国画书法毕业论文题目
1.求国画写意画方面的论文题目要求范围不大,思想明确,最好有诗意感
你想的立意很好(写意),因为现在写工笔技法和史论概念类型的论文太多了,但如何写好就要看你的美术史和国画功底了,说白了写意国画论文不是每个人都能写的,即使是美术类的专业生。
一、写意最直白体现在于文人画(书画文同源),因此可以选择这一类型的题目,不知道你是否关注文人画这个系列以及从宋元明清一只传承下来的关系。 推荐对象:董其昌、郑燮(扬州八怪)、文征明(明四家) 题目:“书正其人,人如其画”——解析XX/XX现象/XX流派 二、大多数写意都是为了抒发胸中逸气,因此“逸”是写意画的一个重要表现,以这个为中心来写还是比较好写的,但是这个很难写出新意,如何寻找对象是关键。
推荐对象:倪瓒、石涛、八大、弘仁(清四僧) 题目:“只可自愉悦,不堪持赠君”——XX解析 个人觉得不要谈技法,因为一谈技法就会庸而且会暴露很多问题,尤其当你不是写意的高手时。
2.求以《国画所带来的思考》为主题的论文一篇要求:1字数在2000?
南中国画现状的思考──师法自然、逾古出新才能振兴云南中国画 刘怡涛 内容提要:云南独特的自然景观和民族文化是我们云南画家取之不尽,用之不竭的源泉。
绘画艺术中的形物,没有不是来自于自然的印象,反映自然生命的。尤其以画家自己从生活中、从自然中直接感受到的形象可贵。
所以,我们说,创新,必须是源于生活的创新。继承与创新,是相互依存而又相互排斥的一对矛盾,继承,是承古人之心,而不是师古人之迹。
承古人之心,就是研究历代大师的步履,领悟其艺术形成的诸多因素,深究其艺术思想和艺术技巧形成的心路历程,仿其创新精神。 关键词:云南,中国画,创新 绝壑连碧水 王晋元 云之南独特的山川、奇花异鸟、民族风情,正是绘画艺术创作取之不尽的源泉 我们应该庆幸生活在这样一块得天独厚的土地之上,师法自然,对我们来说是近水楼台。
老一辈的画家如袁晓岑先生──以云南特有的孔雀等入手,形成自己的风格;当代著名画家王晋元先生──以云南特有的热带植物景观和滇西北高山植物景观入手,形成了自己的独特绘画风格。 他们就是师法自然的成功典范。
然而这似乎并没有引起广大云南中国画家们的重视,看着外省画家源源不断地涌来云南写生,我以为,现在到了该大声疾呼的时候了。 云南的中国画,有得天独厚的一面,那就是我们这块丰富多彩的土地,有先天不足的一面,那就是我们传统文化的底蕴和积淀薄弱。
好在我们已经进入到了信息时代,要借鉴古人的东西,要看到当今大师作品的风貌都已不是难事,制约我们发展和创新的仍然是观念问题。绘画艺术的创新在于观念的更新。
学中国画当从传统入手,这是大多数人的共识,然而许多人学传统便被传统俘虏而不能自拔;一些人不从传统入手,而从抽象或形式入手,却感觉无论怎么画,都显得底蕴不足。 故国秋 王晋元 画家绘画,总要有一形象原型,或是从继承而来,或是自己去寻找。
我们提倡自己去找,从生活中,从大自然中。有人说他是闭上眼睛,什么也不看、不想,靠下意识来画画,我认为,这是不成立的。
绘画艺术中的形物,没有不是来自于自然的印象,反映自然生命的。 只要他是一个建全的人,那么,他的下意识所反映的东西,或多或少总是带有他过去视觉的经验、经历和映象,没有真正意义的无意识、下意识。
相对的下意识,是受到人的主观意识的潜在操纵的。只有那些先天的盲人,在没有触摸任何物品情况下的下意识,才是真正的下意识。
因为他们没有视觉的经历,也没有触摸物品的经历。世界上无绝对的离象之外象,离有之无,离实之虚,就是说没有完全与直接感触之象绝缘的“无形之象”的存在,没有完全离开感觉而独立自生的超感觉,这是不可能,也是不存在的。
象之再远,终是其之余;味之再不尽,亦不过其之尾,犹如血肉相连。 虚实、有无、象内象外、画尽意不尽,它们之间若即若离,似有似无,既虚又实,在离即之间、有无之中、虚实之际。
是为相渗、相融、相补。无形之象,是相对有形之象而言,是有形之象的象外之象,是由情感、心境而生的意象。
从有形之象到无形之象的认识,是意境发展的一个重要里程碑。 然而没有有形之象就没有无形之象,无形之象是情感的升华,是天人合一的再现。
玉羽金翎,庚申之秋九月,袁晓岑任作于首都之藻鉴堂 只有绘画观念的更新,才会带来绘画技法的变革。 从古到今,凡艺术变革者,如只是技法上的变革,反映在绘画中则仅仅是画面形式的小变,而当审美观念亦随之改变,则从形式到技法皆须服从于新观念产生变革,于是大的流派、新的艺术形式亦随之产生。
只有绘画观念的更新,才会带来绘画艺术形式的创新。 创新,必须是源于生活的创新。
艺术来源于生活,而生活带给画家原始的直觉感,这种直觉感正是艺术创作丰富的源泉。不断地在生活中寻求新的美的东西,才能激发起最强烈的情感和审美感受,启发并感受到生活与我胸中原有的艺术形象的不同,从中度出新意。
同时也将激发你冲破原有的技法、程式,开拓出与之相适应的新的富有艺术个性的形式、技法。然画新的题材,新的内容,亦是促发观念变革的契机,一种全新的事物,会给人予不同一般的感受,迫使你在表现它时极尽所能,甚而摒弃传统技法,而创新法以应新的命题,触发艺术观之突变或渐变,从而达到创新之目的。
当然,观念之变革,还需有学识的支撑,没有渊博的学识,艺术观的转变往往也是浅薄的。 袁晓岑 版纳林泉处处幽 立轴 创新,有两种途径。
一是摒弃本国的文化渊源,引进全新的舶来艺术观念、技法、形式。只仅仅保留作画的工具,以为只要是用毛笔在宣纸上作画,就应该算是中国画。
二是继承民族传统不但包括绘画的精髓,还包括民族的气质、审美情趣和中国画的特点,如:重意境、求神似、泛时空等审美观及笔墨与心态同时构筑形成作品。重意境,在某种意义上说,就是重虚实。
虚实结合是气之形,气是虚实之魂。虚与实结合而生气,气韵生动者为尚。
孟子说“……充实之谓美,充实而有光辉之谓大,大而化之之谓圣,圣而不可知之之谓神。” 即是说:虚实之中,虚为主,不是虚实并重,是由。
3.谁能给我一篇关于中国画的论文开题报告
如何面对中国画创新问题 绘画是创造性的艺术,绘画的艺术价值就在于创新。
绘画的创新与自然科学中的发明创造没有什么区别,唯一不同的是,绘画属于社会科学的范畴。绘画的创新除了能给人带来全新的感官刺激外,其艺术内涵要与观赏者的心灵沟通,达到震撼人心的效果。
绘画艺术的创新如果离开了这个根本,也就不存在什么价值了,绘画艺术正是在不断的创新中向前发展。中国画的发展同样存在着创新的问题,然而,当今的中国画家面对中国画的创新问题,却存在着截然不同的认识。
绘画的创新决定于技法的变化与艺术风格的体现,为了达到这个目的,多数画家都倾向于在“术”的环节中煞费心思,其结果,要么是局部的改良,要么是人为的制作,要么是嫁接西方的油画技法。尽管如此,其结果却难以令人满意,面对如此结局,有时连作者本人也为之感到惭愧。
更有甚者,为了强夺人意,硬要为其冠以“现代”或“前卫”的名头,实际上恰恰暴露了一些人的浮躁与急于求成的心态。从这个现象中反映出一个重要的问题,那就是,失去理论指导或根本就没有理论作为创新的基础,抑或只刻意在“术”中求“术”的框框中寻求创新,最终只能使中国画的发展走向衰落。
中国画的创新问题出现了这么多不尽人意的现状,其主要原因是,一些画家虽然深知只有解决了技法这一最基本的要求,才能够达到创新的目的,但是却不知解决技法创新的问题并不是单凭着画家的主观臆造可以获得,中国画技法的创新与变革来自于“理”,没有“理”作为研究技法创新的基础,很难实现创新的目的。创立新的艺术表现形式与新的技法表现形式是件十分严肃的学术问题,因此面对中国画的技法创新问题必须认识到一个事实:要以中国画发展之“理”认识中国画的技法创新问题。
这样可以从理论上看到中国画技法创新之根本,产生有理论根据的中国画新的艺术表现形式与新的表现技法。现在有许多中国画家面对创新问题,很少有人以中国画发展的根源研究中国画的创新,更谈不上以哲学与史学的理念认识中国画的创新问题,这就造成了看不到中国画创新的关键之所在,因此导致一些人忘记了事物发展的客观规律,反而以人的主观臆断、自以为是的心态去面对一个十分严肃的学术问题,这种既没有理论根据,又没有正确的艺术思维主导的所谓创新,又怎么会达到创新成功的目的?尤其那种对本民族传统文化无知的鄙视、无原则的失落,这不仅反映出了一些画家由于自身知识的肤浅而造成的偏见,更多的是对自家文化的不负责任,故此也就不难理解当今中国画界出现的那些所谓的“前卫”艺术,为什么会有变相抄袭西方之嫌的问题了。
所谓创新应体现出两个方面的问题:其一是创新方法,其二是以正确的艺术见解表现其艺术内涵的深度。解决创新方法的问题最重要是要建立起新的艺术体系,使其更加完善,这是中国画建立新的艺术表现形式与新的技法表现的最基本条件,离开了这个条件,以其主观臆想而产生的某种技法与风格都难以成立。
只有在符合中国画发展的艺术体系与艺术思维的指导下,才能够产生出全新的中国画表现形式与表现技法。然而,这一切直接触及到的就是如何对待“笔墨”的问题,有人认为过分强调“笔墨”,会窒碍中国画的发展;也有人认为强调“笔墨”,中国画就无法“转型”等等,以至近百年来多数人对此一筹莫展,莫衷一是。
事实上这种提法非常主观臆断,缺少足够的理论依据,中国画的“笔墨”一直是随着“理”的原则在改变,以中国画之“理”来认识中国画的“笔墨”问题:“意象”之理必然会产生表现“意象”笔墨之方法;“象意”之理必然会产生表现“象意”笔墨之方法;“悟象”之理必然会产生表现“悟象”笔墨之方法。然而万变不离其宗,这个“宗”即中国传统文化,脱离中国传统文化就无法表现出具有中国文化内涵的艺术风格。
面对中国画创新问题,只有沿着中国画艺术规律而行才能顺利向前发展。中国画家如果对自己民族传统文化没有深入彻底的认识,那将永远不知道如何去面对当今中国画的创新问题,当然也不可能在中国画界以及中国画发展史中占有一席之地。
以此理而论,中国画发展并不存在怎么“转型”的问题,实际这种所谓“转型”的提法,完全是由于一些人对中国传统文化认识的匮乏,对西方文化的一知半解而产生的主观臆断。除此,还有人在中国画发展出现问题的今天,提出了中国画应与西方艺术“接轨”的论调,然而他们并未搞清楚,中西方存在着不同的哲学理念。
中西绘画无论是哲学体系,还是艺术体系,它们不仅是独立的,而且均体现出各自不同的民族特性、文化底蕴与思维形式。一些中国画家及理论家面对中国画的前途问题,提出“接轨”的论调是不切合实际的,表现出他们对中国画艺术发展的悲观心态。
中西绘画是在两种不同的艺术思维与艺术体系引导下产生的艺术形式,那种不问其“理”,只谈“接轨”的论调,只会将中国画的发展引向歧途。如何以正确的艺术见解表现出新的艺术思想,即表现出艺术作品之灵魂,这是画家们应该认真思索的问题。
一个没有成熟艺术见解的画家,不可能创作出具有。
4.关于中国画的论文(和山水有关的)
山以厚德载物,水以流澈养人。当人们为生活节奏的加快而感叹,为艺术的标新立异而辩解时,为当下的实时消费和图像为王的表象所迷惑时,山水以它的博大、清澈包容着我们的文明进步所带来的种种不安。山水画作为中国传统文化的一种表现形式,依附于传统文化的哲学理念——庄禅、佛道这种玄虚空灵的体现,成为中国人追求理想境界和寻求精神蔚籍的一种手段和方式。
而目前我们绝大多数人对于山水画的欣赏趣味,是在明清时期的艺术和观念下形成的。正如董其昌说的:“以境之奇怪论,则画不如山水;以笔墨之精妙论,则山水绝不如画”。大致上讲,董其昌的话集中代表着中国文人们的一种“正统”的艺术态度,以及他们关注自然并在平面上予以表现的方法和语言。然而,要解读这些绘画艺术中的态度、方法和语言,观察者首先必须要具备相当的文化和知识,因为在更多的情况下,这些山水画的范本是令人联想的,而不仅仅是给人“观看”的。
在当今的中国画创作领域,对于继承传统和创造新的图示,这对矛盾且始终伴随着中国画前进步伐的论战,一直就没有停止过。80年代李小山的“中国画已经到了穷途末路”的叫喊中,中国画家的生存方式、艺术观念、创作态度都发生了新的分化组合,新文人画和实验水墨的出现都表明这一时期中国画创作的新出路,水墨画领域的拓展和中国画坛的新艺术格局也渐渐确定下来。
在中国人的审美习尚中,山水画是无所不包的大千世界,其理想的艺术境界是现实生活中无法实现的,因此,山水画便成为中国人实现理想生存环境的一种方式,满足了人们审美的需求,美化了人们的生存空间。这也是中国的山水画艺术历千年而不衰,且不断向前发展的根本之所在。
在当代的艺术界,艺术家不仅需要掌握自然对象的语言表现能力,而且还应该在一定的题材中去寻找更多的适合自己的表现空间。
5.我选修美术鉴赏,老师叫交一篇国画
引言
关于中国画的未来,我相信它作为一个古老的画种将和其他区域性绘画一样,随着民族差异的缩小和文化生活的国际化而逐步走向消亡。但是,这个消亡的过程恐怕要比我们设想的更长一些,而且,这种消亡的过程不是从有到无的过程,而是此物转变成他物的过程。就当前而言,世界文化的互补结构还需要它,这种世界性、历史性的需要,就是中国画发展的潜力所在。
第一章 中国画历史发展过程
中国画发展和演变分以下几个时期:
一.先秦两汉时期民族绘画风格的初步形成
战国时代,那时已出现了画在丝织品上的绘画——帛画,这之前就已经有了原始岩画和彩陶画,这些早期绘画奠定了后世中国画以线为主要造型手段的基础。
二.魏晋南北朝时期绘画的发展阶段
两汉和魏晋南北朝时期,社会由稳定到分裂的急剧变化、域外文化的输入与本土文化所产生的撞击及融合,使得这一时期绘画形成出现以宗教绘画为主的局面,描绘本土历史人物、取材文学作品亦占一定比例,山水画、花鸟画亦在此时萌芽,同时对绘画自觉地进行理论上的把握,并提出了一定的品评标准。如南朝画家张僧繇提出“笔才一二,像已应焉”、“笔不周而意周”的观念,他画人物吸收了天竺的晕染法,形成了“张家样”的风格特征。北周曹仲达的“其体稠叠而衣服紧窄”,他吸收了印度笈多造佛的特点,有曹衣出水的风格特征,形成了“曹家样”。这时人物画开始重气韵,注重人物的精神气质描写。以谢赫《画论》中的六法为主要的美学规范,超越形似追求传神的传统为后世绘画奠定了发展道路,这种追求神似和气韵的方法,就是中国画意象和写意的表现。
三.绘画趋向全盛的隋唐五代时期
国画专业毕业论文总结(论述中国画论文)
1.论述中国画论文
国画的审美 一:国画独特的审美 中国画从工具材料、艺术追求、审美理想等方面与西方有着明显的不同,具有鲜明而独特的艺术形式。
1:工具材料 中国画的工具材料是笔、墨、纸、绢。与西方绘画所使用的画笔颜料相比,存在着显著的不同。
中国画用笔即毛笔。毛笔的特点是柔软而富有弹性,笔端尖而有锋,有利于线描勾勒,并可以发挥多种笔法,以绘制流畅婉转、富于动感的线条见长。
中国画的一大特色为用线条来塑造形象、表达感情。 墨,传统的中国画用墨,以纯细的桐油烟或松烟精制而成。
根据与水的调和比例的大小,可以有微妙的浓淡变化。中国画家一定程度上摆脱了自然界玄目光色的困扰,专注于画面笔情墨韵的营造和对象精神气质的捕捉,成就一个清淡幽雅的艺术境界。
