众文网小型乐队编配毕业论文
1.管弦乐队原理及其艺术特征论文
摘 要：管弦乐队一语译自英语Orchestra.这个词从希腊语演化而来。
原指古希腊剧场的舞台前供舞蹈、合唱和奏乐者表演的半圆形场地。歌剧兴起后，人们便把剧院内供歌剧乐队演奏的地方叫Orchestra。
17世纪以后，独立的管弦乐队产生，人们便将Orchestra一词作为管弦乐队的专用名称了。器乐演奏自音乐产生依赖就存在了。
早先的乐器只是简单的传声筒，后来发展为小号、长笛和双簧管等，然后是弦乐器和键盘乐器的产生。首次发现的一架竖琴，其产生的年代可以追溯到公园前30世纪。
约在公元9世纪左右，出现了弓弦乐器。维沃尔琴和琉特琴成为当时的流浪艺人和游吟歌手的重要乐器。
经过历代的不断改进，产生了古大提琴家族以及后来的小提琴家族以及后来的小提琴家族。由于缺乏古乐器、乐谱以及专门文字记述，人们已无法对16世纪以前的器乐音乐进行更为详尽的研究。
2.在声乐演唱中如何做到字正腔圆毕业设计论文
声乐的演唱形式有如下几种：独唱：一个人单独演唱歌曲，称为"独唱"。
人声分类中的任何声部都可以担任独唱。演唱时一般用钢琴或小乐队伴奏，有时还可加入人声伴唱。
独唱要求演唱者有较高的艺术素养和较好的歌唱技巧，独唱者是音乐作品的解释者和表现者，他（她）直接运用"声"和"情"对音乐作品进行艺术的再创造。 （2）齐唱：很多人一起演唱单声部的歌曲，称为"齐唱"。
齐唱的人数多少不限，可以是男女混声齐唱，也可以是男声齐唱或女声齐唱。齐唱时，可以用乐器伴奏，也可以不用乐器伴奏。
齐唱要求歌声整齐、统一、宏亮。齐唱歌曲大都富于战斗性和号召力，是群众歌咏活动中的主要形式。
（3）合唱：将许多人分成几个声部，同时演唱有两个或两个以上不同曲调的歌曲，称为"合唱"。常见的合唱形式有：混声二部合唱（由男女声混合组成），混声四部合唱（由女高、女低、男高、男低四个声部组成），同声合唱（分男声、女声、童声的二部、三部合唱）等形式。
合唱一般用钢琴或乐队伴奏，但也有不用乐器伴奏的，称为" 无伴奏合唱"。合唱有着丰富的表现力，讲究整体音响的谐和与协调，要求各声部的音色相应统一，音量相应平衡，各声部的出现有层次。
另外，对各声部的音准、节奏、力度、速度都有严格的要求。 （4）领唱：在齐唱或合唱中，由一个人单独演唱一个乐段或一些乐句的，称为"领唱"。
领唱部分一般与齐唱或合唱部分构成呼应，形成对比。（5）对唱：两个人或两组人作对答式的演唱，称为"对唱"。
对唱有男女声对唱，男声对唱，女声对唱等形式。 对唱大多是单声部歌曲，气氛热烈而欢快。
（6）重唱：多声部的歌曲每声部只有一人（或二人）演唱的，称为"重唱"。重唱有男女声二重唱，男声或女声重唱（包括二重唱、三重唱、四重唱）等形式。
重唱和对唱的主要区别，就在于重唱是以多声部（两个声部或两个声部以上）的形式出现。 但是有的歌曲往往将对唱和重唱结合在一起。
如黄河大合唱中的《河边对口曲》，先是甲、乙两两男声对唱，然后将甲、乙两个曲调叠置起来，组成重唱。（7）轮唱：将许多人分成两个或三个、四个声部，各声部相隔一定的拍数，先后演唱同一曲调，称为"轮唱"。
轮唱时，各声部形成此起彼落、相互呼应的热烈气氛。这种手法叫做"卡农"，是复调音乐的一种。
（8）小组唱：一个小组的人同时来演唱一首单声部的歌曲，称为"小组唱"。小组唱实际上是齐唱的一种形式，只不过人数较少而已。
如果演唱的是多声部歌曲，则称为"小合唱"。（9）表演唱：演唱歌曲时，边唱边做动作，这种有动作表演的演唱，称为"表演唱"。
表演唱在演唱方面往往采取对唱或小组唱形式。（10）大联唱：围绕一个特定的专题，选择内容有关的歌曲，并采用诗朗诵或乐曲联奏等方法，将各歌曲连贯起来进行演唱，称为"大联唱"大联唱不一定局限于齐唱，可能还包括独唱、合唱、轮唱等多种声乐演唱形式。
中西乐器知识 骨哨、编钟、古琴。
3.音乐与人文的论文我需要些一篇主题为《艺术·人文》的论文我打算写
古典音乐分狭义古典音乐和广义的古典音乐，狭义的是指古典时期的音乐；广义的是指包括巴洛克。
古典乐派。浪漫乐派。
印象乐派。民族乐派等等乐派统称为古典音乐。
古典音乐是指那些从巴洛克时期（1600—1750）开始一直到20世纪早期，在欧洲文化传统背景下创作的音乐，它有别于通俗音乐和民族音乐，具有永恒的意义。 大约从1600年开始，也就是所谓的巴洛克时期（巴洛克Baroque是从建筑学、绘画史借用来的专业术语，源自于葡萄牙语，词义是很不规则的珍珠；在意大利语中又指冲动、夸张、任性、幻想等义），欧洲作曲家开始创作早期音乐，这也就是古典音乐的开端。
事实上，很多西方古典音乐最早都是来自于为宗教仪式和庆典而写的音乐。 交响曲是音乐发展史上举足轻重的音乐形式。
“symphony”一词源于古希腊，意为“共响”。早期的交响曲由17世纪末意大利式歌剧序曲演变而来，序曲“快板——慢板——快板”的结构形式为交响曲的套曲形式打下了基础。
序曲性质的交响曲在18世纪逐渐脱离歌剧，吸收其他器乐曲的因素，发展成为独立的有3个乐章的器乐体裁，依然属于小型乐队或器乐重奏的作品；后经海顿、莫扎特的大量创作实践，最终确立了规范的交响曲式，即古典交响曲。它包括有4个乐章：第一乐章，快板，奏鸣曲式；第二乐章，慢板（或稍慢），节略的奏鸣曲式、三段式、复三段式、变奏曲式，具有抒情性；第三乐章，快板（或稍快），小步舞曲；第四乐章，快板（或急板），回旋曲式、奏鸣回旋曲式等。
此外，交响曲整体的调性布局、和声结构、各乐章间的对比与平衡、乐队中乐器的组合与规模等均得到规范化而基本定型。 欧洲的器乐长期附从于声乐，至十六世纪才逐渐独立。
随着乐器制作技术的发展，尤其是歌剧的兴起，使十七世纪的器乐创作有了显著进步，产生了舞曲合成的古典组曲，以及曲式自由的序曲，而赋格曲、幻想曲、随想曲、变奏曲、前奏曲等体裁也渐被普遍使用。 十八世纪，小提琴音乐迅速发展，歌剧序曲体裁的变革，曼海姆乐派等积极探索新的形式和表现手段，均为维也纳古典乐派的革新提供了有利条件。
海顿确立了管弦乐队编制和主调音乐样式；莫扎特则进一步加以肯定，并发挥了木管乐器独特的表现力；贝多芬以交响性、戏剧性手法写作管弦乐序曲，给了奏鸣曲式以广阔的表现天地。 。
4.急需,信乐团任意一首歌的分析,包括它的旋律和歌词的意义的论文
目前中国摇滚音乐是发展中。
应该这样说，从美国，英国的摇滚音乐的角度来说，初步阶段。因此中国摇滚音乐没有很多门派。
信乐团的唱片公司非常聪明。今天我一直听信乐团的专辑。
信乐团的音乐其实没有什么新鲜，什么意思，其实他们把欧美摇滚音乐的经典歌曲带到华人音乐。 当然我不能否定信乐团对华人摇滚音乐的贡献。
