的审美标准，既是画家创作的原则，也是欣赏的原则。 意境就是情与景的完美交融。
能够产生意境的形象，并不是一般的普通形象，而是富有生命力的形象，这种形象能体现出主体与客体、形与神、虚与实、动与静、情与景诸方面的高度完美的统一。它根本的美学不满足于有限事物的外在形式模仿，而要在有限中去表现无限，塑造出"象外之象"、"景外之景"，从而能引发看图人的审美想象。
意境是中国绘画美学体系的精髓，凝聚着中国艺术的根本精神，绘画作品追求的最高境界。 2：形神统一观 形就是形似，是对物象外形的描绘；神即神似，是对事物内在本质特征的把握。
3：气韵生动 气韵生动最准确、最几种地概括了中国绘画艺术的审美特征和基本精神，是构成中国绘画艺术的传统审美尺度最根本的审美要求。 气韵生动着眼于宏观的自然与人生，立足于艺术的生命结构和自然生命运动的统一，更具有艺术本体论的深刻涵义。
绘画作品如果气韵生动，就会给观赏者造成一个形有尽而意无穷的审美想象空间。 4：天人统一观 其大致内涵是人和自然的关系是亲密无间、相互统一的。
艺术家应将自己融入自然。 5：心物统一观 "心"在中国古典美学中表示审美主体，也就是人，"物"则表示审美客体，即客观事物。
心物统一是中国古代画论的重要范畴。 6：虚实统一观 虚实对立统一，"虚"指虚构、虚灵、虚幻；"实"指实体、实事、实物。
中国画十分讲究虚实关系，中国画讲究含蓄，追求诗情画意，反对直露，正确处理虚实关系，是构成中国画意境的重要表现手段。 7：中和为贵 中和就是指统一体的协调性和韵称性。
孔子的中庸之道，即为中和。中国画十分重视主体心境的和谐。
中国画基本技巧之一 --用笔 唐代张彦远说："夫物象必在于形似，形似须全其骨气，骨气形似皆本于立意而归乎用笔。"张彦远在此强调了用笔与立意造型的关系。
立意须造型、造型须用笔，用笔便成了中国画基础的基础。 1：笔与线 中国画的用笔实即用线，线是中国画最基本的造型手段。
线在形体的塑造中绝不是一种对轮廓线的描摹，还能表现出物体的质感、量感和动感。比如在山水画中，斧劈皴给人坚挺硬朗的感觉；披麻皴则给人松软的感觉等等。
线的运用，体现了中国画家对客观形象的概括、提炼和理解能力，体现了他们驾驭物象的巨大创造力。 在中国画中，线及其塑造的形体之间的关系，主要体现在线条自身的品格特征与作者之间的沟通。
正如石涛所说："借笔墨以写天地万物而淘泳乎我也。"笔墨（线条）所具有的这种抒情写意性，是由于画家在运笔中出现的各种变化，使线条自身具有了千变万化的姿态。
一方面，线条丰富多姿的形态可以唤起欣赏者对现实生活的万般物象中类似物体形态美的联想，使抽象的线条成为现实事物形体美的一种间接曲折的反映，因而唤起人们的不同感受。另一方面，画家在运笔过程中个人情绪、意趣、思想的灌注，使得中国画中的线条具有明显的画。
8.谁能给我介绍几篇关于中国画的论文
如何面对中国画创新问题 绘画是创造性的艺术，绘画的艺术价值就在于创新。
绘画的创新与自然科学中的发明创造没有什么区别，唯一不同的是，绘画属于社会科学的范畴。绘画的创新除了能给人带来全新的感官刺激外，其艺术内涵要与观赏者的心灵沟通，达到震撼人心的效果。
绘画艺术的创新如果离开了这个根本，也就不存在什么价值了，绘画艺术正是在不断的创新中向前发展。 中国画的发展同样存在着创新的问题，然而，当今的中国画家面对中国画的创新问题，却存在着截然不同的认识。
绘画的创新决定于技法的变化与艺术风格的体现，为了达到这个目的，多数画家都倾向于在“术”的环节中煞费心思，其结果，要么是局部的改良，要么是人为的制作，要么是嫁接西方的油画技法。尽管如此，其结果却难以令人满意，面对如此结局，有时连作者本人也为之感到惭愧。