中国画用的纸绢,有较好的韵墨性能,使墨汁在上面渗化开来自然形成浓淡不同的层次。 可以说中国画的笔墨与纸绢相辅相成、相得益彰,共同构筑了一个浓淡相宜、笔歌墨舞的艺术世界。
2:描绘手段 中国绘画描绘形象的目的,不象西方写实绘画那样欲创造一个视觉幻想的世界,而是从一定程度上把绘画当成一种"示意"行为,即通过笔下的形体表示创造者的情意。明暗光影、色彩斑斓都引退到创造者的关注视野之外,而借助灵活飞动的线条,挥洒自如的笔墨,造就一个饱含创作主体情感和意志的独特的艺术世界,这才是中国画画家描绘形象时的真正目的。
3:整体效果 与西方绘画相比,中国绘画在整体效果上有一个值得注意的特点就是"空白"。中国画家在描绘出主体之外,大多不画背景,在画面上留有较多的空白。
中国画形状各异的空白本身,既形成一种节奏变化,有给人留有想象的余地,具有不可替代的艺术效果。画面的空白时画家简约笔墨的结果。
中国画素有崇尚简练的传统。 二:国画的美学特点 绘画是一门运用线条、色彩和形体,在二维空间的范围内,反映现实美、表达人的审美感受的艺术。
绘画艺术的一般审美特征主要表现在:线条美、色彩美和构图美上。中国传统绘画有其独特的美学体系,美学观点,美学范畴。
1:意境 意境是中国古典美学的重要范畴,也是中国传统绘画最富民族特色的审美标准,既是画家创作的原则,也是欣赏的原则。 意境就是情与景的完美交融。
能够产生意境的形象,并不是一般的普通形象,而是富有生命力的形象,这种形象能体现出主体与客体、形与神、虚与实、动与静、情与景诸方面的高度完美的统一。它根本的美学不满足于有限事物的外在形式模仿,而要在有限中去表现无限,塑造出"象外之象"、"景外之景",从而能引发看图人的审美想象。
意境是中国绘画美学体系的精髓,凝聚着中国艺术的根本精神,绘画作品追求的最高境界。 2:形神统一观 形就是形似,是对物象外形的描绘;神即神似,是对事物内在本质特征的把握。
3:气韵生动 气韵生动最准确、最几种地概括了中国绘画艺术的审美特征和基本精神,是构成中国绘画艺术的传统审美尺度最根本的审美要求。 气韵生动着眼于宏观的自然与人生,立足于艺术的生命结构和自然生命运动的统一,更具有艺术本体论的深刻涵义。
绘画作品如果气韵生动,就会给观赏者造成一个形有尽而意无穷的审美想象空间。 4:天人统一观 其大致内涵是人和自然的关系是亲密无间、相互统一的。
艺术家应将自己融入自然。 5:心物统一观 "心"在中国古典美学中表示审美主体,也就是人,"物"则表示审美客体,即客观事物。
心物统一是中国古代画论的重要范畴。 6:虚实统一观 虚实对立统一,"虚"指虚构、虚灵、虚幻;"实"指实体、实事、实物。
中国画十分讲究虚实关系,中国画讲究含蓄,追求诗情画意,反对直露,正确处理虚实关系,是构成中国画意境的重要表现手段。 7:中和为贵 中和就是指统一体的协调性和韵称性。
孔子的中庸之道,即为中和。中国画十分重视主体心境的和谐。
中国画基本技巧之一 --用笔 唐代张彦远说:"夫物象必在于形似,形似须全其骨气,骨气形似皆本于立意而归乎用笔。"张彦远在此强调了用笔与立意造型的关系。
立意须造型、造型须用笔,用笔便成了中国画基础的基础。 1:笔与线 中国画的用笔实即用线,线是中国画最基本的造型手段。
线在形体的塑造中绝不是一种对轮廓线的描摹,还能表现出物体的质感、量感和动感。比如在山水画中,斧劈皴给人坚挺硬朗的感觉;披麻皴则给人松软的感觉等等。
线的运用,体现了中国画家对客观形象的概括、提炼和理解能力,体现了他们驾驭物象的巨大创造力。 在中国画中,线及其塑造的形体之间的关系,主要体现在线条自身的品格特征与作者之间的沟通。
正如石涛所说:"借笔墨以写天地万物而淘泳乎我也。"笔墨(线条)所具有的这种抒情写意性,是由于画家在运笔中出现的各种变化,使线条自身具有了千变万化的姿态。
一方面,线条丰富多姿的形态可以唤起欣赏者对现实生活的万般物象中类似物体形态美的联想,使抽象的线条成为现实事物形体美的一种间接曲折的反映,因而唤起人们的不同感受。另一方面,画家在运笔过程中个人情绪、意趣、思想的灌注,使得中国画中。
2.找一篇关于国画的论文
中国画的传统,是几千年来无数画家的心血和劳动的结晶.历代画家创造了许多珍贵的作品和绘画理论,技法.我们应该珍惜.继承中华民族灿烂文化的宝贵财富. 要想在国画中有所创作,首先就应当熟练掌握基本技法,继承传统国画的优点,在其基础上积极而又大胆的探索新的技法,以辅助和补充笔墨之不足.且不可失去笔墨.丢掉了国画的特点.其次学习西方绘画之长,只能作为营养,批判的吸收,以丰富国画的表现力. 画家的创作道路是艰难而又漫长的,要想其作品有所创新,情感的投入是门不可缺少的课题.对画家来说;国画是情感的表现,生活的结晶.情感主宰着国画的创作.情感可以并发出创作欲望,如果不把情感投入到创作中去,那么在好的技法也画不出感人的作品.从某种意义上讲,只有把情感贯穿到国画艺术作品中去,才能创作出富有感染力的作品来.也就是说带着情感去创作,让情感入画. 作为画家,熟练了技法,懂得了情感的投入,还应具备良好的修养.首先,世界观的修养很重要,它是画家的灵魂,决定作品的思想倾向,影响着画家的实践活动.著名画家齐白石老人在世界观中包含着明显是进步因素.如果画家的世界观是落后的,那就绝对创作不出人民大众代言的,具有强烈的爱国主义和进步思想的不朽之作.国画虽是用笔墨所做,但它是种精神产品,光有绘画技法不行,画品亦很重要,画品既是人品,它将直接影响作品的品位.正如画论中所讲;笔墨之高下亦如人品,笔墨虽出欲手,实根于心.可见思想道德修养的重要性.对画家来说,加强学习修养可以帮助画家提高整体创作境界.同样文化素质也能直接影响艺术的表现力,文化素养更能使画家从文化视野的高度,去深层次的洞悉现实,领悟人生,创作和理解作品,用心灵去撞击生活作品,使其具有更广,更全面的表现力.其次丰富曲折的生活体验是画家创作中基本的材料和必要的前提条件.其实,技巧是一种才能,但它绝不是没有广博知识也行的.必须去体验生活,去寻找真理.从生活中体验国画艺术的真谛.俗话说;巧妇难为无米之炊.即使一个很有才华的画家,让他长期远离社会生活,或对要表现的对象并不熟悉,不深刻,其对作品的创作亦是失败的.画家应该像一颗饱满而富有生命力的种子那样,把自己的整个身心都埋在生活的土壤中,从中吸取养料,化作成自己的血肉和灵魂,才能对生活具有深刻的认识和感受,这样画家在生活中必然要多看,多听,多想,多记,以丰富画家的艺术思维能力,和生活建立亲切的关系,从生活中得修养. 国画的艺术情感是画家对客观事物所持态度的一种情绪体验,所以画家只有在技法熟练的基础上,具备深厚的艺术修养和对社会生活的深刻认识,才能在国画创作中产生真挚的情感;才会在生活对象面前自觉或不自觉的产生"浮想联翩,夜不能寐"的创作激情;直到在国画创作中表现出感人至深的艺术形象,达到情景交融的美的境界! ---- 发表于中央文史研究馆和山东文史研究馆主办的书画报羲之书画报。
3.国画毕业创作论文怎么写
1、论文题目:要求准确、简练、醒目、新颖。
2、目录:目录是论文中主要段落的简表。(短篇论文不必列目录)
3、提要:是文章主要内容的摘录,要求短、精、完整。字数少可几十字,多不超过三百字为宜。
4、关键词或主题词:关键词是从论文的题名、提要和正文中选取出来的,是对表述论文的中心内容有实质意义的词汇。关键词是用作机系统标引论文内容特征的词语,便于信息系统汇集,以供读者检索。 每篇论文一般选取3-8个词汇作为关键词,另起一行,排在“提要”的左下方。
主题词是经过规范化的词,在确定主题词时,要对论文进行主题,依照标引和组配规则转换成主题词表中的规范词语。
5、论文正文:
(1)引言:引言又称前言、序言和导言,用在论文的开头。 引言一般要概括地写出作者意图,说明选题的目的和意义, 并指出论文写作的范围。引言要短小精悍、紧扣主题。
〈2)论文正文:正文是论文的主体,正文应包括论点、论据、论证过程和结论。主体部分包括以下内容:
a.提出-论点;
b.分析问题-论据和论证;
c.解决问题-论证与步骤;
d.结论。
6、一篇论文的参考文献是将论文在和写作中可参考或引证的主要文献资料,列于论文的末尾。参考文献应另起一页,标注方式按《GB7714-87文后参考文献著录规则》进行。
中文:标题--作者--出版物信息(版地、版者、版期):作者--标题--出版物信息所列参考文献的要求是:
(1)所列参考文献应是正式出版物,以便读者考证。
(2)所列举的参考文献要标明序号、著作或文章的标题、作者、出版物信息。
4.我想写一篇关于国画的论文 叫什么题目好
我觉得你现在的问题是:还不知道写什么,而不是题目的问题。
没有积累直接想写论文是不可能的。现在应该大量的阅读相关的信息。1.去学校图书馆或者省市图书馆,查阅期刊(去电子阅览室查期刊网),不用去阅览室看大部头。2.上网看最新的行业动向,比如说有什么座谈会,会上专家有什么方向性的发言等等。3.由自己比较擅长的方面入手找相关信息,比如漫画和国画之类。
找一个你比较有兴趣或者有所了解的方向。比如说:新技法新材料、国画空间观念、齐白石……
再想:写这个方向里的什么题目。比如:现代工笔画中的形式感、六法论在今天的意义……
有了方向,明确主要观点,列提纲,逐条丰富,一点一点论文就出来了~~
仅作参考,祝你顺利。
5.中国画论文具体写哪些内容
这类论文要对画作产生的年代熟悉,把当时的历史社会背景搞清楚,比如,受到前人、当时政治背景的影响,更重要的是画家受到的教育与他的生活家庭背景,因此一篇论文大致可分以下几个部分一:把中国画的发展历史大致概括一下二:在每个特殊时期(比如画作的开始时期与鼎盛期)的代表性作品拿来分析,找到他产生的渊源与他对后人的影响,以及在历史上的贡献三:总结这些举例分析的共性(一般国画理论书上都会有的),在把自己对国画的认识,国画的现状与发展做简要论述以上差不多就OK了,这只不过是本人的一点略见,希望能对你有用。
6.求以《国画所带来的思考》为主题的论文一篇
南中国画现状的思考 ──师法自然、逾古出新才能振兴云南中国画 刘怡涛 内容提要:云南独特的自然景观和民族文化是我们云南画家取之不尽,用之不竭的源泉。
绘画艺术中的形物,没有不是来自于自然的印象,反映自然生命的。尤其以画家自己从生活中、从自然中直接感受到的形象可贵。
所以,我们说,创新,必须是源于生活的创新。继承与创新,是相互依存而又相互排斥的一对矛盾,继承,是承古人之心,而不是师古人之迹。
承古人之心,就是研究历代大师的步履,领悟其艺术形成的诸多因素,深究其艺术思想和艺术技巧形成的心路历程,仿其创新精神。 关键词:云南,中国画,创新 绝壑连碧水 王晋元 云之南独特的山川、奇花异鸟、民族风情,正是绘画艺术创作取之不尽的源泉 我们应该庆幸生活在这样一块得天独厚的土地之上,师法自然,对我们来说是近水楼台。
老一辈的画家如袁晓岑先生──以云南特有的孔雀等入手,形成自己的风格;当代著名画家王晋元先生──以云南特有的热带植物景观和滇西北高山植物景观入手,形成了自己的独特绘画风格。他们就是师法自然的成功典范。
然而这似乎并没有引起广大云南中国画家们的重视,看着外省画家源源不断地涌来云南写生,我以为,现在到了该大声疾呼的时候了。 云南的中国画,有得天独厚的一面,那就是我们这块丰富多彩的土地,有先天不足的一面,那就是我们传统文化的底蕴和积淀薄弱。
好在我们已经进入到了信息时代,要借鉴古人的东西,要看到当今大师作品的风貌都已不是难事,制约我们发展和创新的仍然是观念问题。绘画艺术的创新在于观念的更新。
学中国画当从传统入手,这是大多数人的共识,然而许多人学传统便被传统俘虏而不能自拔;一些人不从传统入手,而从抽象或形式入手,却感觉无论怎么画,都显得底蕴不足。 故国秋 王晋元 画家绘画,总要有一形象原型,或是从继承而来,或是自己去寻找。
我们提倡自己去找,从生活中,从大自然中。有人说他是闭上眼睛,什么也不看、不想,靠下意识来画画,我认为,这是不成立的。
绘画艺术中的形物,没有不是来自于自然的印象,反映自然生命的。只要他是一个建全的人,那么,他的下意识所反映的东西,或多或少总是带有他过去视觉的经验、经历和映象,没有真正意义的无意识、下意识。
相对的下意识,是受到人的主观意识的潜在操纵的。只有那些先天的盲人,在没有触摸任何物品情况下的下意识,才是真正的下意识。
因为他们没有视觉的经历,也没有触摸物品的经历。世界上无绝对的离象之外象,离有之无,离实之虚,就是说没有完全与直接感触之象绝缘的“无形之象”的存在,没有完全离开感觉而独立自生的超感觉,这是不可能,也是不存在的。
象之再远,终是其之余;味之再不尽,亦不过其之尾,犹如血肉相连。虚实、有无、象内象外、画尽意不尽,它们之间若即若离,似有似无,既虚又实,在离即之间、有无之中、虚实之际。
是为相渗、相融、相补。无形之象,是相对有形之象而言,是有形之象的象外之象,是由情感、心境而生的意象。
从有形之象到无形之象的认识,是意境发展的一个重要里程碑。然而没有有形之象就没有无形之象,无形之象是情感的升华,是天人合一的再现。
玉羽金翎,庚申之秋九月,袁晓岑任作于首都之藻鉴堂 只有绘画观念的更新,才会带来绘画技法的变革。 从古到今,凡艺术变革者,如只是技法上的变革,反映在绘画中则仅仅是画面形式的小变,而当审美观念亦随之改变,则从形式到技法皆须服从于新观念产生变革,于是大的流派、新的艺术形式亦随之产生。
只有绘画观念的更新,才会带来绘画艺术形式的创新。 创新,必须是源于生活的创新。
艺术来源于生活,而生活带给画家原始的直觉感,这种直觉感正是艺术创作丰富的源泉。不断地在生活中寻求新的美的东西,才能激发起最强烈的情感和审美感受,启发并感受到生活与我胸中原有的艺术形象的不同,从中度出新意。
同时也将激发你冲破原有的技法、程式,开拓出与之相适应的新的富有艺术个性的形式、技法。然画新的题材,新的内容,亦是促发观念变革的契机,一种全新的事物,会给人予不同一般的感受,迫使你在表现它时极尽所能,甚而摒弃传统技法,而创新法以应新的命题,触发艺术观之突变或渐变,从而达到创新之目的。
当然,观念之变革,还需有学识的支撑,没有渊博的学识,艺术观的转变往往也是浅薄的。 袁晓岑 版纳林泉处处幽 立轴 创新,有两种途径。
一是摒弃本国的文化渊源,引进全新的舶来艺术观念、技法、形式。只仅仅保留作画的工具,以为只要是用毛笔在宣纸上作画,就应该算是中国画。
二是继承民族传统不但包括绘画的精髓,还包括民族的气质、审美情趣和中国画的特点,如:重意境、求神似、泛时空等审美观及笔墨与心态同时构筑形成作品。重意境,在某种意义上说,就是重虚实。
虚实结合是气之形,气是虚实之魂。虚与实结合而生气,气韵生动者为尚。
孟子说“……充实之谓美,充实而有光辉之谓大,大而化之之谓圣,圣而不可知之之谓神。” 即是说:虚实之中,虚。
7.求以《国画所带来的思考》为主题的论文一篇要求:1字数在2000?