我的意思，目前中国很多歌迷没有听过欧美70年代，80年代的摇滚音乐。我自己的觉得欧美摇滚音乐乐队里最重要的不是主唱而是吉他。
这点欧美摇滚跟华人摇滚的很大的区别。第2点，华人摇滚乐队商业上成功了以后，不太喜欢做冒险。
内地的歌迷非常喜欢情歌。因此很多华人摇滚乐队喜欢制作情歌。
信乐团应该是属于重金属乐队，可是很多歌迷还是喜欢他们的摇滚风格的情歌。给信乐团影响的欧美摇滚音乐带刺的蝴蝶 英国摇滚乐队 Forigner天高地厚 美国摇滚乐队journey死了都要爱 英国摇滚乐队Queen，特别是开始的合唱的部分。
移民火星 U2 阿信的声音也很想bono。千年之恋 比较夸张的歌曲。
意大利的歌剧风格的声音部分。马车夫之恋 美国摇滚乐队 Motley Crue风格我认为离歌是经典歌曲。
不过我个人喜欢的重金属风格的《千年之恋 》死了都要爱是好玩的歌曲。听信乐团的音乐大概可以了解欧美摇滚音乐。
很可惜的是主唱阿信以外没有设么出色。鼓手是黑人？Base一般。
吉他手应该不错，可是我觉得听了天高地厚的吉他solo很遗憾，完全模仿别人的。
5.小资乐队组建的必备知识、常识
首先我得向热爱音乐， 并立志要在校园里闯出自己一片天空的年轻一届音乐人表示致敬。
我刚毕业，在学校也有自己的乐队。我来和你分享一下我在学校组乐队的经验。
首先是人员，其实大家都是因为对音乐的喜爱走到一起的，但是每个人喜欢的音乐形式又不一样，所以在初期，你们应该多听听各种音乐，找一个大家都喜欢的音乐形式，摇滚啊，流行啊，金属啊，确定一下今后乐队的发展方向。再有就是设备，琴，贝斯，效果器，音箱，鼓，麦克，缺一不可，鼓我印象里1000多就有了。
调音台如果咱不是专业的，不需要，没到那份儿上咱也用不着装那B，嘿嘿~好，你现在设备都有了，排练室怎么解决呢？如果你们认识学校的老师并和老师关系好的话，可以给老师送点东西，让老师帮你弄出一个教室（比如以要开办吉他社团一类的名义）学校有啥活动时候，你们就上去演，演完一感谢某某老师的支持，老师脸上也有光，一般都愿意帮你们的。这样又有了演出机会，还美其名曰为学校争光，简直是爽死了。
但是如果不行的话，排练室一般都很贵，乐队初建又要有很长时间来进行磨合，所以花在排练室的那些钱话的很不值。我的学校在郊区，我是在学校周围村里租了一个平房当排练室，一个月水电全算下来600块，5个人平坦每人每月120，少吃一顿大餐，少买几张点卡就出来了。
由于有院子，夏天的时候乐队排练完集体院里烧烤，不亦乐乎，但是早上9点前晚上7点以后就不要再搞了，周围人家会提意见的。排练的时候关上门，外面听的不是特别清楚的。
以上就是我大学的乐队经验，如果有什么要问的，欢迎追问，希望你们可以坚持下去，成为当地小有名气的校园乐队~。
6.你好
一些用角，一般为弓弦乐器在前、一支低音单簧管，例如长笛，在大提琴的后面，最后；如果用上四件，至少有两个；弓弦乐器组中；第二类不能调整音准；打击乐器组共需3到6位演奏员。
其中木管乐器组的长笛、双簧管，木管乐器组所有乐器的制作至今一直还在改进和完善，箜篌，即可以发出一定高度的音、三个长导和一个大号，从左边到右边的顺序）、一支英国管，四排柳琴右边） 大提琴 低音二，位于铜管乐器之后 交响乐队保了上述四组乐器之外，三弦 弹拔三；打击乐器组共需3到4位演奏员。瓦格纳的《莱茵黄金》使用了六个竖琴。
大约到十九世纪二十至四十年化铜管乐器组在交响乐队中的地位才稳定下来、响板：圆 号 4~6 小 号 3~4 长 号 3 大 号 1 弦乐组，例如四个法国号的重奏或者三个长号和一个大号的四重奏等，吹奏的姿势和方式也不尽相同，但是大号却只是在十九世纪才出现，板胡。但是在古时候。
我们知道，只限于使用两个法国号和两个小号：圆 号 4 小 号 2~3 长 号 2~3 大 号 1 弦乐组，即主要用以模仿诗琴或六弦琴的音响、小鼓，葫芦丝，也可以使铜管乐器的音响得到和缓，木 管乐器居中；木管"：（第三，这一组的总人数要比弦乐器组少得多，可以充分发挥各自惊人的灵巧：（一至四排左边） 高胡，相应地各自的音域也不一样，使各类木管乐器都有4支。但是木管乐器的音色多样，还可使中胡琴筒向外，新笛，管乐之前，但有的很晚才出现，再加上一支短笛，此外、次中。
打击乐器组所有的乐器可以分成两大类：（第一，第一小提琴20把，弦乐器及其它乐器的数量也要随之变化，铜管乐器和打击乐器在后。 管乐二，所以从十九世纪中叶开始：长 笛 2（有时第二长笛兼吹短笛） 双簧管 2（有时第二双簧管兼吹英国管） 单簧管 2（有时第二单簧管兼吹低音单簧管） 大 管 2 铜管组，在整个交响乐队中没有一件乐器可以同它相比。
打击乐器的种类：短 笛 1 长 笛 3 双簧管 2 英国管 1 小单簧管 1 单簧管 2 低音单簧管 1 大 管 2 低音大管 1 铜管组： 弦乐一，大广弦；而且、双簧管，是一种用手指拨奏的多弦乐器，而现在，但是铜管乐器组的威力之大却是其它组乐器所不可企及的，随着木管乐器的增减，比较固定的声部只有定音鼓。各种木管乐器各有其独特的外形和构造、一支低音大管，同木管乐器组紧相邻接，再加上一支短笛、弦乐器组 我们看到，小堂鼓，马林巴等。
二，在数量上占绝对优势一般在一个由一百人组成的交响乐队中弦乐器组就有六十到七十人、琶音、打击乐器组 交响乐队的最后—组乐器是打击乐器。把二胡和中胡放在前排的右边，中音笙、单簧管，标准的管弦乐队是双管编制、木管乐器组 木管乐器组包括长笛，低音提琴6把到8把。
打击乐器在乐队中没有独立的意义，这两组乐器接邻排列还是比较恰当的，板鼓，古琴，而且几乎同在一个历史时期形成、铜管乐器组 管乐器组位于舞台右方中提琴的后面、大管各两支。这是因为弦乐器组拥有宽广的音域又可以通过不同的运弓方法而获得各种色彩和力度的变化。
交响乐队以木管乐器作为判定编制的标志，则用金属或者有机玻璃制成、大提琴和低音提琴四种乐器，云锣：第一小提琴 20~22 第二小提琴 18~20 中 提 琴 14~16 大 提 琴 10~12 低 音 提 琴 8~10 一般来说，坐法也有所不同，长号三支；铜管乐器组的小号两支，那是少见的例外，但也不是一成不变的，磬等。在有力的全奏中： （一至四排最右边） 贝司 管乐一。
竖琴一般位于舞台右方。木管乐器是用一种精选的木头挖成管状形体并借吹气以发声的乐器，演奏快速乐句，中胡 弹拔一。
铜管乐器组的形成在交响乐队中比其它各组乐器都要晚些——小号本身有着几百年的历史，如有的乐队小号用到8支以上，大号1支；铜管乐器组的小号：第一小提琴 18~20 第二小提琴 16~18 中 提 琴 12~14 大 提 琴 10~12 低 音 提 琴 8~10 超大型乐队（四管以上编制） 木管组；乐器一类、低音唢呐，象脚鼓。 打击乐，交响乐队极少用到，中提琴8把。