更有甚者，为了强夺人意，硬要为其冠以“现代”或“前卫”的名头，实际上恰恰暴露了一些人的浮躁与急于求成的心态。从这个现象中反映出一个重要的问题，那就是，失去理论指导或根本就没有理论作为创新的基础，抑或只刻意在“术”中求“术”的框框中寻求创新，最终只能使中国画的发展走向衰落。
中国画的创新问题出现了这么多不尽人意的现状，其主要原因是，一些画家虽然深知只有解决了技法这一最基本的要求，才能够达到创新的目的，但是却不知解决技法创新的问题并不是单凭着画家的主观臆造可以获得，中国画技法的创新与变革来自于“理”，没有“理”作为研究技法创新的基础，很难实现创新的目的。创立新的艺术表现形式与新的技法表现形式是件十分严肃的学术问题，因此面对中国画的技法创新问题必须认识到一个事实：要以中国画发展之“理”认识中国画的技法创新问题。
这样可以从理论上看到中国画技法创新之根本，产生有理论根据的中国画新的艺术表现形式与新的表现技法。 现在有许多中国画家面对创新问题，很少有人以中国画发展的根源研究中国画的创新，更谈不上以哲学与史学的理念认识中国画的创新问题，这就造成了看不到中国画创新的关键之所在，因此导致一些人忘记了事物发展的客观规律，反而以人的主观臆断、自以为是的心态去面对一个十分严肃的学术问题，这种既没有理论根据，又没有正确的艺术思维主导的所谓创新，又怎么会达到创新成功的目的？尤其那种对本民族传统文化无知的鄙视、无原则的失落，这不仅反映出了一些画家由于自身知识的肤浅而造成的偏见，更多的是对自家文化的不负责任，故此也就不难理解当今中国画界出现的那些所谓的“前卫”艺术，为什么会有变相抄袭西方之嫌的问题了。
所谓创新应体现出两个方面的问题：其一是创新方法，其二是以正确的艺术见解表现其艺术内涵的深度。 解决创新方法的问题最重要是要建立起新的艺术体系，使其更加完善，这是中国画建立新的艺术表现形式与新的技法表现的最基本条件，离开了这个条件，以其主观臆想而产生的某种技法与风格都难以成立。
只有在符合中国画发展的艺术体系与艺术思维的指导下，才能够产生出全新的中国画表现形式与表现技法。然而，这一切直接触及到的就是如何对待“笔墨”的问题，有人认为过分强调“笔墨”，会窒碍中国画的发展；也有人认为强调“笔墨”，中国画就无法“转型”等等，以至近百年来多数人对此一筹莫展，莫衷一是。
事实上这种提法非常主观臆断，缺少足够的理论依据，中国画的“笔墨”一直是随着“理”的原则在改变，以中国画之“理”来认识中国画的“笔墨”问题：“意象”之理必然会产生表现“意象”笔墨之方法；“象意”之理必然会产生表现“象意”笔墨之方法；“悟象”之理必然会产生表现“悟象”笔墨之方法。然而万变不离其宗，这个“宗”即中国传统文化，脱离中国传统文化就无法表现出具有中国文化内涵的艺术风格。
面对中国画创新问题，只有沿着中国画艺术规律而行才能顺利向前发展。中国画家如果对自己民族传统文化没有深入彻底的认识，那将永远不知道如何去面对当今中国画的创新问题，当然也不可能在中国画界以及中国画发展史中占有一席之地。
以此理而论，中国画发展并不存在怎么“转型”的问题，实际这种所谓“转型”的提法，完全是由于一些人对中国传统文化认识的匮乏，对西方文化的一知半解而产生的主观臆断。除此，还有人在中国画发展出现问题的今天，提出了中国画应与西方艺术“接轨”的论调，然而他们并未搞清楚，中西方存在着不同的哲学理念。
中西绘画无论是哲学体系，还是艺术体系，它们不仅是独立的，而且均体现出各自不同的民族特性、文化底蕴与思维形式。一些中国画家及理论家面对中国画的前途问题，提出“接轨”的论调是不切合实际的，表现出他们对中国画艺术发展的悲观心态。
中西绘画是在两种不同的艺术思维与艺术体系引导下产生的艺术形式，那种不问其“理”，只谈“接轨”的论调，只会将中国画的发展引向歧途。 如何以正确的艺术见解表现出新的艺术思想，即表现出艺术作品之灵魂，这是画家们应该认真思索的问题。
一个没有成熟艺术见解的画家，不可能创作。