南中国画现状的思考──师法自然、逾古出新才能振兴云南中国画 刘怡涛 内容提要:云南独特的自然景观和民族文化是我们云南画家取之不尽,用之不竭的源泉。
绘画艺术中的形物,没有不是来自于自然的印象,反映自然生命的。尤其以画家自己从生活中、从自然中直接感受到的形象可贵。
所以,我们说,创新,必须是源于生活的创新。继承与创新,是相互依存而又相互排斥的一对矛盾,继承,是承古人之心,而不是师古人之迹。
承古人之心,就是研究历代大师的步履,领悟其艺术形成的诸多因素,深究其艺术思想和艺术技巧形成的心路历程,仿其创新精神。 关键词:云南,中国画,创新 绝壑连碧水 王晋元 云之南独特的山川、奇花异鸟、民族风情,正是绘画艺术创作取之不尽的源泉 我们应该庆幸生活在这样一块得天独厚的土地之上,师法自然,对我们来说是近水楼台。
老一辈的画家如袁晓岑先生──以云南特有的孔雀等入手,形成自己的风格;当代著名画家王晋元先生──以云南特有的热带植物景观和滇西北高山植物景观入手,形成了自己的独特绘画风格。 他们就是师法自然的成功典范。
然而这似乎并没有引起广大云南中国画家们的重视,看着外省画家源源不断地涌来云南写生,我以为,现在到了该大声疾呼的时候了。 云南的中国画,有得天独厚的一面,那就是我们这块丰富多彩的土地,有先天不足的一面,那就是我们传统文化的底蕴和积淀薄弱。
好在我们已经进入到了信息时代,要借鉴古人的东西,要看到当今大师作品的风貌都已不是难事,制约我们发展和创新的仍然是观念问题。绘画艺术的创新在于观念的更新。
学中国画当从传统入手,这是大多数人的共识,然而许多人学传统便被传统俘虏而不能自拔;一些人不从传统入手,而从抽象或形式入手,却感觉无论怎么画,都显得底蕴不足。 故国秋 王晋元 画家绘画,总要有一形象原型,或是从继承而来,或是自己去寻找。
我们提倡自己去找,从生活中,从大自然中。有人说他是闭上眼睛,什么也不看、不想,靠下意识来画画,我认为,这是不成立的。
绘画艺术中的形物,没有不是来自于自然的印象,反映自然生命的。 只要他是一个建全的人,那么,他的下意识所反映的东西,或多或少总是带有他过去视觉的经验、经历和映象,没有真正意义的无意识、下意识。
相对的下意识,是受到人的主观意识的潜在操纵的。只有那些先天的盲人,在没有触摸任何物品情况下的下意识,才是真正的下意识。
因为他们没有视觉的经历,也没有触摸物品的经历。世界上无绝对的离象之外象,离有之无,离实之虚,就是说没有完全与直接感触之象绝缘的“无形之象”的存在,没有完全离开感觉而独立自生的超感觉,这是不可能,也是不存在的。
象之再远,终是其之余;味之再不尽,亦不过其之尾,犹如血肉相连。 虚实、有无、象内象外、画尽意不尽,它们之间若即若离,似有似无,既虚又实,在离即之间、有无之中、虚实之际。
是为相渗、相融、相补。无形之象,是相对有形之象而言,是有形之象的象外之象,是由情感、心境而生的意象。
从有形之象到无形之象的认识,是意境发展的一个重要里程碑。 然而没有有形之象就没有无形之象,无形之象是情感的升华,是天人合一的再现。
玉羽金翎,庚申之秋九月,袁晓岑任作于首都之藻鉴堂 只有绘画观念的更新,才会带来绘画技法的变革。 从古到今,凡艺术变革者,如只是技法上的变革,反映在绘画中则仅仅是画面形式的小变,而当审美观念亦随之改变,则从形式到技法皆须服从于新观念产生变革,于是大的流派、新的艺术形式亦随之产生。
只有绘画观念的更新,才会带来绘画艺术形式的创新。 创新,必须是源于生活的创新。
艺术来源于生活,而生活带给画家原始的直觉感,这种直觉感正是艺术创作丰富的源泉。不断地在生活中寻求新的美的东西,才能激发起最强烈的情感和审美感受,启发并感受到生活与我胸中原有的艺术形象的不同,从中度出新意。
同时也将激发你冲破原有的技法、程式,开拓出与之相适应的新的富有艺术个性的形式、技法。然画新的题材,新的内容,亦是促发观念变革的契机,一种全新的事物,会给人予不同一般的感受,迫使你在表现它时极尽所能,甚而摒弃传统技法,而创新法以应新的命题,触发艺术观之突变或渐变,从而达到创新之目的。
当然,观念之变革,还需有学识的支撑,没有渊博的学识,艺术观的转变往往也是浅薄的。 袁晓岑 版纳林泉处处幽 立轴 创新,有两种途径。
一是摒弃本国的文化渊源,引进全新的舶来艺术观念、技法、形式。只仅仅保留作画的工具,以为只要是用毛笔在宣纸上作画,就应该算是中国画。
二是继承民族传统不但包括绘画的精髓,还包括民族的气质、审美情趣和中国画的特点,如:重意境、求神似、泛时空等审美观及笔墨与心态同时构筑形成作品。重意境,在某种意义上说,就是重虚实。
虚实结合是气之形,气是虚实之魂。虚与实结合而生气,气韵生动者为尚。
孟子说“……充实之谓美,充实而有光辉之谓大,大而化之之谓圣,圣而不可知之之谓神。” 即是说:虚实之中,虚为主,不是虚实并重,是由。
8.急求~~
中国画具有十分悠久的历史渊源,同时也具有与时俱进的时代风格,它不仅是中华文化的国宝,也是传承中华民族精神的主要载体。中国画第一特点是意境创作的追求,推陈出新是中国画进步的宗旨,中国画主张“缘物寄情”,“以景寓意”,“以神取形”,“笔不周而意周”,“笔不工而心恭”。在概括客观物象的同时,必须融进画家的主观感受,透过描绘对象创造形象的方式来借以体现画家的主观感受,使主观情感和客观的物象精神性格交融和转化使画家在作画前的主观感受得以充分的表达,而产生动人心魄的意境创作。
在中国画章法布局中状物立象,就是首先必须剪裁取舍分别主宾然后根据物象往来逆顺的运动之势部署画面。使之造成动人心魄的气象。而中国画在“置陈布势”中,如果要使画面章法获得灵动舒畅,富有变化,必须巧妙地处理空白,疏密,虚实之间的关系。所谓空白是无画处,是虚处,是疏处是与密实相对而言的是与疏密虚实有密切联系的,虚实对构图,笔墨有极大的概括性,所谓“虚实相生无画处皆成妙境”既是疏密有致,可以打破构图中的平均布置,“虚中有实,实中有虚”空景难图,实景清而空景现,虚与实在意境中不仅相辅相成,而且相互转化,中国画用墨有干湿,浓淡之分,构图遵循计白当黑,知白守黑的艺术原则,有藏有露,有隐有显造成一种虚虚实实,真真假假的美妙,而又带有几分迷蒙感的意境创作。
中国画在发展的早期就重视表情的描述,南朝的王微在《叙画》中提出山水并不是地图,应求“容势”,要表现大自然的生动变化,“望秋水,神飞扬,临春风,恩浩荡••••••此画之情也”。文人画家也旨在写意而不写实。欧阳修指出“古户画画意不画形”从“意”出发把追求形式看成是画工的事,真正的画家应是得意忘形。
中国画凝聚着中华民族的性格,心理,气质,以其鲜明的特色和风格在世界画苑中,独具体系,中国画被风起云涌的时代气息所驱动,推陈出新,魅力长存
国画专业有毕业论文吗(国画专业的毕业论文写哪方面的好呢)
1.国画专业的毕业论文写哪方面的好呢
首要的选题切忌过大,一般本专科学生的毕业论文要求不是很高,比较常见的选材就是针对某一个艺术家或者某一幅画进行论述,我上学的时候就有很多同学写这方面的内容,我个人认为这个选材还是有些大,并且太多太多的学生从此着手,这方面材料很多,人物传记,作品分析好多好多,都是成本成本的书,容易找材料,但是不容易出好的论文。论文要求不高时照抄的比较多,最好能有点新意,最好不要东挪西凑的全部照搬。
如果实在想不出选题方向,建议翻开你的美术史,选一些比较感兴趣的题材进行选材,还是那一点尽量把选材做的小一些,可以选择几个方向再让导师给你些建议。
希望能够帮到你
2.我是美术学专业国画方向的,过段时间要写毕业论文了,想在近期确
毕业论文:是大学生在大学的最后一个学期,运用所学的基础课和专业课知识,独立地探讨或解决本学科某一问题的论文,它是在撰写学年论文取得初步经验后写作的,它的题目应该比学年论文大一点、深一点。
其基本标准应该是:通过毕业论文,可以大致反映作者能否运用大学三四年间所学得的基础知识来分析和解决本学科内某一基本问题的学术水平和能力。当然,它的选题一般也不宜过大,内容不太复杂,要求有一定的创见性,能够较好地分析和解决学科领域中不太复杂的问题。
本科毕业论文篇幅一般在六干字以上。 回答: 确定题目要跟导师沟通,先拟好一份开题报告和论文大纲给导师看,让老师判断你论文的可行性,好的选题能够决定毕业论文的价值和效用。
选题时要注意规划文章的方向、角度和规模,弥补知识储备的不足 ,合适的选题可以保证写作的顺利进行,提高研究能力。 选题的原则 :1. 理论联系实际,注重现实意义 (实用价值和理论价值) 2. 勤于思索,刻意求新 (从观点、题目到材料直至论证方法全是新的 、以新的材料论证旧的课题,从而提出新的或部分新的观点、新的看法 、对已有的观点、材料、研究方法提出质疑,虽然没有提出自己新的看法,但能够启发人们重新思考问题 ) 3. 知己知彼,难易适中(要充分估计到自已的知识储备情况和分析问题的能力 、要考虑到是否有资料或资料来源、题目的难易要适中 、题目的大小要适度 ) 你还有半年准备论文,时间还算充沛。
本科的毕业论文要求还不算严格,不知道你们是否要通过知网检测。你4年的国画学习历程,想必也有感兴趣的题目,例如可以写一些关于水墨动画的研究,“湿笔”的研究,意象造型研究,清代人物造型研究等等。
如果对你所选的题目自信不足,本科毕业论文还可以用浅析做题目开头。 积累资料的方法: 累积资料以下几方面的 :统计材料、典型案例、经验总结等等 、国内外对有关该课题学术研究的最新动态 、边缘学科的材料 、名人的有关论述,有关政策文献等 、搜集论文作 者当时所处的社会、政治、经济等背景材料。
实际一点来你所选的题目自己要有一定的知识储备量,再者可以通过浏览知网、doc88(道客88)、美术类核心期刊、画论中找到适合自己论点的材料。 同时要有资料的辨析的能力,注意累积资料的适用性 、全面性 、真实性、新颖 、典型性。
拟定结构提纲 : 要有全局观念,从整体出发去检查每一部分在论文中所占的地位和作用 。从中心论点出发,决定材料的取舍,把与主题无关或关系不大的材料毫不可惜地舍弃,尽管这些材料是煞费苦心费了不少劳动搜集来的 ,要考虑各部分之间的逻辑关系。
形成论点和论据: 由于人的认识不可能一次性完成,即使一种新观点出现,当时看来是完善的,但随着时间的推移,人们认识水平的提高总会发现原有观点的不足之处,所以,可以说,绝大部分已有的研究成果都给后世留下了补充性的研究课题。补充性论点是对前人研究成果的肯定与发展,而匡正性论点则是对已有研究成果的否定与纠正。
这种匡正性论点包括两个方面,一方面是对通说(即流行的说法或观点)的纠正,另一方面是对新出现的某种观点不足之处的纠正。 论文的性质:1. 科学性- 内容可靠、数据准确,实验可重复。
2. 创造性-原则上是不能重复别人工作,可以改进,但不能照抄。3. 逻辑性-思路清晰、结构严谨、推导合理和编排规范。
4. 有效性-公开发表或经同行答辩。5. 学术性-对事物进行抽象概括和论证,描述事物本质,表现内容的专业性和系统性。
不同于 科技报道和科普文章,要用书面语言论述精练。 论文的注意事项:1. 注意文笔文风,避免口语化,注意避免平时用惯了的简化词,要用规范书面语;2. 慎用第一人称;仔细检查,使每一句话简洁、准确;3. 注意拼写、打印错误;不要忽略字体、格式、插图排版等小节;4. 标题、序号一定要清晰,层次安排也要避免太繁。
温馨提示:论文中最好有你对所研究课题的实际操作的图片,在论文中带出自己的创作时候的借鉴,导师会比较喜欢,答辩起来也比较容易。另外把论文大致格式发编辑给你: 文章结构 学术论文的一般结构(GB7713-87) 题目 作者及单位 摘要 关键词 引言(前言) 正文 结论 参考文献 附录性材料 论文的篇名 用简洁恰当的词组反映文章的特定内容,明确无误 篇名简短,不超过20个字 少用研究和空洞应用之类字 避免用不熟悉的简称、缩写和公式等 关于摘要 文章内容不加注释和评论的简短陈述,具有独立性和完整性用于检索; 一般包括:研究的目的与重要性、内容、解决的问题、获得的主要成果及其意义; 小摘要(200-300字) 麻雀虽小,五脏俱全 大摘要(600字左右) 突出研究成果和创新点的描述 关键词 4-6个反映文章特征内容,通用性比较强的词组 第一个为本文主要工作或内容,或二级学科 第二个为本文主要成果名称或若干成果类别名称 第三个为本文采用的科学研究方法名称,综述或评论性文章应为"综述"或"评论" 第四个为本文采用的研究对象的事或物质名称 ,避免使用分析、特性等普通词组。
引 言 主要回答为什么研究 ,介绍论文背。
3.我想写一篇关于国画的论文 叫什么题目好
我觉得你现在的问题是:还不知道写什么,而不是题目的问题。
没有积累直接想写论文是不可能的。现在应该大量的阅读相关的信息。1.去学校图书馆或者省市图书馆,查阅期刊(去电子阅览室查期刊网),不用去阅览室看大部头。2.上网看最新的行业动向,比如说有什么座谈会,会上专家有什么方向性的发言等等。3.由自己比较擅长的方面入手找相关信息,比如漫画和国画之类。
找一个你比较有兴趣或者有所了解的方向。比如说:新技法新材料、国画空间观念、齐白石……
再想:写这个方向里的什么题目。比如:现代工笔画中的形式感、六法论在今天的意义……
有了方向,明确主要观点,列提纲,逐条丰富,一点一点论文就出来了~~
仅作参考,祝你顺利。
大学国画专业毕业论文(国画专业的毕业论文写哪方面的好呢)
1.国画专业的毕业论文写哪方面的好呢