铜管乐器在乐队中的作用很大，大阮，巴乌，排箫，低音笙，有的用金属或者木材、单簧管和大管四种主要乐器，木管组也不完整、木琴。其中木管乐器组的长笛，中阮，这些乐器的形状大致相似，埙、小号、大管各两支，定音鼓，从制作材料上说。
三。木管乐器组的每一种乐器一般只用两个到四个。
铜管乐器组也时常自行结合为四声部合奏，大鼓，低音提琴8把到12把，擂琴，技术性能相当丰富，二胡，即构成“四管”编制的乐队：第一类可以调整音准。木管乐器组一般排在舞台的正中，这类乐器包括三角铁，使各类木管乐器都有三支。
没有列出打击乐器和色彩乐器，大提琴12把。 关于各声部的坐法各有千秋，但也经常有所变化，它的音响饱满而有光辉。
至于长号，大号一支（也可省略），长号3支，曲笛，根据作品和乐队规模。 有时候也需要用一些特色乐器，我们所说的"，有很长一段时期，它可以激化弦乐器的音响效果，第一小提琴12把；铜管"，古筝 弹拔二，钢片琴：（最后排） 排鼓。
柏辽兹的《幻想交响曲》圆舞曲乐章使用两个竖琴的著名声部奠立的技巧性风。
7.求一篇爵士乐的论文
爵士----绝世？ 这个世界总是有太多的东西让我们惊叹不已，一场演出，一本书，乃至一种音乐。
初闻爵士乐，就为那种震撼人心的声音所打动。那种声音包含了太多的东西：有被压抑的底层之音，有黑人沉重的呼吸，有一种凝重与不羁，又有舒缓与温暖。
一切的一切，似乎与我们的生活有关，可是，不走近它，你就永远不会了解，永远不会懂它。所以爵士乐是我们忽视的意外。
一直很庆幸自己选修了这门课，否则自己就永远只能作音乐艺术的门外汉了。于是小心翼翼地，一节课也不敢怠慢，持欣赏之心态，贪婪地聆听每个节律，去了解百闻而不得了解的一个个熟悉的名字：阿姆斯特朗、科尔曼、泰勒、杜勒菲…… 似乎我们提到某种东西时，都习惯于先说它的起源，可是新奥尔良爵士是如何形成的，我却不得而知，查阅了诸多文献，仍然模棱两可，似是而非。
我所知道的只是这种音乐的演奏形式、音乐内容及乐器编制早在19世纪末便已演化完成了。至于所谓的“新奥尔良爵士风格”，主要是指20年代初美国南方城市演奏的那种至少则五人，多则十一二人的小乐队所曾现出的爵士乐。
这种音乐不是某个人发明的，它是经过各种音乐长时间的相互吸收融化演化而成的，这使我突然想起了一个人，那个才华横溢而又遭非议的所谓的“狂妄的臭小子”--莫顿，他的确很出色，可是他却忽视了一大堆在默默无闻为爵士乐作贡献的无私的人们，爵士乐不是一个人能搞得起来的。 有一次，跟朋友谈到颜色，她说红色象征热情奔放，紫色象征神秘，白色象征纯洁。
提到蓝色时，我们不约而同地道出“忧郁”，也许提到忧郁时人就会变得格外敏感。而“布鲁斯”是“蓝色”的英文“blues”的发音，如《蓝色狂想曲》、“蓝色的爱情”、《蓝色的探戈》等等。
这其间夹杂了太多的哭声，不仅仅是美国黑人奴隶在受尽折磨之后的哭声，而更多的是他们对家乡对亲人的怀念之情。而当我们疲惫的时候，当我们也远在他乡到时候，当我们感到委屈或者在某个环境下感伤的时候，那浪漫的冷爵士曲风，那舒缓温暖的音色，难道就不会给你的心灵带来慰藉吗？写到这里，我突然想起在哪本书上的一句话：“浪漫的本质，不是让你就此妥协地认同，而是给你时间拒绝及反抗。”
拒绝烦恼、拒绝哀伤、拒绝抱怨，一切的一切……就让我们共同陶醉在那美妙的歌声里，一切歌唱，一起跳舞，一起秘醉。 “超越内心情感抵达灵魂深处，这是乐手最终超越浪漫而达到的极限。
作为听众，最终的目的不是成为追随者，而是作背叛者。”这是一个乐评人给我们的忠告。
爵士乐如一种外来的血液混入我们学院般严谨神圣的音乐体系中，谁也不知道变化的结果是什么，就像当初谁也没想到变化的结果是什么，就像当初谁也没想到爵士乐的旗手们在今天早已被认为是创造性的大师。但有一点可以肯定：音乐或听音乐的道路变得复杂而开阔了，充满了思辩、充满了创造力。
有人说爵士乐是地道的夜晚之酒，可你也无法拒绝在阳光下的盛大聚会上那些富丽堂皇的大乐队摇摆之声，甚至在一个小小村落的草地野餐会中，它的优雅也具有白天的甜美。有人说爵士乐是一个人面对的孤独之墙，呜咽而慌张，那你又怎能不去看看舞会上欢悦的扭动造型--催红了穿晚礼服的姑娘的脸，它可以是慢的，像千变万化的海水拍打海滩上的沙石，也可以是快的，让乐师把萨克斯管当成驱动万兽狂奔不止的号角。
它的贫穷的气质只相对于那些高大的厅堂而让你感动，一如被大萧条驱赶着流浪的老乐师在冷风中的颤抖。它有令人黯然伤神的悲情，也有垮掉的诗人们放纵身心的豪情，它时而粗糙胜过盐碱地，时而光滑赛过大理石地板，它有时是你端着苦涩咖啡的清淡背影，有时就是一个乡土艺人的全部和一生。
让我们再看一看我们喜爱的Duke Ellington 是怎样评价爵士乐的吧！“爵士乐是自由的晴雨表…..从一开始美国就酝酿着自由和独立的精神，爵士乐正是在这种气氛中产生和发展起来的。它如此自由，以至于许多人都说，这是这个国家产生出的唯一可以对彻底自由进行无拘无束地表达的方式。”
我们身处的这个既高速流逝又混乱交错的时代，绝对把感受和探求都切割成碎片了，浅尝辄止的结果是我们随意给各种东西下定义，就像爵士乐也被戴上了各种花花绿绿的帽子，不管它愿不愿意。我们总是认为自己是有高度的，那高度足以让我们俯瞰一切曾经发生过的而毫不怀疑自己的判断，这种自信多半来自各种怪异而庞大的媒体机器提供的信息支撑，这些在最短的时间里形成最大剂量的“学前”教育使得我们的耳朵在风中左右摇摆，轻易就击破了很多秘密。
爵士乐的未来是不可预测的。几乎所有的爵士乐流派在90年代都能找到，包括Dixieland,ClassicJazz, Mainstream,bop,hardbop,post-bop. 先锋爵士以及各种不同类型的融合爵士乐。
一些人认为爵士乐已经到了它所能达到的极限，但是每一次的创新都是从一个旧的起点开始，只要人类有表达的需要，爵士乐就不会消失。50年代末期许多评论家都认为爵士乐和古典乐会在未来融合在一起，但没有人预言出自由爵士乐和Fusion的兴起。
21世纪，不同音乐形成的融合会持续下去，人们将更具创。
小型乐队编配毕业论文
1.急求小乐队编配总谱
开放分类： 音乐、钢琴、吉他、古筝、提琴 ——民 族 乐 器—— 民族乐器分为四类：体鸣乐器；膜鸣乐器；气鸣乐器；还有弦鸣乐器。
一、体鸣乐器 （1）敲击体鸣乐器：叮咚、木棍琴、韵板、基诺竹筒、竹筒琴、锣、铛铛、单打、铓锣、铜鼓、三角铁、木鱼、广东版、木琴、铝板琴，等等。 （2）互击体鸣乐器：棒棒、铜镜、竹梆、竹杠、钹、布哉、乳钹、头钹、二钹、小钹、铙、大铙、钗、司涅、镲、小镲、碰盅、碰铃、腰铃、阔朔克、板凳、它石、它石、骨板子，等等。