首要的选题切忌过大,一般本专科学生的毕业论文要求不是很高,比较常见的选材就是针对某一个艺术家或者某一幅画进行论述,我上学的时候就有很多同学写这方面的内容,我个人认为这个选材还是有些大,并且太多太多的学生从此着手,这方面材料很多,人物传记,作品分析好多好多,都是成本成本的书,容易找材料,但是不容易出好的论文。论文要求不高时照抄的比较多,最好能有点新意,最好不要东挪西凑的全部照搬。
如果实在想不出选题方向,建议翻开你的美术史,选一些比较感兴趣的题材进行选材,还是那一点尽量把选材做的小一些,可以选择几个方向再让导师给你些建议。
希望能够帮到你
2.论中国画人物艺术特征大学毕业论文:要求5000字以上论中国画 爱问
朋友:您好!(希望猫猫能为您解除烦恼!) 论《中国画人物艺术特征》 论述内容:(注:您的毕业论文格式的写作顺序:标题、作者班级、作者姓名、指导教师姓名、中文摘要及关键词、英文摘要及英文关键词、正文、参考文献根据您自生情况修改,猫只能找论述的内容) 中国人物艺术观与“以形写神”造型原则,在绘画中的最初落实与实践,即是通过人物画完成的,并在漫长的艺术实践中得以完善,使人物画的造型很早即脱离了以形写形的束缚,既不拘泥于形物,又不特别看重视视觉对象的真实。
因此,主客合一的形态即成为人物画造型的典型特征。 中国人物画的造型,虽然工整严谨,但人物的形态却是既尊重客观的相对真实性,又强调主观意志。
它利用线作为人物造型的基本骨架,不仅巧妙地解决了艺术创造与客观物象形态的对立关系,而且利用线的变化使工笔人物画的造型具有了很强的艺术可赏性,并在此基础上使工笔人物画的造型具有了两种基本形态。 其一:为人物造型的外在形态与客观对象相对接近,强调形成在相对写实的基础上传情达意,力求塑造出的人物形态与客观对象、画家心境达到情感合一。
利用严谨工整的造型,相对客观地表现人物形貌,于平和典雅中自然地表达出精神意蕴,使客观与主观、外在美与内在美融而为一,成为不可分割的艺术整体。 如造型相对写实的人物画即属此类。
其二:为强调主观体悟,以独抒灵性为主旨,对人物造型进行大胆夸张、概括、提炼,形随意至,以神写形。形的外在表象虽然与客观对象的外型相去较远,但却于稚拙、天真中表达出一种造型的特有韵致。
如造型夸张变形的工笔人物画即属此类。 虽然从艺术审美的角度,有见仁见智的不同,但外型单纯、内涵丰富却是中国人物画造型的艺术特征。
中国画的造型是主观与客观的统一体,而单纯化的人物造型,由于舍弃了繁复的变化使作者的主观意向更加宜于与造型目的有机衔接,也更易于表现作者的艺术追求。 因此,造型的内涵也就更加丰富。
这是着意于光影变化与色彩表现的人物造型所无法比拟的。 人物造型的单纯化主要是指外型与以线概括后的内在艺术表现而言,并不排除细节的刻画,而且也正是由于细节刻画所产生的丰富而微妙的变化,才使人物画的造型于简中寓丰富,既概括简练又十分耐看,造型特征也愈加典型。
中国人物画的形式特征:首先体现在线与色的结合上。线在色取胜的人物画中具有骨架的作用。
线在人物画中,不仅体现了主观与客观合而为一的意象性,明确肯定地概括表现了人物的形态结构特征和形体质感,并且具有强化内在神态特征的功能。同时,线的使用又寄托了画家的情愫,展现了画家的个性与艺术修养,使意与形汇,情与物融,当线所体现出的这种独立审美价值与色彩而为一时,则不仅极大地丰富了人物画的表现功能,而且构成了人物画独特的形式特征。
白描法不仅在中国画技法体系中具有独立性,也是人物画赋彩画法的基础。自北宋江大画家李公麟使白描法由人物画的“粉本”中脱颖而出之后,白描在发展过程中一直是中国画技法序列中的一个重要组成部分。
而时至今,白描法对于中国画的学习,更具有了使学习者掌握正确的观察方法、树立正确的造型观念、提高造型能力、理解和掌握中国画用线的组织和运用规律的重要意义。 就中国人物画白描法的技法而言,掌握线的运用和组织方法则是其最基本的程式规律。
线,作为人物白描法惟一的表现语言,从结构出发,以线造型是其最基本的表现原则。但由于中国线描艺术特有的东方绘画审美情趣,线的运用既表现了对象,又表现了自身。
表现了对象是指利用线各种方式的组合排列,相对准确生动地塑造了形象;表现自身则是指线的组合排列在近千年的发展过程中,不仅形成了中国线描艺术特有的表现程式,使线具有了东方意蕴的特有美感,强化了线的形式趣味,而且使线的运用方式带有了个性化的特质。 程式,是艺术规律,也是对线条的组合排列艺术化的制约,它蕴含着深厚的中国文化积淀。
当程式规律的运用与生活物象的特质融汇为一体时,线的运用不仅可以达到表现生活对象的目的,而且体现出了民族性的审美品格,这同时也是东西方绘画用线方式上的明显区别。 中国人物艺术白描法的表现程式主要体现在线条的组织方法,可分为头部、衣纹、手脚3个部分。
笔墨、色彩与新技法运用的基本原则 笔墨、色彩与新技法的运用不可脱离生活 “墨非蒙养不灵,笔非生活不神”,石涛在画语录中已十分透彻地说明了笔墨与生活的关系,色彩与新技法的运用亦然。 但同时他又认为:“能受蒙之灵而不解生活之神,是有墨无笔;能受生活之神而不变蒙养之灵,是有笔无墨也。”
画家的笔墨功力发展不平衡,其根本原因在于蒙养(技巧与修养)与生活(生活体验)的不平衡。所以,笔墨与色彩及以及新技法的出神入化,生活与蒙养是至关重要的条件。
生活是笔墨、色彩与新技法产生的基础,学养是提炼与发掘其美感的前提。中国绘画的传统遗产是十分丰富的,但当初的创造邓是来源于生活。
师古人之迹,固然是为未来的创造所作的必要准备,但重在师古人之心。传统。
3.我是美术学专业国画方向的,过段时间要写毕业论文了,想在近期确
毕业论文:是大学生在大学的最后一个学期,运用所学的基础课和专业课知识,独立地探讨或解决本学科某一问题的论文,它是在撰写学年论文取得初步经验后写作的,它的题目应该比学年论文大一点、深一点。
其基本标准应该是:通过毕业论文,可以大致反映作者能否运用大学三四年间所学得的基础知识来分析和解决本学科内某一基本问题的学术水平和能力。当然,它的选题一般也不宜过大,内容不太复杂,要求有一定的创见性,能够较好地分析和解决学科领域中不太复杂的问题。
本科毕业论文篇幅一般在六干字以上。 回答: 确定题目要跟导师沟通,先拟好一份开题报告和论文大纲给导师看,让老师判断你论文的可行性,好的选题能够决定毕业论文的价值和效用。
选题时要注意规划文章的方向、角度和规模,弥补知识储备的不足 ,合适的选题可以保证写作的顺利进行,提高研究能力。 选题的原则 :1. 理论联系实际,注重现实意义 (实用价值和理论价值) 2. 勤于思索,刻意求新 (从观点、题目到材料直至论证方法全是新的 、以新的材料论证旧的课题,从而提出新的或部分新的观点、新的看法 、对已有的观点、材料、研究方法提出质疑,虽然没有提出自己新的看法,但能够启发人们重新思考问题 ) 3. 知己知彼,难易适中(要充分估计到自已的知识储备情况和分析问题的能力 、要考虑到是否有资料或资料来源、题目的难易要适中 、题目的大小要适度 ) 你还有半年准备论文,时间还算充沛。
本科的毕业论文要求还不算严格,不知道你们是否要通过知网检测。你4年的国画学习历程,想必也有感兴趣的题目,例如可以写一些关于水墨动画的研究,“湿笔”的研究,意象造型研究,清代人物造型研究等等。
如果对你所选的题目自信不足,本科毕业论文还可以用浅析做题目开头。 积累资料的方法: 累积资料以下几方面的 :统计材料、典型案例、经验总结等等 、国内外对有关该课题学术研究的最新动态 、边缘学科的材料 、名人的有关论述,有关政策文献等 、搜集论文作 者当时所处的社会、政治、经济等背景材料。
实际一点来你所选的题目自己要有一定的知识储备量,再者可以通过浏览知网、doc88(道客88)、美术类核心期刊、画论中找到适合自己论点的材料。 同时要有资料的辨析的能力,注意累积资料的适用性 、全面性 、真实性、新颖 、典型性。
拟定结构提纲 : 要有全局观念,从整体出发去检查每一部分在论文中所占的地位和作用 。从中心论点出发,决定材料的取舍,把与主题无关或关系不大的材料毫不可惜地舍弃,尽管这些材料是煞费苦心费了不少劳动搜集来的 ,要考虑各部分之间的逻辑关系。
形成论点和论据: 由于人的认识不可能一次性完成,即使一种新观点出现,当时看来是完善的,但随着时间的推移,人们认识水平的提高总会发现原有观点的不足之处,所以,可以说,绝大部分已有的研究成果都给后世留下了补充性的研究课题。补充性论点是对前人研究成果的肯定与发展,而匡正性论点则是对已有研究成果的否定与纠正。
这种匡正性论点包括两个方面,一方面是对通说(即流行的说法或观点)的纠正,另一方面是对新出现的某种观点不足之处的纠正。 论文的性质:1. 科学性- 内容可靠、数据准确,实验可重复。
2. 创造性-原则上是不能重复别人工作,可以改进,但不能照抄。3. 逻辑性-思路清晰、结构严谨、推导合理和编排规范。
4. 有效性-公开发表或经同行答辩。5. 学术性-对事物进行抽象概括和论证,描述事物本质,表现内容的专业性和系统性。
不同于 科技报道和科普文章,要用书面语言论述精练。 论文的注意事项:1. 注意文笔文风,避免口语化,注意避免平时用惯了的简化词,要用规范书面语;2. 慎用第一人称;仔细检查,使每一句话简洁、准确;3. 注意拼写、打印错误;不要忽略字体、格式、插图排版等小节;4. 标题、序号一定要清晰,层次安排也要避免太繁。
温馨提示:论文中最好有你对所研究课题的实际操作的图片,在论文中带出自己的创作时候的借鉴,导师会比较喜欢,答辩起来也比较容易。另外把论文大致格式发编辑给你: 文章结构 学术论文的一般结构(GB7713-87) 题目 作者及单位 摘要 关键词 引言(前言) 正文 结论 参考文献 附录性材料 论文的篇名 用简洁恰当的词组反映文章的特定内容,明确无误 篇名简短,不超过20个字 少用研究和空洞应用之类字 避免用不熟悉的简称、缩写和公式等 关于摘要 文章内容不加注释和评论的简短陈述,具有独立性和完整性用于检索; 一般包括:研究的目的与重要性、内容、解决的问题、获得的主要成果及其意义; 小摘要(200-300字) 麻雀虽小,五脏俱全 大摘要(600字左右) 突出研究成果和创新点的描述 关键词 4-6个反映文章特征内容,通用性比较强的词组 第一个为本文主要工作或内容,或二级学科 第二个为本文主要成果名称或若干成果类别名称 第三个为本文采用的科学研究方法名称,综述或评论性文章应为"综述"或"评论" 第四个为本文采用的研究对象的事或物质名称 ,避免使用分析、特性等普通词组。
引 言 主要回答为什么研究 ,介绍论文背。
4.关于中国画的论文
山以厚德载物,水以流澈养人。
当人们为生活节奏的加快而感叹,为艺术的标新立异而辩解时,为当下的实时消费和图像为王的表象所迷惑时,山水以它的博大、清澈包容着我们的文明进步所带来的种种不安。山水画作为中国传统文化的一种表现形式,依附于传统文化的哲学理念——庄禅、佛道这种玄虚空灵的体现,成为中国人追求理想境界和寻求精神蔚籍的一种手段和方式。
而目前我们绝大多数人对于山水画的欣赏趣味,是在明清时期的艺术和观念下形成的。正如董其昌说的:“以境之奇怪论,则画不如山水;以笔墨之精妙论,则山水绝不如画”。
大致上讲,董其昌的话集中代表着中国文人们的一种“正统”的艺术态度,以及他们关注自然并在平面上予以表现的方法和语言。然而,要解读这些绘画艺术中的态度、方法和语言,观察者首先必须要具备相当的文化和知识,因为在更多的情况下,这些山水画的范本是令人联想的,而不仅仅是给人“观看”的。
在当今的中国画创作领域,对于继承传统和创造新的图示,这对矛盾且始终伴随着中国画前进步伐的论战,一直就没有停止过。80年代李小山的“中国画已经到了穷途末路”的叫喊中,中国画家的生存方式、艺术观念、创作态度都发生了新的分化组合,新文人画和实验水墨的出现都表明这一时期中国画创作的新出路,水墨画领域的拓展和中国画坛的新艺术格局也渐渐确定下来。
在中国人的审美习尚中,山水画是无所不包的大千世界,其理想的艺术境界是现实生活中无法实现的,因此,山水画便成为中国人实现理想生存环境的一种方式,满足了人们审美的需求,美化了人们的生存空间。这也是中国的山水画艺术历千年而不衰,且不断向前发展的根本之所在。
在当代的艺术界,艺术家不仅需要掌握自然对象的语言表现能力,而且还应该在一定的题材中去寻找更多的适合自己的表现空间。
5.找一篇关于国画的论文
中国画的传统,是几千年来无数画家的心血和劳动的结晶.历代画家创造了许多珍贵的作品和绘画理论,技法.我们应该珍惜.继承中华民族灿烂文化的宝贵财富. 要想在国画中有所创作,首先就应当熟练掌握基本技法,继承传统国画的优点,在其基础上积极而又大胆的探索新的技法,以辅助和补充笔墨之不足.且不可失去笔墨.丢掉了国画的特点.其次学习西方绘画之长,只能作为营养,批判的吸收,以丰富国画的表现力. 画家的创作道路是艰难而又漫长的,要想其作品有所创新,情感的投入是门不可缺少的课题.对画家来说;国画是情感的表现,生活的结晶.情感主宰着国画的创作.情感可以并发出创作欲望,如果不把情感投入到创作中去,那么在好的技法也画不出感人的作品.从某种意义上讲,只有把情感贯穿到国画艺术作品中去,才能创作出富有感染力的作品来.也就是说带着情感去创作,让情感入画. 作为画家,熟练了技法,懂得了情感的投入,还应具备良好的修养.首先,世界观的修养很重要,它是画家的灵魂,决定作品的思想倾向,影响着画家的实践活动.著名画家齐白石老人在世界观中包含着明显是进步因素.如果画家的世界观是落后的,那就绝对创作不出人民大众代言的,具有强烈的爱国主义和进步思想的不朽之作.国画虽是用笔墨所做,但它是种精神产品,光有绘画技法不行,画品亦很重要,画品既是人品,它将直接影响作品的品位.正如画论中所讲;笔墨之高下亦如人品,笔墨虽出欲手,实根于心.可见思想道德修养的重要性.对画家来说,加强学习修养可以帮助画家提高整体创作境界.同样文化素质也能直接影响艺术的表现力,文化素养更能使画家从文化视野的高度,去深层次的洞悉现实,领悟人生,创作和理解作品,用心灵去撞击生活作品,使其具有更广,更全面的表现力.其次丰富曲折的生活体验是画家创作中基本的材料和必要的前提条件.其实,技巧是一种才能,但它绝不是没有广博知识也行的.必须去体验生活,去寻找真理.从生活中体验国画艺术的真谛.俗话说;巧妇难为无米之炊.即使一个很有才华的画家,让他长期远离社会生活,或对要表现的对象并不熟悉,不深刻,其对作品的创作亦是失败的.画家应该像一颗饱满而富有生命力的种子那样,把自己的整个身心都埋在生活的土壤中,从中吸取养料,化作成自己的血肉和灵魂,才能对生活具有深刻的认识和感受,这样画家在生活中必然要多看,多听,多想,多记,以丰富画家的艺术思维能力,和生活建立亲切的关系,从生活中得修养. 国画的艺术情感是画家对客观事物所持态度的一种情绪体验,所以画家只有在技法熟练的基础上,具备深厚的艺术修养和对社会生活的深刻认识,才能在国画创作中产生真挚的情感;才会在生活对象面前自觉或不自觉的产生"浮想联翩,夜不能寐"的创作激情;直到在国画创作中表现出感人至深的艺术形象,达到情景交融的美的境界! ---- 发表于中央文史研究馆和山东文史研究馆主办的书画报羲之书画报。
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提供一篇文章,仅供参考,不得抄袭!!!!!!!!!!!!! 浅论中国画线造型的审美意识与个性表现 摘要:中国绘画艺术注重人的理性精神,线造型是传统中国画形式语言的灵魂,是在“意”的指导下由“形似”的转化而完成的,这种“尚意”传统下的形态塑造正是中国画艺术的特色,并使其具有了独特的审美意识和富有精神内涵的个性表现。
关键词:中国画 线造型 审美意识 个性表现 中国画作为一种民族形式,是由五千年的深厚文化作为基础的。线造型是中国画区别于其他绘画形式的主要特点之一,它具有独特的审美意识和富有精神内涵的个性表现。
中国画历来主张“以形写神”,并在形神的关系中以“神”为主,而所谓的“神”完全是一种“意会”的存在。 这是一种极为务实的“含道应物”处理视觉艺术的手段,同时也是一种在主观引导下完成对作品精神追求的一个完善过程。
这种以“意”主宰“形”的结果,无疑给中国画的线造型注入了特殊的审美意识与个性表现。 以意造型的艺术主张,早在晋代时其理论准备就已逐渐完善。
随着艺术的不断发展,唐代时期的画风与追求都各呈其貌,艺术主张也不尽相同。如唐代虽主张形意兼备,而表现出了更加重意的倾向,有“画无常工,以似为工,画无常师,以真为师,故其措一意,状一物,往往运思,中与神会”之说。
这种重“意”的倾向与主张,到了唐末则又有了“意存笔先、画尽意在,所以至神气也”的审美意识与个性表现。 故此时的造型是受意境指挥笔墨而表现,是在“意”的主导下由“形似”的转化而完成的。
作品的审美意识也由此体现出作者的主张。当然这种“意”的超越,在古代也没有完全消除造型上对“形似”的追求,在宋人那里,宣和画院的画家在宋徽宗赵佶的提倡下,亦以竟尚写实而迎合时尚,讲究“形似”为院体画的标准,即使这样,文人与士大夫们也没有改变崇尚画中应有诗意、情思、意趣的审美观,并使其逐渐在画面的艺术处理与追求中占据优势,且“意境”之说也被提升为画中追求的首位。
宋代苏轼曾言:“论画以形似,见与儿童邻”。即形似不是作画的目的,而是要求画家写出自己的心意,表现出内心不得不吐的胸中之“意”。
这种审美准则,到了南宋时代,又被拓展为“意足不求颜色似”的新主张和倪云林的“仆之所谓画者,不过意笔草草,不求形似,聊以自娱耳”的文人雅兴。 当然还有元代其他画家,如黄公望的“画不过意思而已”等见解,最终都归结为“画者从于心者也”的有我之境。
这种“尚意”传统下的形态塑造正是中国画艺术的特色,也是研习中国画的学子必须掌握与彻底领悟的基本法则。由此可见,对造型观念建立在何种审美价值观的认识之上,并使其赋有个性的准则,进而反映出具体物象的本质意义,只有完成这种物象与内心感悟的视觉转化,真正理解与掌握中国画线造型的原理,才能真正做到写形、写心、传神,并将三者一以贯之。
线是中国画的主要表现技法之一,也是中国画最重要的特点,更是中国画的基础。无论是传统中国画,还是不断演进中的当代美术创作中的新理法,线造型的含义与性格都折射出中国人观察事物的独特眼光,更是阐明了中国绘画艺术注重人的理性精神,注重人与事物之间的关系。
若于具体作品而言,线造型的表现,则是以移动视角的态度来观察世界的一切。这种主观性,在学术上称之为散点透视。
所以说,中国人主客统一的观察事物的方法,是善于讲究同时将几个视点及不同视平线内所观察到的物象综合在一起表现,并使人感到一种视觉感官上的舒服与满足。 这种善于平面性处理事物的造型观正是源于中国的哲学、绘画工具的特殊性及建筑的空间样式与形式的特点而逐渐形成的造型观念。
而线造型的观察、提取和纵深感的空间意识,所体现的是通过线势、线性、笔触、墨韵之微妙变化而达到,并体现出中国画造型的民族气质与风格。 所以,以线造型既体现出中国画具有强大的视觉表现能力上的宽容性,同时又易于客观对象的提炼与概括,并具有独立的审美价值和超越自然的绘画形式,并达到所创造的“第二自然”之理想境界。
线造型在水墨画与工笔画两种形式中则表现了不同的性格,其造型中用线的含义及艺术功能也各不相同。 就工笔画而言,“线”取自物象受光时起伏变化的特定位置与事物自身结构上的边缘及组合,如此产生的线造型不但生动而且线性、线态符合艺术规律的表现。
对于水墨画,线的提取与表现,更多的则是个性的精神符号语言,其观察与认识事物的方法更加主观与纯粹,这种造型则更多地体现了中华民族的传统及精神内涵、审美与个性、立场与气质。 所以说,以线造型无论在形式选择上如何有别,则无不表现出民族文化艺术的传统性,这就是线造型所产生的“言有尽而意无穷”的艺术效果及美学特征。
对于中国画家而言,如何从大自然中寻找表现自然形态的灵感,以不同的视角选择与心灵感悟去追求别具新意的艺术形态,可见证于历史上成功的画家无不借形态的特征表现,而隐藏着对人生命运的思考和人性丰富情感的物化。 而这种艺术表现则以线造型的形式展现在画面上。
线造型的另一。
7.关于中国山水画的论文
浅谈对中国画的认识 首先我想说对于我们建筑学来说,对国画的认识是更有裨益的。
各类的中国画首先给人一种意境美和音乐美,在使人在了解画的同时,也得到审美能力的锻炼 在着我就谈一下自己对中国画的认识,我觉得了解中国画首先应该了解中国画的产生,发展及其内在精神 山水画萌芽于晋朝,顾凯之在《魏晋胜流画赞》中第一句就是“凡画,人最难,次山水,次狗马”山水画已成为一个主要表现题材,我觉得人对人自己认识太深才觉得每幅画人的言态表现得不尽人意,山水可夸大其气势表达出其意境即可,狗马只须表达出其形而已从顾凯之仅有的山水画《洛神赋图》中可以窥见当时山水画初期形态的端倪,基本上如唐代张彦远在《历代名画记》中的所记载的样子,传本〈洛神赋图〉中的山水部分,确实如其所言“群峰之势,若细饰犀拮”,或“水不容泛,人大于山”无论是山水还是树石,都表现为高度的概括化,比如树的表现,银杏树仅象征性地以三五片银杏叶概括,树枝的“列植之状”也是“若神臂布指,离现实生活中真实的印行树有很大距离,正如前边所论“凡画,人最难,次山水,次狗马”。山石仅以“高古游丝”线条勾勒,而没有皴法,但我认为,水法和云法的表现是极为纯熟的,水云的流态动势相当完美,由此可见,山水画的表现在当时已达到的艺术水准只是没有后来的布局合理罢了 初期的山水画往往是人物活动的背景,配景,即使独立为一个专门画种也是需要一个发展过程的,山水画初期的这种形态是不足为奇的,虽然我们现在已不能得睹六朝时期的山水画作品而且见于史料的早期山水画家也不是很多,顾凯之,宗炳,王微等人关于山水画论的发展为当世山水画的发展和成熟作了理论上的准备历隋唐,五代诸朝,山水画渐盛。
他们可谓山水画的先驱,六朝时期是中国山水画的真正起点,虽说是中国历史上政治最黑暗的时期,却导致了美学上的最灿烂,我认为这应该归功于当时不忍心目睹石灰的琴棋书画的隐士,且当时类似于陶哦渊明,谢灵运的隐逸思想普遍流行,此时人们对自然美有了更深的认识更促进中国山水画的发展,谢灵运《山居赋》中所记载的始宁山就是典型的例证,他的山水诗开拓了山水诗写实的审美之路,王维的“诗中有画,画中有诗”也正说明了中国山水画的发展也益于诗的发展和衍生。 山水画在六朝时期兴起的另外一个重要原因是艺术家自身的发展。
汗以前的艺术家往往以工匠身份出现他们都依靠绘画的手艺谋生,绘画是功利的,必须围绕服务对象的要求进行创作,但也不同程度促进山水画的发展 说山水画的内在精神,中国山水画十分强调作者的主观因素,在山水画创作中,作者对自然界的认识理解,以及作者的情感流露是起着主导作用的,画家应当“以情入画”力求“情景交融”,正如在一幅山水画上题一首诗或多一个红戳更能增加山水画的内在精神和蕴涵,在对客体世界有一个多侧面深层次认识的基础上凭借心灵感受概括勾画出山水形象,者便是“迁想妙得”许多优秀的山水作品所显露出来的气质和高雅的格调,并不仅仅是因为作者具有深厚的笔墨功力,更重要的是作者具有饱满的创作激情和高深的文学修养。因此山水画家的学识越高,创作后劲也就越大。
唐代山水家的学识越高,创作后劲也就越大,如“外师造化,中得心源”,“搜尽奇峰打草稿”均提倡到生活中去,到实践中去。 欣赏中国山水画我觉得应该首先了解中国山水画的内在精神,中国山水画是中华民族艺术知会的宝贵结晶,是灿烂的中华文化的一个重要组成部分,在它自身发展的过程中,逐步地形成了一个完整的独立的艺术体系,所以民族性是中国山水画最显著的特征之一,中国山水画体现了中国人特有的审美情趣,即简练,恬静,含蓄和韵律等 其实山水画从一开始就与其它的道家,佛家,儒家有关,佛家的禅宗对中国山水画的创作影响也是值得讨论的,它没有连续性和次序性,认定在精神上能够出现自发性的领悟,这种领悟实际上是对人世解忧的解脱和心理障碍的排除,而这些又恰恰是中国山水画家们孜孜以求的 佛家是对中国文化影响最大的思想体系,孔子最早提出“仁者乐山,智者乐水”,是以道德价值来评价山水,但是这种对大自然的审美追求,客观上已超出了道德的范畴,其中的中和之美构成了中国传统山水画感情含蓄,气息平和的总体风格 儒佛道的自然观影响于山水画共同点有三个:一是取法自然,用于自然的统一,二是静态与动态的统一,三是客观世界与主观世界的统一。
中国山水画深刻的思想内涵是与中国古典哲学有着直接的因果关系。绘画不能没有哲学思考,没有哲学思考的绘画是没有灵魂的绘画。
作山水画须先胸有丘壑。“意在笔先”是中国画构图的特点,落笔后应意到笔随。
我们不能忽视道家这里的深远影响,传统中国画家长期艺术实践中都自觉和不自觉地受到潜移默化的熏陶。作画在落笔时就应考虑各种阴阳关系,加以对比此和谐的处理,如方圆,横直,点线,刚柔,浓淡,冷暖,轻重,虚实等等。
山本静,水流则动;石本顽,树活则灵”正所谓山水之静动,顽与灵,均是大自然中存在的各种阴阳节奏关。
8.关于国画的论文
国画的审美 一:国画独特的审美 中国画从工具材料、艺术追求、审美理想等方面与西方有着明显的不同,具有鲜明而独特的艺术形式。
1:工具材料 中国画的工具材料是笔、墨、纸、绢。与西方绘画所使用的画笔颜料相比,存在着显著的不同。
中国画用笔即毛笔。毛笔的特点是柔软而富有弹性,笔端尖而有锋,有利于线描勾勒,并可以发挥多种笔法,以绘制流畅婉转、富于动感的线条见长。
中国画的一大特色为用线条来塑造形象、表达感情。 墨,传统的中国画用墨,以纯细的桐油烟或松烟精制而成。
根据与水的调和比例的大小,可以有微妙的浓淡变化。中国画家一定程度上摆脱了自然界玄目光色的困扰,专注于画面笔情墨韵的营造和对象精神气质的捕捉,成就一个清淡幽雅的艺术境界。
中国画用的纸绢,有较好的韵墨性能,使墨汁在上面渗化开来自然形成浓淡不同的层次。 可以说中国画的笔墨与纸绢相辅相成、相得益彰,共同构筑了一个浓淡相宜、笔歌墨舞的艺术世界。
2:描绘手段 中国绘画描绘形象的目的,不象西方写实绘画那样欲创造一个视觉幻想的世界,而是从一定程度上把绘画当成一种"示意"行为,即通过笔下的形体表示创造者的情意。明暗光影、色彩斑斓都引退到创造者的关注视野之外,而借助灵活飞动的线条,挥洒自如的笔墨,造就一个饱含创作主体情感和意志的独特的艺术世界,这才是中国画画家描绘形象时的真正目的。
3:整体效果 与西方绘画相比,中国绘画在整体效果上有一个值得注意的特点就是"空白"。中国画家在描绘出主体之外,大多不画背景,在画面上留有较多的空白。
中国画形状各异的空白本身,既形成一种节奏变化,有给人留有想象的余地,具有不可替代的艺术效果。画面的空白时画家简约笔墨的结果。
中国画素有崇尚简练的传统。 二:国画的美学特点 绘画是一门运用线条、色彩和形体,在二维空间的范围内,反映现实美、表达人的审美感受的艺术。