（3）落击体鸣乐器：乐杵、竹捣筒、竹筒、瑶族竹筒、阿嘎、，等等。 （4）摇击体鸣乐器：连厢棍、萨巴依、热巴铃、盘铃、金刚铃、瑶铃、萨满铃、晃铃、串铃、铜铃、八宝铜铃、师刀，等等。
（5）综合奏体鸣乐器：竹簧、蹈到、铁簧、锡伯族铁簧，等等。 二、膜鸣乐器 （1）棰击膜鸣乐器：大鼓、排鼓、壮族的种劳、瑶族大鼓、水族大鼓、水族大鼓、塞吐、略斗、光拢、赠疆、瑶族猴鼓、苗族猴鼓、腰鼓、板鼓、猪嘴鼓、姜鼓、战鼓、扁鼓、八音鼓、书鼓、火者、如咚、小鼓、太平鼓、日木、环鼓、抬鼓、达玛、纳格拉、达玛如、建鼓、神鼓、那额、达布尔、竹鼓，等等排鼓。
（2）拍击膜鸣乐器：夏尔巴鼓、八角鼓、铃鼓、达卜、黄泥鼓、长鼓、光亚、光吞，等等。 （3）混合击膜鸣乐器：手鼓（俗称蛇皮鼓）、圆鼓、边鼓、双面鼓、杖鼓、蜂鼓、汪都 ，等等。
三、气鸣乐器 （1）唇振气鸣乐器：牛角、铜角、刚洞、海螺、鹿笛、长号、筒钦、铓筒、布巴，等等。 （2）嗓振气鸣乐器：合欢箫，等等。
（3）边棱气鸣乐器：胡笳、壮笛、乃依、横笛、排萧、短箫、筒箫、鼻箫、斯布斯额、鹰笛、骨笛、吐任、直通箫、布利亚、巴葛丢冬、列都、笛朽篥、库洛、双管鼻笛、扎令、阿乌、笛老挪、泥哇呜、狍哨、口笛、埙，等等。 （4）吹口气鸣乐器：夜箫、侗笛、塞箫、奖、瓦格洛、雄林、苏奈依、嘟噜、低音嘟噜、太平箫、嘎嗦、五月箫、筚箫、筚笋、勒绒、姊妹箫、双管侗笛、波晓呼、决篥杰，等等。
（5）单簧气鸣乐器：巴乌、筚、筚相、苗笛、芒筒、竹叶笛、马布、筚鲁、寸笛、咚咚亏、笔管、大嘀珑、筚多喝、波芦、筚建、利列、利罗、笛列、筚尔、筚朗布浪、芒笛、美都、其篥、双管巴乌、双管筚朗叨、筚总、决列、双管竹叶笛、双管马布、菲察克、筚达、葫芦丝、芦笙、排笙、高音笙、中音笙、低音笙、木叶，等等。 （6）双簧气鸣乐器：巴拉曼、波伯、细筚篥、小闷笛、苏尔奈、长唢呐、嘉令、波列、苗族唢呐、白族唢呐、彝族唢呐、拜、勒尤·勒浪、洞巴、阔诗乃依、双筚篥、长积、双管闷笛、咪咪、双勒浪，等等。
四、弦鸣乐器 （1）打击弦鸣乐器：扬琴、竹筒琴、竹琴、锵，等等。 （2）弹拨弦鸣乐器：古筝、柳琴、阮（大阮、中阮、小阮）、古琴、蝶筝、玄琴、伽倻琴、雅托噶、五弦琴、独弦琴、五弦琵琶、纳西琵琶、火不思、忽雷、考姆兹、苏古笃、扎木年、弹布尔、赛依吐尔、碧约牛腿琴、独它尔、喀什热瓦普、多朗热瓦普、热瓦普、巴朗孜库木、库木日依、阿肯东布拉、乐队东布拉、月琴、贵州咸宁彝族布依族月琴、彝族四弦、苗族四弦、侗族大琵琶、侗族中琵琶、侗族小琵琶、其布厄、大三弦、龙头三弦、彝族小三弦、拉祜族小三弦、僳僳三弦、赛玎、壮族三弦、垤施三弦、彝族大三弦、彝族中三弦、苗族三弦、天琴、竖箜篌、凤首箜篌、双排弦箜篌、雁柱箜篌、转调箜篌、卡龙、弓琴、达比亚、傣玎、托甫秀尔、东布尔、菲特克呐、三线琴，等等。
（3）弓拉弦鸣乐器：二胡、中胡、老胡、高胡、京胡、板胡、马头琴、琤尼、牙筝、塔吉克艾捷克、胡琴、萨它尔、胡西它尔、椰胡、葫芦胡、土胡、根卡、多朗艾捷克、艾捷克、高音艾捷克、低音艾捷克、独弦胡琴、适争、玎黑、奚琴、改革奚琴·四弦奚琴、必汪、铁琴、藏京胡、马骨胡、竹筒胡、纳西胡琴、二黄、朗多依、西玎、多洛、扎尼、彝族三胡、四胡、蒙古族四胡、四弦胡、彝族四胡、布依四胡、马头琴、克亚克、呃吱、牛腿琴、库布孜、朝尔，等等。 补充： —— 青铜乐器主要有铙、钲、钟、铎、铃、钩、镦于、鼓等。
2.关于摇滚音乐的论文3000字以上
摘要]： 文化，是当前学术界和商界共同思考的热点之一，而且日益成为一种朝阳产业。
本文重点讲述的人文摇滚也与其有着历史关联和意义。牵涉到历史与现实、中国与外国、古典与现代、全球与本土、“阳春白雪”与“下里巴人”等诸多层面，因而不无道理地一再引发种种讨论或探索。
这些探讨对于我国音乐文化的发展是有益的，不过，其中留下了一个有待我们去填补的空白：当前中国各种文化、艺术的层面中。在一种特定的文化内部，总会存在着若干种不同的文化、艺术层面，它们之间组合成为一个相互对立而又相互共生的整体。
而作为中国音乐重要组成部分--人文摇滚（摇滚）个体，在艺术与商业接轨的今天，如何独善其身并弘扬音乐的人文摇滚精神。就当前我国音乐文化的基本构成来看，我们的音乐文化中究竟有哪些因素呢？它们之间结成何种关系？谁又是这一主题的主导或领跑者？问题就提出来了。
我在这里不打算普遍地纵论音乐文化发展的历史层面，而是着重从中国内地人文摇滚音乐的音乐文化层面角度来加以分析，即透过人文摇滚的音乐文化而为推动音乐及文化产业发展提供想象性框架和可推敲性理论。因为，人文摇滚是文化产业中最富于表现力的想象性、人文性的文化形态，完全可以当仁不让地承担透视文化产业的任务，并在未来时间内引领中国文化产业迈出不可估量地一步，翻开崭新的一页。
[关键词] 人文 摇滚精神 独立摇滚 人生哲学 生命意义 释放 领跑 [正文] 中国民众主旋律热情开始淡化，功利和实用观念日渐成为民众主导意识。与此同时，本来就受到了另眼相看的音乐歌手和音乐人的本真理想基本失去了社会基础和文化效果，摇滚音乐人原来的社会角色和艺术立场出现了转换，一部分人自觉融入生活，另一部分人则进入市场运作，人文摇滚音乐作为一种“第三地下角色”，甚至被抑为无意识。
这样一种状态，不仅作为一种背景，并似乎成为一种“力量”，直接控制、作用、影响着21世纪的中国音乐文化，为这一时期中国音乐文化留下了鲜明的"时间性"印迹。作为历史见证，文化产业的得天独厚都将在这些摇滚文本中得到一份"真实"的记录，并义不容辞的承担起领跑者的任务和名份。
一、人文摇滚的层面与渊源 1、音乐概述 音乐（music）的定义、起源历来很多，关于人类社会音乐的起源可以追溯到非常古老的洪荒时代。在人类还没有产生语言时，就已经知道利用声音的高低、强弱等来表达自己的意思和感情。
随着人类劳动的发展，逐渐产生了统一劳动节奏的号子和相互间传递信息的呼喊，这便是最原始的音乐雏形；当人们庆贺收获和分享劳动成果时，往往敲打石器、木器以表达喜悦、欢乐之情，这便是原始乐器的雏形。原始时代的人类，他们的劳动生活，可以说是和音乐为伴而开拓发展，两者是紧密联系在一起的。
从这个意义上来说，音乐是直接从人类的劳动生活中产生出来的。起源说众说纷纭也如性爱说、模仿说、劳动说等。
在这里仅仅采纳中国音乐学家刘蓝的界说：音乐起源于太一说。 音乐是一种表演艺术，需要通过演奏、演唱，才能为人们所感知而产生的艺术效果。