绘画艺术的一般审美特征主要表现在:线条美、色彩美和构图美上。中国传统绘画有其独特的美学体系,美学观点,美学范畴。
1:意境 意境是中国古典美学的重要范畴,也是中国传统绘画最富民族特色的审美标准,既是画家创作的原则,也是欣赏的原则。 意境就是情与景的完美交融。
能够产生意境的形象,并不是一般的普通形象,而是富有生命力的形象,这种形象能体现出主体与客体、形与神、虚与实、动与静、情与景诸方面的高度完美的统一。它根本的美学不满足于有限事物的外在形式模仿,而要在有限中去表现无限,塑造出"象外之象"、"景外之景",从而能引发看图人的审美想象。
意境是中国绘画美学体系的精髓,凝聚着中国艺术的根本精神,绘画作品追求的最高境界。 2:形神统一观 形就是形似,是对物象外形的描绘;神即神似,是对事物内在本质特征的把握。
3:气韵生动 气韵生动最准确、最几种地概括了中国绘画艺术的审美特征和基本精神,是构成中国绘画艺术的传统审美尺度最根本的审美要求。 气韵生动着眼于宏观的自然与人生,立足于艺术的生命结构和自然生命运动的统一,更具有艺术本体论的深刻涵义。
绘画作品如果气韵生动,就会给观赏者造成一个形有尽而意无穷的审美想象空间。 4:天人统一观 其大致内涵是人和自然的关系是亲密无间、相互统一的。
艺术家应将自己融入自然。 5:心物统一观 "心"在中国古典美学中表示审美主体,也就是人,"物"则表示审美客体,即客观事物。
心物统一是中国古代画论的重要范畴。 6:虚实统一观 虚实对立统一,"虚"指虚构、虚灵、虚幻;"实"指实体、实事、实物。
中国画十分讲究虚实关系,中国画讲究含蓄,追求诗情画意,反对直露,正确处理虚实关系,是构成中国画意境的重要表现手段。 7:中和为贵 中和就是指统一体的协调性和韵称性。
孔子的中庸之道,即为中和。中国画十分重视主体心境的和谐。
中国画基本技巧之一 --用笔 唐代张彦远说:"夫物象必在于形似,形似须全其骨气,骨气形似皆本于立意而归乎用笔。"张彦远在此强调了用笔与立意造型的关系。
立意须造型、造型须用笔,用笔便成了中国画基础的基础。 1:笔与线 中国画的用笔实即用线,线是中国画最基本的造型手段。
线在形体的塑造中绝不是一种对轮廓线的描摹,还能表现出物体的质感、量感和动感。比如在山水画中,斧劈皴给人坚挺硬朗的感觉;披麻皴则给人松软的感觉等等。
线的运用,体现了中国画家对客观形象的概括、提炼和理解能力,体现了他们驾驭物象的巨大创造力。 在中国画中,线及其塑造的形体之间的关系,主要体现在线条自身的品格特征与作者之间的沟通。
正如石涛所说:"借笔墨以写天地万物而淘泳乎我也。"笔墨(线条)所具有的这种抒情写意性,是由于画家在运笔中出现的各种变化,使线条自身具有了千变万化的姿态。
一方面,线条丰富多姿的形态可以唤起欣赏者对现实生活的万般物象中类似物体形态美的联想,使抽象的线条成为现实事物形体美的一种间接曲折的反映,因而唤起人们的不同感受。另一方面,画家在运笔过程中个人情绪、意趣、思想的灌注,使得中国画中的线条具有明显的画。
国画毕业论文题目新颖的
1.我是学国画的 ,帮我拟个毕业论文题目,最好是分析某张作品之类的
1. 中国知网也好!
2. 万方数据也好都有例子!
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==================论文写作方法===========================
论文网上没有免费的,与其花人民币,还不如自己写,万一碰到骗人的,就不上算了。
写作论文的简单方法,首先大概确定自己的选题,然后在网上查找几份类似的文章,通读一遍,对这方面的内容有个大概的了解!
参照论文的格式,列出提纲,补充内容,实在不会,把这几份论文综合一下,从每篇论文上复制一部分,组成一篇新的文章!
然后把按自己的语言把每一部分换下句式或词,经过换词不换意的办法处理后,网上就查不到了,祝你顺利完成论文!
2.求国画论文题目 国画学年论文的题目,最好是花鸟山水都可以,长篇大
你想的立意很好(写意),因为现在写工笔技法和史论概念类型的论文太多了,但如何写好就要看你的美术史和国画功底了,说白了写意国画论文不是每个人都能写的,即使是美术类的专业生。
一、写意最直白体现在于文人画(书画文同源),因此可以选择这一类型的题目,不知道你是否关注文人画这个系列以及从宋元明清一只传承下来的关系。推荐对象:董其昌、郑燮(扬州八怪)、文征明(明四家) 题目:“书正其人,人如其画”——解析XX/XX现象/XX流派 二、大多数写意都是为了抒发胸中逸气,因此“逸”是写意画的一个重要表现,以这个为中心来写还是比较好写的,但是这个很难写出新意,如何寻找对象是关键。
推荐对象:倪瓒、石涛、八大、弘仁(清四僧) 题目:“只可自愉悦,不堪持赠君”——XX解析 个人觉得不要谈技法,因为一谈技法就会庸而且会暴露很多问题,尤其当你不是写意的高手时。
3.关于中国山水画的论文
浅谈对中国画的认识 首先我想说对于我们建筑学来说,对国画的认识是更有裨益的。
各类的中国画首先给人一种意境美和音乐美,在使人在了解画的同时,也得到审美能力的锻炼 在着我就谈一下自己对中国画的认识,我觉得了解中国画首先应该了解中国画的产生,发展及其内在精神 山水画萌芽于晋朝,顾凯之在《魏晋胜流画赞》中第一句就是“凡画,人最难,次山水,次狗马”山水画已成为一个主要表现题材,我觉得人对人自己认识太深才觉得每幅画人的言态表现得不尽人意,山水可夸大其气势表达出其意境即可,狗马只须表达出其形而已从顾凯之仅有的山水画《洛神赋图》中可以窥见当时山水画初期形态的端倪,基本上如唐代张彦远在《历代名画记》中的所记载的样子,传本〈洛神赋图〉中的山水部分,确实如其所言“群峰之势,若细饰犀拮”,或“水不容泛,人大于山”无论是山水还是树石,都表现为高度的概括化,比如树的表现,银杏树仅象征性地以三五片银杏叶概括,树枝的“列植之状”也是“若神臂布指,离现实生活中真实的印行树有很大距离,正如前边所论“凡画,人最难,次山水,次狗马”。山石仅以“高古游丝”线条勾勒,而没有皴法,但我认为,水法和云法的表现是极为纯熟的,水云的流态动势相当完美,由此可见,山水画的表现在当时已达到的艺术水准只是没有后来的布局合理罢了 初期的山水画往往是人物活动的背景,配景,即使独立为一个专门画种也是需要一个发展过程的,山水画初期的这种形态是不足为奇的,虽然我们现在已不能得睹六朝时期的山水画作品而且见于史料的早期山水画家也不是很多,顾凯之,宗炳,王微等人关于山水画论的发展为当世山水画的发展和成熟作了理论上的准备历隋唐,五代诸朝,山水画渐盛。
他们可谓山水画的先驱,六朝时期是中国山水画的真正起点,虽说是中国历史上政治最黑暗的时期,却导致了美学上的最灿烂,我认为这应该归功于当时不忍心目睹石灰的琴棋书画的隐士,且当时类似于陶哦渊明,谢灵运的隐逸思想普遍流行,此时人们对自然美有了更深的认识更促进中国山水画的发展,谢灵运《山居赋》中所记载的始宁山就是典型的例证,他的山水诗开拓了山水诗写实的审美之路,王维的“诗中有画,画中有诗”也正说明了中国山水画的发展也益于诗的发展和衍生。 山水画在六朝时期兴起的另外一个重要原因是艺术家自身的发展。
汗以前的艺术家往往以工匠身份出现他们都依靠绘画的手艺谋生,绘画是功利的,必须围绕服务对象的要求进行创作,但也不同程度促进山水画的发展 说山水画的内在精神,中国山水画十分强调作者的主观因素,在山水画创作中,作者对自然界的认识理解,以及作者的情感流露是起着主导作用的,画家应当“以情入画”力求“情景交融”,正如在一幅山水画上题一首诗或多一个红戳更能增加山水画的内在精神和蕴涵,在对客体世界有一个多侧面深层次认识的基础上凭借心灵感受概括勾画出山水形象,者便是“迁想妙得”许多优秀的山水作品所显露出来的气质和高雅的格调,并不仅仅是因为作者具有深厚的笔墨功力,更重要的是作者具有饱满的创作激情和高深的文学修养。因此山水画家的学识越高,创作后劲也就越大。
唐代山水家的学识越高,创作后劲也就越大,如“外师造化,中得心源”,“搜尽奇峰打草稿”均提倡到生活中去,到实践中去。 欣赏中国山水画我觉得应该首先了解中国山水画的内在精神,中国山水画是中华民族艺术知会的宝贵结晶,是灿烂的中华文化的一个重要组成部分,在它自身发展的过程中,逐步地形成了一个完整的独立的艺术体系,所以民族性是中国山水画最显著的特征之一,中国山水画体现了中国人特有的审美情趣,即简练,恬静,含蓄和韵律等 其实山水画从一开始就与其它的道家,佛家,儒家有关,佛家的禅宗对中国山水画的创作影响也是值得讨论的,它没有连续性和次序性,认定在精神上能够出现自发性的领悟,这种领悟实际上是对人世解忧的解脱和心理障碍的排除,而这些又恰恰是中国山水画家们孜孜以求的 佛家是对中国文化影响最大的思想体系,孔子最早提出“仁者乐山,智者乐水”,是以道德价值来评价山水,但是这种对大自然的审美追求,客观上已超出了道德的范畴,其中的中和之美构成了中国传统山水画感情含蓄,气息平和的总体风格 儒佛道的自然观影响于山水画共同点有三个:一是取法自然,用于自然的统一,二是静态与动态的统一,三是客观世界与主观世界的统一。
中国山水画深刻的思想内涵是与中国古典哲学有着直接的因果关系。绘画不能没有哲学思考,没有哲学思考的绘画是没有灵魂的绘画。
作山水画须先胸有丘壑。“意在笔先”是中国画构图的特点,落笔后应意到笔随。
我们不能忽视道家这里的深远影响,传统中国画家长期艺术实践中都自觉和不自觉地受到潜移默化的熏陶。作画在落笔时就应考虑各种阴阳关系,加以对比此和谐的处理,如方圆,横直,点线,刚柔,浓淡,冷暖,轻重,虚实等等。
山本静,水流则动;石本顽,树活则灵”正所谓山水之静动,顽与灵,均是大自然中存在的各种阴阳节奏关。
4.我想写一篇关于国画的论文 叫什么题目好
我觉得你现在的问题是:还不知道写什么,而不是题目的问题。
没有积累直接想写论文是不可能的。现在应该大量的阅读相关的信息。1.去学校图书馆或者省市图书馆,查阅期刊(去电子阅览室查期刊网),不用去阅览室看大部头。2.上网看最新的行业动向,比如说有什么座谈会,会上专家有什么方向性的发言等等。3.由自己比较擅长的方面入手找相关信息,比如漫画和国画之类。
找一个你比较有兴趣或者有所了解的方向。比如说:新技法新材料、国画空间观念、齐白石……
再想:写这个方向里的什么题目。比如:现代工笔画中的形式感、六法论在今天的意义……
有了方向,明确主要观点,列提纲,逐条丰富,一点一点论文就出来了~~
仅作参考,祝你顺利。
5.求国画论文题目,范围不要太大,最好在两宋或者是关于某位画家的的
首先,你的选题就很泛,写学术性论文要避开大众化,而两宋期间的艺术高度繁荣主要体现在院体画,大多数都会写宋人花鸟、院体画的影响以及宋徽宗赵佶等等,这些写的人太多了,没有新鲜感和实用性,网上一搜一大把,雷同的结果——你知道的。
其次,看来你对中国美术史和国画专业没有认真的对待,到现在还没有论文的头绪。像美术类的学术论文一定要参与自身(实践性)的体会才可能有亮点,才可能真实,论文通常是靠平时积累出来的灵感而独创的结晶,现在硬憋,结果可想而知。
给你一些比较好写的题目范围吧:
花鸟方面:写生赵昌对我的启发(写生这个永远是不过时的)
宋徽宗赵佶的是与非(这个写的人比较多,提出新观点,注意不要雷同)
“黄荃富贵,徐熙野逸”的思考(绘画实用性和传播性研究)
山水方面:“外师造化,中得心源”范家山(北宋山水的写实性研究)
南宋四大家(李、刘、马、夏选其一或全选)对明代浙派(戴进、吴伟)的影响
王希孟《千里江山图》(青绿山水实用性:小作或长卷巨作的探讨)
美术国画专业毕业论文
1.我是美术学专业国画方向的,过段时间要写毕业论文了,想在近期确
毕业论文:是大学生在大学的最后一个学期,运用所学的基础课和专业课知识,独立地探讨或解决本学科某一问题的论文,它是在撰写学年论文取得初步经验后写作的,它的题目应该比学年论文大一点、深一点。
其基本标准应该是:通过毕业论文,可以大致反映作者能否运用大学三四年间所学得的基础知识来分析和解决本学科内某一基本问题的学术水平和能力。当然,它的选题一般也不宜过大,内容不太复杂,要求有一定的创见性,能够较好地分析和解决学科领域中不太复杂的问题。
本科毕业论文篇幅一般在六干字以上。 回答: 确定题目要跟导师沟通,先拟好一份开题报告和论文大纲给导师看,让老师判断你论文的可行性,好的选题能够决定毕业论文的价值和效用。
选题时要注意规划文章的方向、角度和规模,弥补知识储备的不足 ,合适的选题可以保证写作的顺利进行,提高研究能力。 选题的原则 :1. 理论联系实际,注重现实意义 (实用价值和理论价值) 2. 勤于思索,刻意求新 (从观点、题目到材料直至论证方法全是新的 、以新的材料论证旧的课题,从而提出新的或部分新的观点、新的看法 、对已有的观点、材料、研究方法提出质疑,虽然没有提出自己新的看法,但能够启发人们重新思考问题 ) 3. 知己知彼,难易适中(要充分估计到自已的知识储备情况和分析问题的能力 、要考虑到是否有资料或资料来源、题目的难易要适中 、题目的大小要适度 ) 你还有半年准备论文,时间还算充沛。
本科的毕业论文要求还不算严格,不知道你们是否要通过知网检测。你4年的国画学习历程,想必也有感兴趣的题目,例如可以写一些关于水墨动画的研究,“湿笔”的研究,意象造型研究,清代人物造型研究等等。