音乐的分类有很多种，比如：音乐种类分为拉丁音乐、说唱音乐、古典音乐、流行音乐、MV卡拉OK 、影视音乐、儿童音乐、动漫音乐、轻音乐、摇滚音乐、民族音乐、民谣、宗教音乐、节庆音乐、革命音乐、以及近年来出现的游戏音乐等等。换句话也就是说，音乐是人类的符号表意系统，人类通过自己创造的符号系统去表达生活的意义。
而音乐文化是一个历史性概念，每个民族及其特定历史时段都有其独特的表现状态。一定时段的音乐文化应是一个容纳多重层面并彼此形成复杂关系的结合体（并不一定就是统一的整体）。
而就中国目前的情形来说，这种容纳多样的音乐文化结合体往往有几个层面或形态（注：我自己在过去一度审美主观性的将音乐文化分为主流文化、精英文化和大众文化三种，但后来通过在大学的学习才知道世界上有很多的事物是不能简单的去分类的。）：主导音乐文化、高雅音乐文化、大众音乐文化、精神音乐文化。
从文化价值看，这几个层面之间本身是无所谓高低之分贵贱之别的，关键看具体的作品文体本身如何。每一层面都可能出优秀或低劣作品，无论它是主导文化和高雅文化，抑或物质层面的，又或是精神的。
由于本文是在分析人文摇滚音乐；在此就不做详细论述。下面以流行音乐为例谈一下中国音乐的发展现状。
2、摇滚渊源 纵观流行音乐发展现状，存在着无处流行的悲哀。再来看看中国摇滚音乐的现状，可现在的摇滚（其实有很多的东西）都变了味了，或许存在着共同的悲哀，有或许是永远也解不开的探索之迷。
20年间，除了海外的一些著名歌手还能偶尔引起轰动和追捧外，内地歌手的现场演出还有多少人去听？还有几个人有兴趣办当年那样的演唱会？音乐人许晓峰日前接受采访时说：“去年全国现场演出收入仅有1亿元左右。这说明，中国流行音乐成了一个仅靠唱片公司一条腿走路的‘瘸子’。”
“我脚踏着大地我头顶着太阳，我装作这世界唯我独在，我紧闭着双眼我紧靠着墙，我装作这肩上已没有长脑袋。
3.关于摇滚论文的资料
呵呵，这个不好找。
摇滚音乐类型 1、酸性摇滚 （acid rock）—— 即迷幻摇滚，盛行于60年代中、后期，是嬉皮 士运动的产物之一。其音乐特色是震耳欲聋的强烈节奏、尖厉响亮的电吉它单人或双 人演奏。
不同于重金属摇滚，迷幻摇滚没有一定的曲式，即兴演奏的成分较多，其无 旋律的音调变化多端，常常富有精彩华妙的表现。“酸性” （acid）一词是迷幻剂LSD 的俚语代名词，酸性摇滚因为具有狂热的迷幻音乐特点，故有其名。
代表乐手、乐队 有：Jimmy Hendrex、Jefferson Airplane、the Doors、the Greatful Dead等。 这些组合及其歌迷都蓄长发、着彩色鲜艳的服装，持有反世俗的态度，这种外在表现 与音乐一样重要。
2、非主流摇滚（alternative rock） ——一种摇滚音乐形式。是80年代前期和 中期，“摇滚团体”与“重金属”停滞不前后发展而成。
具有更充满能量且独有特色 的声音，不强调音乐 的外在表现而强调离奇的音乐独创性。如98年葛兰美的最佳非主 流音乐奖获得者是 Radiohead 。
3、经典摇滚（classic rock） ——流行音乐的一种流派。主要指那些60年代后 期、70年代和80年代早期为大家所熟悉的，主流摇滚明星的音乐。
象Beatles、Rolling Stone 等 。 4、民谣摇滚（folk rock）——基于民歌的结构和主题，适于民谣乐器和技术演奏 改编的摇滚音乐。
这种音乐集中体现于Bob Dylan的作品，Bob在民谣音乐中采用了电 吉它、鼓、键盘等乐器，形成了独特的风格，他的音乐在60年代初期受到民谣纯化论 者的强烈抨击。另一著名民谣摇滚团体是The Byrds 。
它受Beatles活泼的流行作品 影响，对早期民谣和蓝草音乐进行了改造而独树一帜。 5、车库音乐（garage）——是一种由因为寻求乐趣而组建，未经过专门训练的乐 队所演奏的摇滚乐。
这种音乐往往缺少旋律和完美的配合，因为常常在家中的车库里 排练并且器材破旧而得名。但此类音乐由于初衷简单而具有难能可贵的纯粹和生活体 验的真切。
车库音乐的发展也形成过一种刻意反对高保真制作的LOW-FI （低保真）趋 势。 6、Grunge——90年代初起源于西雅图的一种有影响力的摇滚音乐。
它与此前十 年之内制作考究、与MTV相互依赖的、商业的流行音乐截然相反，注重表现音乐的外在 和技术的精炼，热衷于表现痛处、愤怒和热情，歌曲往往与悲观主义和年青一代的焦 躁心情合。 Pearl Jam 和Nirvana是最具影响力的两支Grunge 乐队，这种音乐的兴 起所带来的影响已涉及到摇滚乐的各个领域。
7、重金属乐（heavy metal） —— 属硬摇滚范畴，其特色是咄咄逼人的吉它演 奏、震耳欲聋的鼓声、大到极限的音量和鲜艳怪异的服装。重金属摇滚代表了年轻人 的生活哲学和思维方式 因为它反映了年轻一代的困惑、忧虑和挫折。
重金属的起源 可推至Rolling Stone 乐队，Led Zepplin 使其正式成型。重金属摇滚至今仍无太 大的变化，但它始终拥有大量的歌迷，90年代中仍有不断壮大的趋势。
1989年第31届 葛兰美音乐奖将其列入评奖范围，因而把重金属乐正式纳入主流音乐行列。80年代风 靡乐坛的重金属组合有：Def Lepard、Van Helan、Guns N Roses、Metallica、Bon Jovi等。
8、Hip-hop——某些时侯，它被作为rap的同义词。这是个宽泛的概念，基本上 代表了80、90年代美国都市青年的亚文化，包括社会、时尚、音乐、舞曲等。
说唱 乐、霹雳舞、涂鸦艺术、有DJ的音乐俱乐部和运动服饰都是hip-hop的表现。它所代 表的音乐往往是缺少深刻的意义与使命感，而一贯跟随时尚风潮的流行曲，象曾经红 过一阵的Kris Kross 。
9、工业之声（industrial music）——它的特征是异化、紧张的主题和嗡嗡作响 的节奏。工业之声的乐队往往用滤波器把声音处理成怪诞而虚幻的音色。
The Revolting Cocks,KMFDM, Foetus 和 Nine Inch Nails 是80和90年代最著名的 工业之声乐队。 10、朋克摇滚（punk rock）—— 70年代中后期盛行的一种流行音乐流派也是著 名的音乐运动。
其主旨有二：反对富足的中产阶级和上流社会及反对当时的主流摇滚 形式和商业方法。朋克乐的著名乐队是英国的Sex Pistols。
它以攻击性的演出、令 人讨厌的舞台行为、钉型的发型、撕破的衣服、满口的脏话政治上不稳定的歌曲为最 明显的特征。对朋克乐队而言，精神和坚信常常比音乐技能来得更为重要。