如果对你所选的题目自信不足,本科毕业论文还可以用浅析做题目开头。 积累资料的方法: 累积资料以下几方面的 :统计材料、典型案例、经验总结等等 、国内外对有关该课题学术研究的最新动态 、边缘学科的材料 、名人的有关论述,有关政策文献等 、搜集论文作 者当时所处的社会、政治、经济等背景材料。
实际一点来你所选的题目自己要有一定的知识储备量,再者可以通过浏览知网、doc88(道客88)、美术类核心期刊、画论中找到适合自己论点的材料。 同时要有资料的辨析的能力,注意累积资料的适用性 、全面性 、真实性、新颖 、典型性。
拟定结构提纲 : 要有全局观念,从整体出发去检查每一部分在论文中所占的地位和作用 。从中心论点出发,决定材料的取舍,把与主题无关或关系不大的材料毫不可惜地舍弃,尽管这些材料是煞费苦心费了不少劳动搜集来的 ,要考虑各部分之间的逻辑关系。
形成论点和论据: 由于人的认识不可能一次性完成,即使一种新观点出现,当时看来是完善的,但随着时间的推移,人们认识水平的提高总会发现原有观点的不足之处,所以,可以说,绝大部分已有的研究成果都给后世留下了补充性的研究课题。补充性论点是对前人研究成果的肯定与发展,而匡正性论点则是对已有研究成果的否定与纠正。
这种匡正性论点包括两个方面,一方面是对通说(即流行的说法或观点)的纠正,另一方面是对新出现的某种观点不足之处的纠正。 论文的性质:1. 科学性- 内容可靠、数据准确,实验可重复。
2. 创造性-原则上是不能重复别人工作,可以改进,但不能照抄。3. 逻辑性-思路清晰、结构严谨、推导合理和编排规范。
4. 有效性-公开发表或经同行答辩。5. 学术性-对事物进行抽象概括和论证,描述事物本质,表现内容的专业性和系统性。
不同于 科技报道和科普文章,要用书面语言论述精练。 论文的注意事项:1. 注意文笔文风,避免口语化,注意避免平时用惯了的简化词,要用规范书面语;2. 慎用第一人称;仔细检查,使每一句话简洁、准确;3. 注意拼写、打印错误;不要忽略字体、格式、插图排版等小节;4. 标题、序号一定要清晰,层次安排也要避免太繁。
温馨提示:论文中最好有你对所研究课题的实际操作的图片,在论文中带出自己的创作时候的借鉴,导师会比较喜欢,答辩起来也比较容易。另外把论文大致格式发编辑给你: 文章结构 学术论文的一般结构(GB7713-87) 题目 作者及单位 摘要 关键词 引言(前言) 正文 结论 参考文献 附录性材料 论文的篇名 用简洁恰当的词组反映文章的特定内容,明确无误 篇名简短,不超过20个字 少用研究和空洞应用之类字 避免用不熟悉的简称、缩写和公式等 关于摘要 文章内容不加注释和评论的简短陈述,具有独立性和完整性用于检索; 一般包括:研究的目的与重要性、内容、解决的问题、获得的主要成果及其意义; 小摘要(200-300字) 麻雀虽小,五脏俱全 大摘要(600字左右) 突出研究成果和创新点的描述 关键词 4-6个反映文章特征内容,通用性比较强的词组 第一个为本文主要工作或内容,或二级学科 第二个为本文主要成果名称或若干成果类别名称 第三个为本文采用的科学研究方法名称,综述或评论性文章应为"综述"或"评论" 第四个为本文采用的研究对象的事或物质名称 ,避免使用分析、特性等普通词组。
引 言 主要回答为什么研究 ,介绍论文背。
2.国画专业的毕业论文写哪方面的好呢
首要的选题切忌过大,一般本专科学生的毕业论文要求不是很高,比较常见的选材就是针对某一个艺术家或者某一幅画进行论述,我上学的时候就有很多同学写这方面的内容,我个人认为这个选材还是有些大,并且太多太多的学生从此着手,这方面材料很多,人物传记,作品分析好多好多,都是成本成本的书,容易找材料,但是不容易出好的论文。论文要求不高时照抄的比较多,最好能有点新意,最好不要东挪西凑的全部照搬。
如果实在想不出选题方向,建议翻开你的美术史,选一些比较感兴趣的题材进行选材,还是那一点尽量把选材做的小一些,可以选择几个方向再让导师给你些建议。
希望能够帮到你
3.急求~~
中国画具有十分悠久的历史渊源,同时也具有与时俱进的时代风格,它不仅是中华文化的国宝,也是传承中华民族精神的主要载体。
中国画第一特点是意境创作的追求,推陈出新是中国画进步的宗旨,中国画主张“缘物寄情”,“以景寓意”,“以神取形”,“笔不周而意周”,“笔不工而心恭”。在概括客观物象的同时,必须融进画家的主观感受,透过描绘对象创造形象的方式来借以体现画家的主观感受,使主观情感和客观的物象精神性格交融和转化使画家在作画前的主观感受得以充分的表达,而产生动人心魄的意境创作。
在中国画章法布局中状物立象,就是首先必须剪裁取舍分别主宾然后根据物象往来逆顺的运动之势部署画面。使之造成动人心魄的气象。
而中国画在“置陈布势”中,如果要使画面章法获得灵动舒畅,富有变化,必须巧妙地处理空白,疏密,虚实之间的关系。所谓空白是无画处,是虚处,是疏处是与密实相对而言的是与疏密虚实有密切联系的,虚实对构图,笔墨有极大的概括性,所谓“虚实相生无画处皆成妙境”既是疏密有致,可以打破构图中的平均布置,“虚中有实,实中有虚”空景难图,实景清而空景现,虚与实在意境中不仅相辅相成,而且相互转化,中国画用墨有干湿,浓淡之分,构图遵循计白当黑,知白守黑的艺术原则,有藏有露,有隐有显造成一种虚虚实实,真真假假的美妙,而又带有几分迷蒙感的意境创作。
中国画在发展的早期就重视表情的描述,南朝的王微在《叙画》中提出山水并不是地图,应求“容势”,要表现大自然的生动变化,“望秋水,神飞扬,临春风,恩浩荡••••••此画之情也”。文人画家也旨在写意而不写实。
欧阳修指出“古户画画意不画形”从“意”出发把追求形式看成是画工的事,真正的画家应是得意忘形。中国画凝聚着中华民族的性格,心理,气质,以其鲜明的特色和风格在世界画苑中,独具体系,中国画被风起云涌的时代气息所驱动,推陈出新,魅力长存。
4.我想写一篇关于国画的论文 叫什么题目好
我觉得你现在的问题是:还不知道写什么,而不是题目的问题。
没有积累直接想写论文是不可能的。现在应该大量的阅读相关的信息。1.去学校图书馆或者省市图书馆,查阅期刊(去电子阅览室查期刊网),不用去阅览室看大部头。2.上网看最新的行业动向,比如说有什么座谈会,会上专家有什么方向性的发言等等。3.由自己比较擅长的方面入手找相关信息,比如漫画和国画之类。
找一个你比较有兴趣或者有所了解的方向。比如说:新技法新材料、国画空间观念、齐白石……
再想:写这个方向里的什么题目。比如:现代工笔画中的形式感、六法论在今天的意义……
有了方向,明确主要观点,列提纲,逐条丰富,一点一点论文就出来了~~
仅作参考,祝你顺利。
5.有关国画方面的论文
国画的审美 一:国画独特的审美 中国画从工具材料、艺术追求、审美理想等方面与西方有着明显的不同,具有鲜明而独特的艺术形式。
1:工具材料 中国画的工具材料是笔、墨、纸、绢。与西方绘画所使用的画笔颜料相比,存在着显著的不同。
中国画用笔即毛笔。毛笔的特点是柔软而富有弹性,笔端尖而有锋,有利于线描勾勒,并可以发挥多种笔法,以绘制流畅婉转、富于动感的线条见长。
中国画的一大特色为用线条来塑造形象、表达感情。 墨,传统的中国画用墨,以纯细的桐油烟或松烟精制而成。
根据与水的调和比例的大小,可以有微妙的浓淡变化。中国画家一定程度上摆脱了自然界玄目光色的困扰,专注于画面笔情墨韵的营造和对象精神气质的捕捉,成就一个清淡幽雅的艺术境界。
中国画用的纸绢,有较好的韵墨性能,使墨汁在上面渗化开来自然形成浓淡不同的层次。 可以说中国画的笔墨与纸绢相辅相成、相得益彰,共同构筑了一个浓淡相宜、笔歌墨舞的艺术世界。
2:描绘手段 中国绘画描绘形象的目的,不象西方写实绘画那样欲创造一个视觉幻想的世界,而是从一定程度上把绘画当成一种"示意"行为,即通过笔下的形体表示创造者的情意。明暗光影、色彩斑斓都引退到创造者的关注视野之外,而借助灵活飞动的线条,挥洒自如的笔墨,造就一个饱含创作主体情感和意志的独特的艺术世界,这才是中国画画家描绘形象时的真正目的。
3:整体效果 与西方绘画相比,中国绘画在整体效果上有一个值得注意的特点就是"空白"。中国画家在描绘出主体之外,大多不画背景,在画面上留有较多的空白。
中国画形状各异的空白本身,既形成一种节奏变化,有给人留有想象的余地,具有不可替代的艺术效果。画面的空白时画家简约笔墨的结果。
中国画素有崇尚简练的传统。 二:国画的美学特点 绘画是一门运用线条、色彩和形体,在二维空间的范围内,反映现实美、表达人的审美感受的艺术。
绘画艺术的一般审美特征主要表现在:线条美、色彩美和构图美上。中国传统绘画有其独特的美学体系,美学观点,美学范畴。
1:意境 意境是中国古典美学的重要范畴,也是中国传统绘画最富民族特色的审美标准,既是画家创作的原则,也是欣赏的原则。 意境就是情与景的完美交融。
能够产生意境的形象,并不是一般的普通形象,而是富有生命力的形象,这种形象能体现出主体与客体、形与神、虚与实、动与静、情与景诸方面的高度完美的统一。它根本的美学不满足于有限事物的外在形式模仿,而要在有限中去表现无限,塑造出"象外之象"、"景外之景",从而能引发看图人的审美想象。
意境是中国绘画美学体系的精髓,凝聚着中国艺术的根本精神,绘画作品追求的最高境界。 2:形神统一观 形就是形似,是对物象外形的描绘;神即神似,是对事物内在本质特征的把握。
3:气韵生动 气韵生动最准确、最几种地概括了中国绘画艺术的审美特征和基本精神,是构成中国绘画艺术的传统审美尺度最根本的审美要求。 气韵生动着眼于宏观的自然与人生,立足于艺术的生命结构和自然生命运动的统一,更具有艺术本体论的深刻涵义。
绘画作品如果气韵生动,就会给观赏者造成一个形有尽而意无穷的审美想象空间。 4:天人统一观 其大致内涵是人和自然的关系是亲密无间、相互统一的。
艺术家应将自己融入自然。 5:心物统一观 "心"在中国古典美学中表示审美主体,也就是人,"物"则表示审美客体,即客观事物。
心物统一是中国古代画论的重要范畴。 6:虚实统一观 虚实对立统一,"虚"指虚构、虚灵、虚幻;"实"指实体、实事、实物。
中国画十分讲究虚实关系,中国画讲究含蓄,追求诗情画意,反对直露,正确处理虚实关系,是构成中国画意境的重要表现手段。 7:中和为贵 中和就是指统一体的协调性和韵称性。
孔子的中庸之道,即为中和。中国画十分重视主体心境的和谐。
中国画基本技巧之一 --用笔 唐代张彦远说:"夫物象必在于形似,形似须全其骨气,骨气形似皆本于立意而归乎用笔。"张彦远在此强调了用笔与立意造型的关系。
立意须造型、造型须用笔,用笔便成了中国画基础的基础。 1:笔与线 中国画的用笔实即用线,线是中国画最基本的造型手段。
线在形体的塑造中绝不是一种对轮廓线的描摹,还能表现出物体的质感、量感和动感。比如在山水画中,斧劈皴给人坚挺硬朗的感觉;披麻皴则给人松软的感觉等等。
线的运用,体现了中国画家对客观形象的概括、提炼和理解能力,体现了他们驾驭物象的巨大创造力。 在中国画中,线及其塑造的形体之间的关系,主要体现在线条自身的品格特征与作者之间的沟通。
正如石涛所说:"借笔墨以写天地万物而淘泳乎我也。"笔墨(线条)所具有的这种抒情写意性,是由于画家在运笔中出现的各种变化,使线条自身具有了千变万化的姿态。
一方面,线条丰富多姿的形态可以唤起欣赏者对现实生活的万般物象中类似物体形态美的联想,使抽象的线条成为现实事物形体美的一种间接曲折的反映,因而唤起人们的不同感受。另一方面,画家在运笔过程中个人情绪、意趣、思想的灌注,使得中国画中的线条具有明显的画。
国画专业毕业论文
1.国画专业的毕业论文写哪方面的好呢
首要的选题切忌过大,一般本专科学生的毕业论文要求不是很高,比较常见的选材就是针对某一个艺术家或者某一幅画进行论述,我上学的时候就有很多同学写这方面的内容,我个人认为这个选材还是有些大,并且太多太多的学生从此着手,这方面材料很多,人物传记,作品分析好多好多,都是成本成本的书,容易找材料,但是不容易出好的论文。论文要求不高时照抄的比较多,最好能有点新意,最好不要东挪西凑的全部照搬。
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提供一篇文章,仅供参考,不得抄袭!!!!!!!!!!!!! 浅论中国画线造型的审美意识与个性表现 摘要:中国绘画艺术注重人的理性精神,线造型是传统中国画形式语言的灵魂,是在“意”的指导下由“形似”的转化而完成的,这种“尚意”传统下的形态塑造正是中国画艺术的特色,并使其具有了独特的审美意识和富有精神内涵的个性表现。
关键词:中国画 线造型 审美意识 个性表现 中国画作为一种民族形式,是由五千年的深厚文化作为基础的。线造型是中国画区别于其他绘画形式的主要特点之一,它具有独特的审美意识和富有精神内涵的个性表现。
中国画历来主张“以形写神”,并在形神的关系中以“神”为主,而所谓的“神”完全是一种“意会”的存在。 这是一种极为务实的“含道应物”处理视觉艺术的手段,同时也是一种在主观引导下完成对作品精神追求的一个完善过程。
这种以“意”主宰“形”的结果,无疑给中国画的线造型注入了特殊的审美意识与个性表现。 以意造型的艺术主张,早在晋代时其理论准备就已逐渐完善。
随着艺术的不断发展,唐代时期的画风与追求都各呈其貌,艺术主张也不尽相同。如唐代虽主张形意兼备,而表现出了更加重意的倾向,有“画无常工,以似为工,画无常师,以真为师,故其措一意,状一物,往往运思,中与神会”之说。