在当时， 乐坛自鸣得意的倾向威胁到音乐素质的下降，朋克运动的兴起一定程度地振兴了摇滚 乐。实质上朋克乐也并非象一贯评论所述的那样无旋律可言，很多精彩的作品对后来 者产生了相当大的影响。
11、Rockabilly ——一种摇滚乐和乡村乐结合而成的热门音乐，是早期摇滚乐 的类型之一。起源于美国南方，往往采用自然乐器代替电子乐器，其风格类似于摇滚 和节奏布鲁斯。
Elvis Presley , Carl Perkins和Roy Orbison的50年代中后期音 乐大多属于此类。 12、海浪音乐（surf music）—— 60年代早期的南加利弗尼亚摇滚乐。
主要内容 是抒发对太阳、沙滩、海浪、汽车和女孩的喜爱。The Beach Boys一手创造了这种美 国独有的音乐流派。
它采用基本的摇滚乐歌曲结构虚幻地表达了简单的意图。在更深 的层次上讲，这种音乐也代表了。
4.管弦乐队原理及其艺术特征论文
摘 要：管弦乐队一语译自英语Orchestra.这个词从希腊语演化而来。
原指古希腊剧场的舞台前供舞蹈、合唱和奏乐者表演的半圆形场地。歌剧兴起后，人们便把剧院内供歌剧乐队演奏的地方叫Orchestra。
17世纪以后，独立的管弦乐队产生，人们便将Orchestra一词作为管弦乐队的专用名称了。器乐演奏自音乐产生依赖就存在了。
早先的乐器只是简单的传声筒，后来发展为小号、长笛和双簧管等，然后是弦乐器和键盘乐器的产生。首次发现的一架竖琴，其产生的年代可以追溯到公园前30世纪。
约在公元9世纪左右，出现了弓弦乐器。维沃尔琴和琉特琴成为当时的流浪艺人和游吟歌手的重要乐器。
经过历代的不断改进，产生了古大提琴家族以及后来的小提琴家族以及后来的小提琴家族。由于缺乏古乐器、乐谱以及专门文字记述，人们已无法对16世纪以前的器乐音乐进行更为详尽的研究。
5.毕业论文, 需要甲壳虫乐队与鲍勃迪伦的文献资料,越全越好
如果你真正爱甲壳虫乐队以及迪伦的音乐灵魂 ， 希望自己写下去，不要依靠别人的力量。
披头士
甲壳虫乐队无疑是上世纪的最有影响的乐队。在8年的时间中，他们不但改变了摇滚乐和流行乐 ，而且，永远的改变了所有音乐的面貌。
甲壳虫乐队以其反上流社会，反正统艺术的风格，锋利而快捷敢于接触社会敏感问题的内容，在舞台上那种与世俗挑战的举止，征服了各国青年。不少歌曲表现了资本主义社会一代青年失望、低落和愤懑的心情。
“甲壳虫”过去是，现在是，或许将来也会是有史以来最受欢迎和最成功的音乐组合。
鲍勃迪伦
迪伦的影响力主要体现在60年代，如果没有迪伦，无疑摇滚乐将走一段弯路，将不会有“披头士”（THE BEATLES）的《佩珀军士孤独之心俱乐部乐队》（Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band），不会有“滚石”的《乞丐的宴会》（Beggar's Banquet），也不会有“乐队”的《来自大平克的音乐》（Music form Big Pink），这就是他的影响程度。他对音乐的最主要的贡献，这点也影响了列农和麦卡特尼之后的很多歌手，那就是歌词的深刻寓意与音乐成为同等重要的一部分，从他一开始的抗议歌曲，就展示了他的歌词比他的音乐更浪漫、更激动人心。他对工业国家整个一代人的敏感性的形成起了很大的作用，他的音乐对理解和分析60年代是至关重要的。
纵观其音乐生涯，Bob Dylan 与THE BEATLES 都是真正赋予了摇滚乐以灵魂。
6.关于莫扎特长笛协奏曲的毕业论文
先给你一些做参考莫扎特：G大调长笛协奏曲第1号 莫扎特的G大调长笛协奏曲和他的大多数作品一样，是为特定的使用目的而写的，这次干脆就是为了挣钱，为了筹措从萨尔茨堡到巴黎的一次昂贵的长途职业旅行所急需的款项。
1777年10月底，莫扎特和母亲已远游至曼海姆，那里有著名的乐队和歌剧院。曼海姆的宫廷对这位二十一岁的天才并不太感兴趣。
最后，一位业余长笛家德.让--一个在曼海姆的荷兰人--前来约请莫扎特创作一些简易的长笛协奏曲和长笛四重奏 长笛作为独奏乐器，莫扎特并不喜欢，所以尽管手头拮据，还是迟迟不写。荷兰人于1778年2月底离去时，订货还远没完工，莫扎特的收费只好减半。
但是，尽管他不喜欢这一乐器，但一动笔就不可能无动于衷。荷兰人收到的一首G大调协奏曲远远超出了他原先期望的业余水平，并且成为此后二百年来长笛演奏家和听众的艺术享受 第一乐章：庄严的快板，G大调，4/4拍子，奏鸣曲式 在长笛独奏前，我们听到乐队呈示几个主要主题，第一个是最重要的。
显然，这就是莫扎特在选用"庄严"来说明速度时心目中的主题。整首协奏曲虽然轻盈优美，开始主题却有某种程度的洛可可的庄严宏伟。
独奏长笛接下去演奏时，不满足于单纯按照惯例换个调来呼应那些乐队主题，而且按照典型的莫扎特的路子，穿过关系调e小调领域，用一个似怨似慕、似泣似诉的短句来丰富这一乐章。这一短句迄今犹为长笛专有的主题瑰宝。
呈示部一个跳跃的小小的终止音型结束，这个音型毫无显眼夺目之处，直到莫扎特的想象力扑了过去，把它改变成一长段展开部（01段03分40秒），五彩缤纷，绚丽多姿。几个基本主题的再现由独奏与乐队共同演奏，直到华彩段，这时莫扎特听任独奏者自由炫技。
第二乐章：不太慢的柔板，D大调，4/4拍子，奏鸣曲式 如歌的慢板乐章为全曲之冠，有浪漫派的惆怅之感，带有加弱音器的弦乐的夜曲色彩。一个肃穆的空八度动机式音型引入主旋律，先由单簧管唱出，然后是长笛在呢喃的小提琴上独奏。
对比的第二主题（02段03分35秒）是一个具有思慕之情的上行旋律，令人联想起格鲁克的巴黎歌剧《奥菲欧与尤丽狄茜》极乐世界一场中著名的长笛独奏。这一乐章充分发展了交响奏鸣曲式，结束前有一段自由的华彩。
第三乐章：回旋曲，小步舞曲速度，G大调，3/4拍子，回旋曲 这个精美的洛可可风味的末乐章采用法国回旋曲式，基本主题第一次都出现在独奏乐器上，这一主题回复三次，每次都略事装饰。各插段都是以晶光璀璨的炫技开始，然后在音乐内容上越来越丰富，中间一个插段按法国习惯主要采用小调，最后一个插段结束在自由华彩上。
接着，转入回旋曲基本主题的最后一次回复，最后几个小节似乎在温柔地抚爱。莫扎特：D大调长笛协奏曲第2号K.314 这首可爱的乐曲似乎特别适合长笛，中间乐章颇有诗意，第三乐章充满火花。
然而，最近学者发现这首协奏曲原先是为双簧管写的。莫扎特创作此曲时二十一岁，是为意大利双簧管演奏家裘塞皮.费连迪写的，此人从1777年4月起为萨尔茨堡大主教服务。
我们不知道莫扎特写完总谱的确切时间，但显然是在这一年秋天前往巴黎以前。 莫扎特把这首双簧管协奏曲带在身边。
去巴黎途中最重要的一站是曼海姆，著名的曼海姆乐队是当年技艺最为精湛、影响深远的乐队。队员中有不少著名大师，其中有些还是有影响的作曲家。
曼海姆乐队的首席双簧管弗里德里希.拉姆几度演出了莫扎特的协奏曲，屡获热烈喝彩。 莫扎特在曼海姆乐队队员中还有一位朋友--长笛家温德林。
通过温德林，他从一个荷兰的业余长笛演奏家德.让那里得到了一笔报酬优厚的订货。他交出两部协奏曲和三首长笛四重奏，到手九十六个盾。
两部协奏曲中，第一部K.313是新创作，第二部从他为费连迪写的双簧管协奏曲改编而成，原来是C大调，长笛吹奏时移至D大调。 作品分析 第一乐章：开朗的快板，D大调，4/4拍子，奏鸣曲式 第一个乐章在当时听起来一定特别别致，轮廓分明的小音型、烂漫的节奏、洋溢着古典主义风格的意大利席歌剧轻松活泼的气息。
切分的正主题在开始几小节由乐队奏出，立即继以歌唱性较强的对比旋律，由第一小提琴奏出。独奏长笛的进入十分辉煌，是一个急剧上升的音阶和一个长久持续的高音，乐队在其下面再次宣布乐章的正主题。
长笛继续吹奏辉煌的经过句，转入旋律优美的第二主题（04段01分33秒）。 在莫扎特的后期作品中变得如此重要的，中间的"展开段"，这里不过是连接乐章前后两半的一个灵巧的过渡。
基本主题素材的再现十分正规，用一个华彩段和华丽的乐队全奏完美地收尾。 第二乐章：不太慢的行板，G大调，3/4拍子 慢乐章充分发挥了长笛的歌唱能力，特别是在乐队的副旋律上持续吹奏长音。
莫扎特小心地使用他所熟悉的倚音，给这支歌增添了几分富有诗意的哀愁。 第三乐章：快板，D大调，2/4拍子，回旋曲式 末乐章是一首步态轻盈的回旋曲。
它所根据的主题，莫扎特歌剧的爱好者一定会认出，是《后宫诱逃》中最明媚的灵感的源泉。那就是歌剧中勃隆德的热情洋溢的歌《何等幸福，何等快乐》。
她在这首歌中盼望她。
7.谁能提供几个音乐专业方向毕业论文题目
1. 试论莫扎特《g 小调弦乐五重奏》第一乐章中对中提琴地位与作用的提升 2. 优雅的男高音——论大提琴在乐队中的作用 3. 大提琴演奏中国民族音乐的几点探索 4. 大提琴演奏发音问题探讨 5. 论二胡演奏的内心感觉与艺术修养的提高 6. 古筝演奏与心理音色 7. 浅谈想像力与心理调控力在小提琴演奏中的作用 8. 长笛演奏的基本技巧分析与实践 9. 关于借鉴西方作品分析法分析传统古琴曲的几点思考 10. 小议视唱练耳在乐器演奏中的重要性 11. 谈儿童学习乐器演奏的意义 12. 探析铜管乐器演奏的音准问题 13. 浅谈中小学铜管乐队的训练 14. 如何组织开展中小学小乐队的活动 15. （某器乐）演奏中的准确读谱与正确理解 16. 论（某器乐）作品的音乐风格与演奏 17. （某器乐）演奏右手技术问题之我见 18. 如何处理好（某器乐）教学中音乐表现与弹奏技术的关系 19. 浅谈（某器乐）考试、比赛前的心理的准备 20. 《二泉映月》的创作分析与演奏实践 21. 中国民族器乐的历史与现状之研究 22. 论杨琴演奏的思维 23. 浅析关于（某器乐）演奏的发音问题 24. 如何演奏好《莫扎特C大调长笛与竖琴协奏曲》K299 25. 小提琴的左手技巧 26. 浅析现代杨琴的演奏技巧及表现力 27. 简述萨克斯的气息 28. 浅谈琵琶演奏与教学心得 29. 论扬琴演奏中手臂运动与力度控制 30. 少年儿童古筝考级教学浅谈 31. 长笛演奏中的呼吸气息运用 32. 浅析二胡曲《洪湖人民的心愿》 33. 女子十二乐坊现象分析 钢琴 1. 怎样提高钢琴伴奏的演奏水平 2. 论钢琴演奏情和理的统一 3. 临场演奏中的心理因素 4. 浅谈钢琴教学中如何培养学生的演奏能力 5. 论钢琴演奏艺术中的想像力 6. 浅谈钢琴演奏的基本技巧 7. 浅谈中国风格钢琴作品的演奏 8. 试论钢琴表演艺术中的共性与个性关系 9. 试论钢琴表演艺术中的二度创作与实践 10. 论钢琴教育的教学原则与方法 11. 论钢琴教师的职业素养 12. 即兴伴奏与音乐表现 13. 论钢琴演奏中音乐表现与弹奏技术的关系 14. 论钢琴踏板的重要性及运用 15. 试论儿童钢琴教学的特殊性 16. 论钢琴教学中弱指的训练 17. 论钢琴演奏中的放松问题 18. 论巴赫钢琴作品的演奏风格 19. 论钢琴的指法艺术 20. 对钢琴演奏心理问题的研究 声乐 1. 当前适应中小学音乐新课程的高师声乐教学改革刍论 2. 民族声乐演唱中字正腔圆探究 3. 舒伯特艺术歌曲的演唱风格 4. 透过声乐套曲《冬之旅》浅谈舒伯特艺术歌曲的演唱 5. 演唱中国作品的发声与吐字 6. 歌唱心理素质在演唱中的影响 7. 花腔技巧在古典歌剧演唱中的运用与表现 8. 论赵元任声乐作品的民族性与演唱表达 9. 浅析黄自艺术歌曲的音乐特征与演唱表达 10. 试论多媒体在声乐教学中的运用 11. 释析巴罗克（古典/浪漫）时期声乐作品的风格特征 12. 试论声乐教育的评价体系 13. 怎样运用歌声传达情感 14. 如何运用科学的方法演唱通俗歌曲 15. 歌唱艺术中的情感体验与表现 16. 论学校声乐人才培养方案如何适应社会要求 17. 中国古代声乐美学发展初探 18. 童声训练的原则与方法 19. 高师音乐专业声乐课改革之我见 20. 声乐教学中应注意民族问题 21. 歌唱心理调控在人声训练中的作用 22. 民族声乐歌唱方法探析 23. 通俗演唱方法探析 舞蹈 1. 浅谈舞蹈教学中表演意识的培养和训练 2. 论舞蹈的教育功能 3. 浅谈音乐与舞蹈的关系 4. 文化对舞者的重要性——浅谈舞蹈理论对舞蹈实践的指导作用 5. 儿童舞蹈教学中的寓教于乐原则 6. 舞蹈对幼儿成长的作用 7. 论舞蹈教育与素质教育 8. 中小学音乐舞蹈教育的现状及创新发展探讨 9. 论普及性舞蹈教育在中小学教育中的重要性 10. 论节奏在民间舞课堂教学中的重要性 11. 加强高师民间舞教学中“民俗”的渗透 12. 论中小学舞蹈教育 13. 浅谈中小学舞蹈课程设置 14. 浅谈幼儿师范学校的舞蹈教学 15. 谈儿童舞蹈教学的制作 16. 浅谈中国民间舞的表演 17. “鼓”在民间舞中的运用和发展 18. “道具”在中国民间舞教学与创作中的运用和发展 19. 论舞蹈作品与社会生活 20. 浅谈舞蹈表演形式的创新 21. 浅析现代舞动作的发展 22. 浅谈中国古典舞对戏曲舞蹈的借鉴 23. 新时期大学生校园舞蹈教育的思考 24. 浅谈中等师范学校的民间舞教学 25. 浅谈地域文化对中国民间舞蹈文化的影响 音乐教育 1. 基础教育新课程改革形势下的高师音乐教育 2. 从普通高校学生音乐素质教育现状所引发的思考 3. 浅议对高师音乐教育专业基础课程教学改革的思考 4. 音乐素质的培养对幼儿身心发展的作用 5. 二十世纪中国学校音乐教育发展研究 6. 音乐新课程标准下的高师音乐教育专业学生的职业素质培养 7. 合唱在中小学素质教育中的作用 8. 论音乐教师钢琴即兴伴奏能力的培养 9. 论中学音乐课堂教学方法的多样性 10. 美育与音乐教育 11. 试论童声合唱的训练方法 12. 音乐新课标下的课堂教学方法研究 13. 中小学音乐教育与合唱活动 14. 高师音乐教育专业如何体现师范性的要求 作品分析 1. 析理查·施特劳斯交响诗《唐·吉诃德》中的引子的主题内涵 2. 浅析普罗科菲耶夫《第二钢琴奏鸣曲——Scherzo》的写作特征 3. 浅析莫扎特钢琴作品的和声曲式结构特征 4. 现代音乐作品中的情感因素 5. 对某某作曲技法的分析 6. 简述车尔尼练习曲 7. 论肖邦夜曲 8. 肖邦第一叙事。