这种重“意”的倾向与主张,到了唐末则又有了“意存笔先、画尽意在,所以至神气也”的审美意识与个性表现。 故此时的造型是受意境指挥笔墨而表现,是在“意”的主导下由“形似”的转化而完成的。
作品的审美意识也由此体现出作者的主张。当然这种“意”的超越,在古代也没有完全消除造型上对“形似”的追求,在宋人那里,宣和画院的画家在宋徽宗赵佶的提倡下,亦以竟尚写实而迎合时尚,讲究“形似”为院体画的标准,即使这样,文人与士大夫们也没有改变崇尚画中应有诗意、情思、意趣的审美观,并使其逐渐在画面的艺术处理与追求中占据优势,且“意境”之说也被提升为画中追求的首位。
宋代苏轼曾言:“论画以形似,见与儿童邻”。即形似不是作画的目的,而是要求画家写出自己的心意,表现出内心不得不吐的胸中之“意”。
这种审美准则,到了南宋时代,又被拓展为“意足不求颜色似”的新主张和倪云林的“仆之所谓画者,不过意笔草草,不求形似,聊以自娱耳”的文人雅兴。 当然还有元代其他画家,如黄公望的“画不过意思而已”等见解,最终都归结为“画者从于心者也”的有我之境。
这种“尚意”传统下的形态塑造正是中国画艺术的特色,也是研习中国画的学子必须掌握与彻底领悟的基本法则。由此可见,对造型观念建立在何种审美价值观的认识之上,并使其赋有个性的准则,进而反映出具体物象的本质意义,只有完成这种物象与内心感悟的视觉转化,真正理解与掌握中国画线造型的原理,才能真正做到写形、写心、传神,并将三者一以贯之。
线是中国画的主要表现技法之一,也是中国画最重要的特点,更是中国画的基础。无论是传统中国画,还是不断演进中的当代美术创作中的新理法,线造型的含义与性格都折射出中国人观察事物的独特眼光,更是阐明了中国绘画艺术注重人的理性精神,注重人与事物之间的关系。
若于具体作品而言,线造型的表现,则是以移动视角的态度来观察世界的一切。这种主观性,在学术上称之为散点透视。
所以说,中国人主客统一的观察事物的方法,是善于讲究同时将几个视点及不同视平线内所观察到的物象综合在一起表现,并使人感到一种视觉感官上的舒服与满足。 这种善于平面性处理事物的造型观正是源于中国的哲学、绘画工具的特殊性及建筑的空间样式与形式的特点而逐渐形成的造型观念。
而线造型的观察、提取和纵深感的空间意识,所体现的是通过线势、线性、笔触、墨韵之微妙变化而达到,并体现出中国画造型的民族气质与风格。 所以,以线造型既体现出中国画具有强大的视觉表现能力上的宽容性,同时又易于客观对象的提炼与概括,并具有独立的审美价值和超越自然的绘画形式,并达到所创造的“第二自然”之理想境界。
线造型在水墨画与工笔画两种形式中则表现了不同的性格,其造型中用线的含义及艺术功能也各不相同。 就工笔画而言,“线”取自物象受光时起伏变化的特定位置与事物自身结构上的边缘及组合,如此产生的线造型不但生动而且线性、线态符合艺术规律的表现。
对于水墨画,线的提取与表现,更多的则是个性的精神符号语言,其观察与认识事物的方法更加主观与纯粹,这种造型则更多地体现了中华民族的传统及精神内涵、审美与个性、立场与气质。 所以说,以线造型无论在形式选择上如何有别,则无不表现出民族文化艺术的传统性,这就是线造型所产生的“言有尽而意无穷”的艺术效果及美学特征。
对于中国画家而言,如何从大自然中寻找表现自然形态的灵感,以不同的视角选择与心灵感悟去追求别具新意的艺术形态,可见证于历史上成功的画家无不借形态的特征表现,而隐藏着对人生命运的思考和人性丰富情感的物化。 而这种艺术表现则以线造型的形式展现在画面上。
线造型的另一。
3.我是美术学专业国画方向的,过段时间要写毕业论文了,想在近期确
毕业论文:是大学生在大学的最后一个学期,运用所学的基础课和专业课知识,独立地探讨或解决本学科某一问题的论文,它是在撰写学年论文取得初步经验后写作的,它的题目应该比学年论文大一点、深一点。
其基本标准应该是:通过毕业论文,可以大致反映作者能否运用大学三四年间所学得的基础知识来分析和解决本学科内某一基本问题的学术水平和能力。当然,它的选题一般也不宜过大,内容不太复杂,要求有一定的创见性,能够较好地分析和解决学科领域中不太复杂的问题。
本科毕业论文篇幅一般在六干字以上。 回答: 确定题目要跟导师沟通,先拟好一份开题报告和论文大纲给导师看,让老师判断你论文的可行性,好的选题能够决定毕业论文的价值和效用。
选题时要注意规划文章的方向、角度和规模,弥补知识储备的不足 ,合适的选题可以保证写作的顺利进行,提高研究能力。 选题的原则 :1. 理论联系实际,注重现实意义 (实用价值和理论价值) 2. 勤于思索,刻意求新 (从观点、题目到材料直至论证方法全是新的 、以新的材料论证旧的课题,从而提出新的或部分新的观点、新的看法 、对已有的观点、材料、研究方法提出质疑,虽然没有提出自己新的看法,但能够启发人们重新思考问题 ) 3. 知己知彼,难易适中(要充分估计到自已的知识储备情况和分析问题的能力 、要考虑到是否有资料或资料来源、题目的难易要适中 、题目的大小要适度 ) 你还有半年准备论文,时间还算充沛。
本科的毕业论文要求还不算严格,不知道你们是否要通过知网检测。你4年的国画学习历程,想必也有感兴趣的题目,例如可以写一些关于水墨动画的研究,“湿笔”的研究,意象造型研究,清代人物造型研究等等。
如果对你所选的题目自信不足,本科毕业论文还可以用浅析做题目开头。 积累资料的方法: 累积资料以下几方面的 :统计材料、典型案例、经验总结等等 、国内外对有关该课题学术研究的最新动态 、边缘学科的材料 、名人的有关论述,有关政策文献等 、搜集论文作 者当时所处的社会、政治、经济等背景材料。
实际一点来你所选的题目自己要有一定的知识储备量,再者可以通过浏览知网、doc88(道客88)、美术类核心期刊、画论中找到适合自己论点的材料。 同时要有资料的辨析的能力,注意累积资料的适用性 、全面性 、真实性、新颖 、典型性。
拟定结构提纲 : 要有全局观念,从整体出发去检查每一部分在论文中所占的地位和作用 。从中心论点出发,决定材料的取舍,把与主题无关或关系不大的材料毫不可惜地舍弃,尽管这些材料是煞费苦心费了不少劳动搜集来的 ,要考虑各部分之间的逻辑关系。
形成论点和论据: 由于人的认识不可能一次性完成,即使一种新观点出现,当时看来是完善的,但随着时间的推移,人们认识水平的提高总会发现原有观点的不足之处,所以,可以说,绝大部分已有的研究成果都给后世留下了补充性的研究课题。补充性论点是对前人研究成果的肯定与发展,而匡正性论点则是对已有研究成果的否定与纠正。
这种匡正性论点包括两个方面,一方面是对通说(即流行的说法或观点)的纠正,另一方面是对新出现的某种观点不足之处的纠正。 论文的性质:1. 科学性- 内容可靠、数据准确,实验可重复。
2. 创造性-原则上是不能重复别人工作,可以改进,但不能照抄。3. 逻辑性-思路清晰、结构严谨、推导合理和编排规范。
4. 有效性-公开发表或经同行答辩。5. 学术性-对事物进行抽象概括和论证,描述事物本质,表现内容的专业性和系统性。
不同于 科技报道和科普文章,要用书面语言论述精练。 论文的注意事项:1. 注意文笔文风,避免口语化,注意避免平时用惯了的简化词,要用规范书面语;2. 慎用第一人称;仔细检查,使每一句话简洁、准确;3. 注意拼写、打印错误;不要忽略字体、格式、插图排版等小节;4. 标题、序号一定要清晰,层次安排也要避免太繁。
温馨提示:论文中最好有你对所研究课题的实际操作的图片,在论文中带出自己的创作时候的借鉴,导师会比较喜欢,答辩起来也比较容易。另外把论文大致格式发编辑给你: 文章结构 学术论文的一般结构(GB7713-87) 题目 作者及单位 摘要 关键词 引言(前言) 正文 结论 参考文献 附录性材料 论文的篇名 用简洁恰当的词组反映文章的特定内容,明确无误 篇名简短,不超过20个字 少用研究和空洞应用之类字 避免用不熟悉的简称、缩写和公式等 关于摘要 文章内容不加注释和评论的简短陈述,具有独立性和完整性用于检索; 一般包括:研究的目的与重要性、内容、解决的问题、获得的主要成果及其意义; 小摘要(200-300字) 麻雀虽小,五脏俱全 大摘要(600字左右) 突出研究成果和创新点的描述 关键词 4-6个反映文章特征内容,通用性比较强的词组 第一个为本文主要工作或内容,或二级学科 第二个为本文主要成果名称或若干成果类别名称 第三个为本文采用的科学研究方法名称,综述或评论性文章应为"综述"或"评论" 第四个为本文采用的研究对象的事或物质名称 ,避免使用分析、特性等普通词组。
引 言 主要回答为什么研究 ,介绍论文背。
4.关于中国山水画的论文
浅谈对中国画的认识 首先我想说对于我们建筑学来说,对国画的认识是更有裨益的。
各类的中国画首先给人一种意境美和音乐美,在使人在了解画的同时,也得到审美能力的锻炼 在着我就谈一下自己对中国画的认识,我觉得了解中国画首先应该了解中国画的产生,发展及其内在精神 山水画萌芽于晋朝,顾凯之在《魏晋胜流画赞》中第一句就是“凡画,人最难,次山水,次狗马”山水画已成为一个主要表现题材,我觉得人对人自己认识太深才觉得每幅画人的言态表现得不尽人意,山水可夸大其气势表达出其意境即可,狗马只须表达出其形而已从顾凯之仅有的山水画《洛神赋图》中可以窥见当时山水画初期形态的端倪,基本上如唐代张彦远在《历代名画记》中的所记载的样子,传本〈洛神赋图〉中的山水部分,确实如其所言“群峰之势,若细饰犀拮”,或“水不容泛,人大于山”无论是山水还是树石,都表现为高度的概括化,比如树的表现,银杏树仅象征性地以三五片银杏叶概括,树枝的“列植之状”也是“若神臂布指,离现实生活中真实的印行树有很大距离,正如前边所论“凡画,人最难,次山水,次狗马”。山石仅以“高古游丝”线条勾勒,而没有皴法,但我认为,水法和云法的表现是极为纯熟的,水云的流态动势相当完美,由此可见,山水画的表现在当时已达到的艺术水准只是没有后来的布局合理罢了 初期的山水画往往是人物活动的背景,配景,即使独立为一个专门画种也是需要一个发展过程的,山水画初期的这种形态是不足为奇的,虽然我们现在已不能得睹六朝时期的山水画作品而且见于史料的早期山水画家也不是很多,顾凯之,宗炳,王微等人关于山水画论的发展为当世山水画的发展和成熟作了理论上的准备历隋唐,五代诸朝,山水画渐盛。
他们可谓山水画的先驱,六朝时期是中国山水画的真正起点,虽说是中国历史上政治最黑暗的时期,却导致了美学上的最灿烂,我认为这应该归功于当时不忍心目睹石灰的琴棋书画的隐士,且当时类似于陶哦渊明,谢灵运的隐逸思想普遍流行,此时人们对自然美有了更深的认识更促进中国山水画的发展,谢灵运《山居赋》中所记载的始宁山就是典型的例证,他的山水诗开拓了山水诗写实的审美之路,王维的“诗中有画,画中有诗”也正说明了中国山水画的发展也益于诗的发展和衍生。 山水画在六朝时期兴起的另外一个重要原因是艺术家自身的发展。
汗以前的艺术家往往以工匠身份出现他们都依靠绘画的手艺谋生,绘画是功利的,必须围绕服务对象的要求进行创作,但也不同程度促进山水画的发展 说山水画的内在精神,中国山水画十分强调作者的主观因素,在山水画创作中,作者对自然界的认识理解,以及作者的情感流露是起着主导作用的,画家应当“以情入画”力求“情景交融”,正如在一幅山水画上题一首诗或多一个红戳更能增加山水画的内在精神和蕴涵,在对客体世界有一个多侧面深层次认识的基础上凭借心灵感受概括勾画出山水形象,者便是“迁想妙得”许多优秀的山水作品所显露出来的气质和高雅的格调,并不仅仅是因为作者具有深厚的笔墨功力,更重要的是作者具有饱满的创作激情和高深的文学修养。因此山水画家的学识越高,创作后劲也就越大。
唐代山水家的学识越高,创作后劲也就越大,如“外师造化,中得心源”,“搜尽奇峰打草稿”均提倡到生活中去,到实践中去。 欣赏中国山水画我觉得应该首先了解中国山水画的内在精神,中国山水画是中华民族艺术知会的宝贵结晶,是灿烂的中华文化的一个重要组成部分,在它自身发展的过程中,逐步地形成了一个完整的独立的艺术体系,所以民族性是中国山水画最显著的特征之一,中国山水画体现了中国人特有的审美情趣,即简练,恬静,含蓄和韵律等 其实山水画从一开始就与其它的道家,佛家,儒家有关,佛家的禅宗对中国山水画的创作影响也是值得讨论的,它没有连续性和次序性,认定在精神上能够出现自发性的领悟,这种领悟实际上是对人世解忧的解脱和心理障碍的排除,而这些又恰恰是中国山水画家们孜孜以求的 佛家是对中国文化影响最大的思想体系,孔子最早提出“仁者乐山,智者乐水”,是以道德价值来评价山水,但是这种对大自然的审美追求,客观上已超出了道德的范畴,其中的中和之美构成了中国传统山水画感情含蓄,气息平和的总体风格 儒佛道的自然观影响于山水画共同点有三个:一是取法自然,用于自然的统一,二是静态与动态的统一,三是客观世界与主观世界的统一。
中国山水画深刻的思想内涵是与中国古典哲学有着直接的因果关系。绘画不能没有哲学思考,没有哲学思考的绘画是没有灵魂的绘画。
作山水画须先胸有丘壑。“意在笔先”是中国画构图的特点,落笔后应意到笔随。
我们不能忽视道家这里的深远影响,传统中国画家长期艺术实践中都自觉和不自觉地受到潜移默化的熏陶。作画在落笔时就应考虑各种阴阳关系,加以对比此和谐的处理,如方圆,横直,点线,刚柔,浓淡,冷暖,轻重,虚实等等。
山本静,水流则动;石本顽,树活则灵”正所谓山水之静动,顽与灵,均是大自然中存在的各种阴阳节奏关。
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