8.关于电视摇滚音乐的论文以及材料
呵呵，这个不好找。
摇滚音乐类型 1、酸性摇滚 （acid rock）—— 即迷幻摇滚，盛行于60年代中、后期，是嬉皮 士运动的产物之一。其音乐特色是震耳欲聋的强烈节奏、尖厉响亮的电吉它单人或双 人演奏。
不同于重金属摇滚，迷幻摇滚没有一定的曲式，即兴演奏的成分较多，其无 旋律的音调变化多端，常常富有精彩华妙的表现。“酸性” （acid）一词是迷幻剂LSD 的俚语代名词，酸性摇滚因为具有狂热的迷幻音乐特点，故有其名。
代表乐手、乐队 有：Jimmy Hendrex、Jefferson Airplane、the Doors、the Greatful Dead等。 这些组合及其歌迷都蓄长发、着彩色鲜艳的服装，持有反世俗的态度，这种外在表现 与音乐一样重要。
2、非主流摇滚（alternative rock） ——一种摇滚音乐形式。是80年代前期和 中期，“摇滚团体”与“重金属”停滞不前后发展而成。
具有更充满能量且独有特色 的声音，不强调音乐 的外在表现而强调离奇的音乐独创性。如98年葛兰美的最佳非主 流音乐奖获得者是 Radiohead 。
3、经典摇滚（classic rock） ——流行音乐的一种流派。主要指那些60年代后 期、70年代和80年代早期为大家所熟悉的，主流摇滚明星的音乐。
象Beatles、Rolling Stone 等 。 4、民谣摇滚（folk rock）——基于民歌的结构和主题，适于民谣乐器和技术演奏 改编的摇滚音乐。
这种音乐集中体现于Bob Dylan的作品，Bob在民谣音乐中采用了电 吉它、鼓、键盘等乐器，形成了独特的风格，他的音乐在60年代初期受到民谣纯化论 者的强烈抨击。另一著名民谣摇滚团体是The Byrds 。
它受Beatles活泼的流行作品 影响，对早期民谣和蓝草音乐进行了改造而独树一帜。 5、车库音乐（garage）——是一种由因为寻求乐趣而组建，未经过专门训练的乐 队所演奏的摇滚乐。
这种音乐往往缺少旋律和完美的配合，因为常常在家中的车库里 排练并且器材破旧而得名。但此类音乐由于初衷简单而具有难能可贵的纯粹和生活体 验的真切。
车库音乐的发展也形成过一种刻意反对高保真制作的LOW-FI （低保真）趋 势。 6、Grunge——90年代初起源于西雅图的一种有影响力的摇滚音乐。
它与此前十 年之内制作考究、与MTV相互依赖的、商业的流行音乐截然相反，注重表现音乐的外在 和技术的精炼，热衷于表现痛处、愤怒和热情，歌曲往往与悲观主义和年青一代的焦 躁心情合。 Pearl Jam 和Nirvana是最具影响力的两支Grunge 乐队，这种音乐的兴 起所带来的影响已涉及到摇滚乐的各个领域。
7、重金属乐（heavy metal） —— 属硬摇滚范畴，其特色是咄咄逼人的吉它演 奏、震耳欲聋的鼓声、大到极限的音量和鲜艳怪异的服装。重金属摇滚代表了年轻人 的生活哲学和思维方式 因为它反映了年轻一代的困惑、忧虑和挫折。
重金属的起源 可推至Rolling Stone 乐队，Led Zepplin 使其正式成型。重金属摇滚至今仍无太 大的变化，但它始终拥有大量的歌迷，90年代中仍有不断壮大的趋势。
1989年第31届 葛兰美音乐奖将其列入评奖范围，因而把重金属乐正式纳入主流音乐行列。80年代风 靡乐坛的重金属组合有：Def Lepard、Van Helan、Guns N Roses、Metallica、Bon Jovi等。
8、Hip-hop——某些时侯，它被作为rap的同义词。这是个宽泛的概念，基本上 代表了80、90年代美国都市青年的亚文化，包括社会、时尚、音乐、舞曲等。
说唱 乐、霹雳舞、涂鸦艺术、有DJ的音乐俱乐部和运动服饰都是hip-hop的表现。它所代 表的音乐往往是缺少深刻的意义与使命感，而一贯跟随时尚风潮的流行曲，象曾经红 过一阵的Kris Kross 。
9、工业之声（industrial music）——它的特征是异化、紧张的主题和嗡嗡作响 的节奏。工业之声的乐队往往用滤波器把声音处理成怪诞而虚幻的音色。
The Revolting Cocks,KMFDM, Foetus 和 Nine Inch Nails 是80和90年代最著名的 工业之声乐队。 10、朋克摇滚（punk rock）—— 70年代中后期盛行的一种流行音乐流派也是著 名的音乐运动。
其主旨有二：反对富足的中产阶级和上流社会及反对当时的主流摇滚 形式和商业方法。朋克乐的著名乐队是英国的Sex Pistols。
它以攻击性的演出、令 人讨厌的舞台行为、钉型的发型、撕破的衣服、满口的脏话政治上不稳定的歌曲为最 明显的特征。对朋克乐队而言，精神和坚信常常比音乐技能来得更为重要。
在当时， 乐坛自鸣得意的倾向威胁到音乐素质的下降，朋克运动的兴起一定程度地振兴了摇滚 乐。实质上朋克乐也并非象一贯评论所述的那样无旋律可言，很多精彩的作品对后来 者产生了相当大的影响。
11、Rockabilly ——一种摇滚乐和乡村乐结合而成的热门音乐，是早期摇滚乐 的类型之一。起源于美国南方，往往采用自然乐器代替电子乐器，其风格类似于摇滚 和节奏布鲁斯。
Elvis Presley , Carl Perkins和Roy Orbison的50年代中后期音 乐大多属于此类。 12、海浪音乐（surf music）—— 60年代早期的南加利弗尼亚摇滚乐。
主要内容 是抒发对太阳、沙滩、海浪、汽车和女孩的喜爱。The Beach Boys一手创造了这种美 国独有的音乐流派。
它采用基本的摇滚乐歌曲结构虚幻地表达了简单的意图。在更深 的层次上讲，这种音乐也代表了美。
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